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Discos de heavy metal extranjeros de toda la vida, sobre todo de los 80 y 90 grandes décadas de este estilo musical.
Robert William Gary Moore (Belfast, 4 de abril de 1952-Estepona, 6 de febrero de 2011) fue un músico, compositor y productor británico de blues rock y hard rock, conocido mayormente por haber sido guitarrista líder en bandas como Skid Row, Colosseum II y Thin Lizzy, y por su extensa carrera en solitario como vocalista.Influenciado por guitarristas de blues y rock, a los diez años comenzó a practicar la guitarra de manera autodidacta con el apoyo principalmente de su padre. Luego de integrar algunas bandas locales, en 1968 se fue de Belfast para establecerse en Dublín. En la década de 1970 fue parte de Skid Row (1968-1971), Colosseum II (1975-1978) y Thin Lizzy (1974, 1977, 1978, 1979). Paralelo a ello, inició su carrera solista de manera parcial con Grinding Stone (1973) y Back on the Streets (1978), y colaboró como músico de sesión para artistas como Cozy Powell, Andrew Lloyd Webber, Eddie Howell, Rod Argent y Gary Boyle, entre otros. En 1979, luego de renunciar a Thin Lizzy, viajó a Los Ángeles y fundó G-Force, cuyo único álbum salió al mercado en 1980. Tras dos años de trabajar con Greg Lake, en 1982 firmó con Virgin Records y antes de terminar la década publicó cinco producciones con un estilo ligado al hard rock y heavy metal. Con ellos logró éxito comercial en Europa, principalmente en los países escandinavos.A finales de 1989 anunció que estaba aburrido del metal y que haría el álbum que siempre quiso realizar. Titulado Still Got the Blues (1990), su estilo estaba enfocado en el blues, su principal gusto musical. A pesar del cambio de estilo, dicha producción le trajo consigo positivas críticas de la prensa especializada como también un importante éxito comercial, con ventas que superan los seis millones de copias. Dicho éxito lo replicó con After Hours (1992) y el vivo Blues Alive (1993). En 1993 hizo un paralelo a su carrera cuando formó el power trio Bruce–Baker–Moore junto con Jack Bruce y Ginger Baker; Around the Next Dream, su único disco, se publicó en 1994. Después de tributar a Peter Green —su principal influencia— con Blues for Greeny (1995), en la segunda mitad de los años 1990 experimentó con el pop y el dance con Dark Days in Paradise (1997) y A Different Beat (1999). En los años 2000 retomó el blues y el blues rock con cinco producciones de estudio y el hard rock con el álbum Scars (2002). En 2010 realizó una gira en donde volvió a interpretar sus éxitos de hard rock y heavy metal, y quería volver a tocar rock en un nuevo álbum de estudio. No obstante, estos planes se vieron trucados cuando el 6 de febrero de 2011 falleció a causa de un infarto agudo de miocardio, mientras estaba de vacaciones en Estepona (España).Gary Moore es recordado por su trayectoria ecléctica, puesto que interpretó rock, hard rock, heavy metal, blues, blues rock, jazz fusión, entre otros estilos. Como guitarrista poseía una interpretación rápida y técnica, pero a la vez melódica y expresiva, dominaba distintas escalas y ejecutaba una variedad de recursos como por ejemplo el legato, hammer-on, shred y pull-off. Considerado como un virtuoso, pero subestimado, varios guitarristas de blues, hard rock y heavy metal lo han citado como una de sus influencias. A lo largo de su carrera principalmente se asoció a la Gibson Les Paul 1959, aunque tocó guitarras de diversas marcas como Fender, PRS Guitars, Takamine, Hamer y Charvel. Después de su fallecimiento, ha sido homenajeado y tributado por varios artistas, se han editado producciones póstumas y algunas publicaciones como Total Guitar, Classic Rock y Louder lo han incluido en sus listas de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
Dio fue una banda de heavy metal fundada por el vocalista y compositor Ronnie James Dio en el año 1982. La agrupación nace después de que Ronnie abandonara Black Sabbath, llevándose consigo al baterista de la banda, Vinny Appice, quien había remplazado a Bill Ward durante la gira del disco Heaven and Hell (1980). A estos dos componentes se suman Vivian Campbell a la guitarra y Jimmy Bain, ex-Rainbow al igual que Dio, al bajo.Con algunas ideas claras en torno a la dirección que debía tener su disco debut, Ronnie se aboca a la búsqueda de un guitarrista con un sonido más moderno y metalero. Tras varias audiciones a guitarristas americanos que no logran convencerlo, viaja a Londres, donde pide recomendaciones a su viejo camarada de Rainbow, el bajista Jimmy Bain. Jimmy lo invita entonces a algunos conciertos del circuito londinense, donde descubren a dos jóvenes promesas de las seis cuerdas: John Sykes y Vivian Campbell. Ronnie opta por contratar al segundo, un talentoso veinteañero norirlandés. Junto al mismo Bain, que es invitado a unirse al proyecto, queda configurada la formación clásica de la banda.
The ABSOLUTE BEST AND GREATEST HITS OF DEPECHE MODE. All of the fan favorites are HERE. A trip through memory lane. This brand new DM mix features GROUNDBREAKING NEW DJ MIXING EFFECTS that further enhances the DEPECHE MODE experience.
Def Leppard es una banda británica de rock originaria de Sheffield, Reino Unido, que dio inicio a su carrera a finales de los años setenta, alcanzando gran éxito mundial en la década de los ochenta, acercando al heavy metal a las emisoras de radio y al gran público en general, gracias a una mezcla de hard rock melódico con un gran trabajo vocal. Junto a otras bandas como Bon Jovi, Van Halen, Mötley Crüe, Scorpions, Metallica, Guns N' Roses, etc, es reconocida como una de las bandas de heavy metal superventas de los años 1980. Junto a grupos como Saxon, Iron Maiden y Venom fueron una de las bandas de cabecera de la New Wave of British Heavy Metal. Def Leppard ha vendido más de 100 millones de álbumes en todo el mundo, y dos de sus producciones han alcanzado la certificación de Diamante de la RIAA (Pyromania e Hysteria). De esta forma, se convirtieron junto a The Beatles, Led Zeppelin, The Doors, y The Who en uno de los cinco grupos de rock con dos álbumes de estudio originales con ventas por más de 10 millones de copias solo en los Estados Unidos y más de 20 en todo el mundo. La banda ocupa el número 31 del ranking de VH1 Los 100 mejores artistas de Hard Rock y el puesto número 70 en Los 100 artistas más grandes de todos los tiempos. Su mayor éxito es la canción "Pour Some Sugar on Me", considerada por la cadena Vh1 la segunda mejor canción de los años 1980.[5] Sus conocidos e influyentes álbumes de estudio Pyromania e Hysteria han sido incluidos por la revista Rolling Stone en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos según Rolling Stone. La propia revista Rolling Stone ha situado a Hysteria en la primera posición en su lista de los 50 mejores discos de glam metal de la historia. Han sido incluidos en el prestigioso Salón de la Fama del Rock and Roll en 2019.
00:03:30 : Whe̲̲n a̲ B̲̲li̲n̲̲d M̲a̲̲n̲̲ C̲̲r̲i̲̲es̲00:09:22 : S̲mok̲̲e̲̲ on th̲e W̲at̲e̲̲r (Live in Ro̲̲me̲ 2̲0̲13)00:15:36 : Sm̲̲o̲ke̲̲ on t̲̲he̲ W̲at̲̲er (̲L̲̲i̲ve̲ in̲ Rome̲̲ 2̲̲0̲13̲̲)00:21:41 : Bu̲rn (R̲̲e̲ma̲s̲te̲̲r̲̲e̲d 200̲̲4̲̲)00:25:06 : So̲̲ld̲̲ie̲̲r Of̲̲ Fo̲rt̲̲u̲n̲e (2̲̲0̲0̲9̲ Di̲g̲it̲al̲ R̲e̲m̲̲as̲t̲̲e̲̲r̲)̲̲00:35:20 : C̲h̲̲ild̲̲ i̲̲n Ti̲̲me̲̲ (̲̲19̲95̲ Re̲m̲a̲̲s̲ter̲̲)00:40:45 : P̲̲e̲̲rfe̲̲c̲̲t̲ St̲̲r̲̲an̲̲ger̲̲s00:46:50 : Knoc̲̲ki̲̲n̲̲g̲ a̲̲t̲̲ Your B̲̲ac̲̲k̲ Door00:53:34 : H̲ig̲h̲way S̲̲t̲̲a̲̲r (̲Live; 19̲98̲̲ D̲̲igi̲̲tal̲̲ R̲̲e̲mast̲e̲r) (Li̲v̲̲e̲̲ F̲̲ro̲m Os̲aka,Japan/19̲̲72̲ / 1998 Di̲̲g̲̲i̲̲ta̲l Remas̲̲te̲r̲̲)00:57:59 : H̲ush̲̲
[00:00:00] - 01. Yesterday - The Beatles [00:02:03] - 02. The Beatles - Don't Let Me Down [00:05:20] - 03. The Beatles - Let It Be [00:09:22] - 04. The Beatles - Hello, Goodbye [00:12:44] - 05. The Beatles - Come Together [00:16:56] - 06. The Beatles - Hey Jude [00:23:56] - 07. The Beatles - A Day In The Life [00:28:17] - 08. The Beatles - Something [00:31:16] - 09. The Beatles - Eight Days A Week [00:33:57] - 10. The Beatles - Help! [00:36:13] - 11. The Beatles - Here Comes The Sun [00:39:17] - 12. The Beatles - I Feel Fine [00:41:33] - 13. The Beatles - Now And Then [00:45:35] - 14. The Beatles - Paperback Writer [00:47:48] - 15. The Beatles - Penny Lane [00:50:47] - 16. The Beatles - Strawberry Fields Forever [00:54:21] - 17. The Beatles - Ticket To Ride [00:57:21] - 18. The Beatles - We Can Work It Out [00:59:32] - 19. The Beatles - Yellow Submarine [01:02:08] - 20. The Beatles - While My Guitar Gently Weeps
00:04:55 : N̲i̲g̲htsh̲̲i̲ft00:09:39 : Bo̲rn̲̲ in th̲̲e̲̲ U.̲S.A.00:13:52 : S̲tr̲̲ee̲̲t̲s̲ of̲̲ Phi̲̲la̲̲del̲̲phia̲00:20:27 : To̲̲ugher T̲̲h̲a̲̲n̲̲ th̲e̲ R̲̲est̲00:25:01 : T̲oug̲her̲ Th̲̲a̲̲n the R̲est̲00:28:32 : I’̲̲m̲ o̲n Fi̲̲r̲̲e̲̲00:34:14 : G̲̲lo̲r̲̲y Days00:38:13 : D̲anc̲in̲g̲̲ i̲̲n the̲ D̲ark̲̲00:41:35 : H̲̲ung̲ry̲̲ He̲̲art̲̲00:46:03 : S̲̲e̲c̲̲ret G̲arden
Black Sabbath Greatest Hits Full Album - Best Songs Of Black Sabbath►The channel is owned by C2S Entertainment. All videos are used by C2S Entertainment. All videos are specially licensed from live performers.►Thanks for watching. Like the video "SUBSCRIBE" - "LIKE" - "SHARE" - "Leave a comment"➤ This video is made for pure fans, if you (the owner) or you have a copyright or trademark issue and want this video removed, PLEASE CONTACT us directly by mail: cameronhammondju66175@gmail.com or to Leave a message under this post before doing anything. We respectfully remove it. Thank you!
Anthrax ofreció un concierto memorable en el Woodstock Festival Poland (actualmente Pol'and'Rock Festival) en 2013, ofreciendo un setlist clásico de thrash metal ante una multitud masiva. La actuación mostró la energía inconfundible de la banda, siendo lanzada posteriormente como un álbum en vivo y DVD, capturando uno de sus shows más energéticos en Europa.
- Balls To The Wall (5:44)02. Fast As A Shark (3:50)03. Restless And Wild (4:13)04. Head Over Heels (4:26)05. Neon Nights (6:04)06. Princess Of The Dawn (6:17)07. Love Child (3:36)08. London Leatherboys (3:58)09. Winterdreams (4:51)10. Midnight Mover (3:08)11. T.V. War (3:28)12. Russian Roulette (5:24)13. Metal Heart (5:24)14. Screaming For A Love-Bite [Live Version] (4:27)
- Thunderstruck02. Back In Black 03. War Machine 04. Highway to Hell05. T.N.T 06. Rock 'N' Roll Damnation 07. Are You Ready08. Whole Lotta Rosie09. Rocker10. Rock N Roll Train11. You Shook Me All Night Long12. Fire Your Guns 13. Hells Bells14. Hard as a Rock15. Girls Got Rhythm16. For Those About to Rock (We Salute You)17. Moneytalks18. High Voltage
Listado de temas:Panic AttackThe Serpent And The KingInvincible ShieldDevil In DisguiseGates of HellCrown Of ThornsAs God Is My WitnessTrial By FireEscape From RealitySons Of ThunderGiants In The SkyEfectivamente, y eso ya lo dije en “Firepower”, parece que Rob Halford se ha quitado veinte años de encima. Tanto “Panic attack” como “The serpernt and the king”, que abren el disco, son canciones de una factura sublime, recogiendo la mejor esencia de los JUDAS PRIEST que más nos gustan, y luego viene “Invincible Shield”, otro tema rápido en el que Rob deja huella nuevamente con su amplio registro. Sin lugar a dudas, este “escudo invencible” es un digno sucesor de “Firepower”, en todos los sentidos. Suena fresco y contundente, nuevamente con la producción de Andy Sneap y Tom Allom, su productor de cabecera en discos como “British Steel” (1980), “Point Of Entry” (1981), “Screaming For Vengeance” (1982), “Defenders Of The Faith” (1984), “Turbo” (1986) o “Ram It Down” (1988). Ambos han logrado lo impensable, que JUDAS PRIEST suene moderno, pero a la vez manteniendo el sonido clásico del grupo, como por ejemplo demuestran “Devil in disguise” o “Gates of hell”. Sin duda, ellos son pieza clave en la dirección musical que han tomado los británicos en las últimas dos entregas.Con este nuevo esfuerzo, JUDAS PRIEST siguen los derroteros metálicos de “Ram it down” (1988) o el propio “Painkiller” (1990), siempre salvando las distancias, como ya comprenderéis. Hay grandes temas, como el medio tiempo épico llamado “Crown of thorns”, o incluso “Trial by fire”, que son coreables hasta la saciedad, luego, tampoco faltan las guitarras afiladas, como “Scape from reallity” o “A god is my witness”… y, aquí, seguro que la diferencia de edad del amigo Faulkner sigue marcando la diferencia en ese sentido. Y para el directo, nada mejor que “Sons of thunder”, con unos coros muy marcados, rematado con ese “Giants in the sky” que cierra la edición estándar de este “Invincible Shield”.Si “Firepower” gustó, me atrevería a decir que este nuevo disco casi que lo supera… o por lo menos está a la par. Con eso queda todo dicho. Con la evolución de su música en los últimos años y sus grandes actuaciones en directo, JUDAS PRIEST siguen demostrando que, efectivamente, su escudo es invencible.
Lista de canciones:1.Forever1. From The Moon2. Open Fire3. Hurricane4. Mean Streak5. Rescue Me6. Black Tiger7. Dirty Girl*8. Forever9. Midnight In Tokyo10. Hang 'Em High11. Lipstick And Leather12. Summertime Girls13. Beautiful Dreamer/Traveller's Moon14. 25 Hours A Day (LIVE)15. Barroom Boogie*16. I Believe In You
[0:01] 01. Shadow Man (5.35)[5:35] 02. My Wicked Heart (5.38)[11:12] 03. Black Bone Torso (2.16)[13:29] 04. Hell for Eternity (4.38)[18:06] 05. Hallowed Ground (5.54)[24:01] 06. Revengeance (5.21)[29:21] 07. Trail of Tears (5.51)[35:13] 08. Stone Cold Killers (4.57)[40:09] 09. Rubber Man (4.26)[44:35] 10. Hallowed Ground (take #5: acoustic) (6.09)[50:44] 11. Revengeance (karaoke version) (5.22)[56:06] 12. Trail of Tears (take #1) (5.04)[1:01:10]13. Hallowed Ground (take #2) (5.19)
Unholy Terror es el noveno álbum en estudio de la banda norteamericana de heavy metal W.A.S.P., lanzado en el 2001. Recibió buenas críticas especialmente por su temática, ahondando con gran detalle en el mundo y todos sus vicios.Lista de cancionesTodas las canciones escritas por Blackie Lawless."Let it Roar" - 4:40"Hate To Love Me" – 4:07"Loco-Motive Man" – 6:03"Unholy Terror" – 2:01"Charisma" – 5:25"Who Slayed Baby Jane?" – 4:55"Euphoria" – 3:19"Raven Heart" – 3:46"Evermore" – 6:10"Wasted White Boys" – 6:49
Todas las canciones escritas por Blackie Lawless.«Drive By» - 0:55«Helldorado» - 5:05«Don't Cry (Just Suck)» - 4:16«Damnation Angels» - 6:27«Dirty Balls» - 5:19«High on the Flames» - 4:11«Cocaine Cowboys» - 3:57«Can't Die Tonight» - 4:04«Saturday Night Cockfight» - 3:20«Hot Rods to Hell (Helldorado Reprise)» - 4:15
Lista de canciones"Kill.Fuck.Die." – 4:20"Take the Addiction" – 3:41"My Tortured Eyes" – 4:03"Killahead" – 4:07"Kill Your Pretty Face" – 5:49"Fetus" – 1:23"Little Death" – 4:12"U" – 5:10"Wicked Love" – 4:36"The Horror" – 8:26
1.Still Not Black Enough2.Somebody To Love3.Black Forever4.Scared To Death5.Goodbye America6.Keep Holding On7.Rock And Roll To Death8.Breathe9.I Can't10.No Way Out Of Here
First Blood Last Cuts es el primer álbum recopilatorio de la banda estadounidense de heavy metal WASP. Lanzado en octubre de 1993, fue la primera vez que la canción " Animal (Fuck Like a Beast) ", previamente lanzada solo como sencillo en 1984, se incluyó en un álbum. El álbum también incluyó dos canciones nuevas: "Sunset and Babylon" y "Rock and Roll to Death". "Rock and Roll to Death" se publicó posteriormente en Still Not Black Enough de 1995 ; "Sunset and Babylon" permaneció en exclusiva para este CD, mientras que otras canciones fueron remezcladas para el álbum.La compilación es el resultado de la salida de Blackie Lawless y WASP de Capitol Records y se publicó como una obligación contractual con Capitol/ EMI . Según Blackie Lawless, «Capitol había llegado al punto de que ya no iba a ser el sello que apoyara este tipo de música».1." Animal (Folla como una bestia) " 3:062."Máquina del amor" (remezcla) 3:543." Quiero ser alguien " (remix) 3:354."De rodillas" 3:485."Ciego en Texas" (remix) 4:226." Niño salvaje " (remix)Chris Holmes y Blackie Lawless5:107." No necesito ningún doctor " (remix, versión de Ray Charles )Jo Armstead , Nick Ashford y Valerie Simpson3:288." El verdadero yo " ( versión de The Who )Pete Townshend3:209." Los niños sin cabeza " 5:4810."Hombre malo" 4:5211." Libre para siempre " 5:1012." Chainsaw Charlie (Asesinatos en la nueva morgue) " 7:5013."El ídolo" 8:4114."El atardecer y Babilonia" (inédito) 3:3415."Aférrate a mi corazón" 4:24dieciséis."Rock and Roll hasta la muerte" (inédito) 3:48Longitud total:74:50
1."The Heretic (The Lost Child) †" (Lawless, Chris Holmes)7:162."The Real Me" (Pete Townshend; The Who cover)3:213."The Headless Children"5:474."Thunderhead" (Lawless, Holmes)6:455."Mean Man"4:506."The Neutron Bomber"4:037."Mephisto Waltz"1:278."Forever Free"5:099."Maneater"4:4610."Rebel in the F.D.G."5:08Total length:48:32
El disco Live in the raw, fue grabado de sus últimos tres espectáculos en vivo, en San Bernardino, San Diego y Long Beach Arena del tour llamado Welcome to the electric circus, pero omitiendo el tema Animal (fuck like a beast), el cual era uno de los temas importantes en todas sus presentaciones.El tema Scream until you like it, apareció en la película Ghoulies II.En una gira de 6 semanas por EEUU, aún se encontraba al grupo P.M.R.C. haciendo presión para que la banda no pudiera presentarse en muchas ciudades.01-Inside the electric circus02-I don't need no doctor03-L.o.v.e. machine04-Wild child05-9.5.-n.a.s.t.y.06-Sleeping (in the fire)07-The manimal08-I wanna be somebody09-Harder faster10-Blind in Texas11-Scream until you ilke it12-Shoot from the hip [bonus track]13-Widowmaker [bonus track]14-Sex drive [bonus track]15-Sleeping [acoustic bonus track]
The Big Welcome0:51Inside the Electric Circus4:06I Don't Need No Doctor3:279. 5.-N.A.S.T.Y.4:48Restless Gypsy5:02Shoot From the Hip4:41I'm Alive4:24Easy Living3:13Sweet Cheetah5:18Mantronic4:12King of Sodom and Gomorrah3:52The Rock Rolls On3:57
The Last Command es un álbum de heavy metal lanzado en 1985 por la banda W.A.S.P. El disco fue producido por Spencer Proffer, quien también produjo el clásico "Metal Health" de Quiet Riot. Un nuevo miembro fue añadido a la agrupación para el lanzamiento de este álbum, se trata de Steve Riley en la batería.1Wild Child5:122Ballcrusher3:253Fistful of Diamonds4:164Jack Action4:185Widowmaker5:206Blind in Texas4:217Cries in the Night3:428The Last Command4:119Running Wild in the Streets3:3210Sex Drive3:02
Los inicios de la banda se remontan a 1978 cuando el grupo empieza bajo el nombre de Sister ya con Blackie Lawless como cantante. En los tiempos de Sister el grupo gozaba de cierta fama en el underground ofreciendo unos directos sangrientos y llenos de excesos. Eso haría que el entonces manager de Iron Maiden se acercara a California para ver si las leyendas contadas desde el otro lado del Atlántico eran ciertas.Capitol Records se lleva el gato al agua y consigue contratarlos. Ya con el nombre de W.A.S.P. sacan su primer disco. Pero sería un parto difícil… De entrada, las siglas WASP eran consideradas una provocación hacia la sociedad americana. W.A.S.P. siempre ha sido considerado una abreviatura de White, Anglo-Saxon, Protestantism, en castellano: Blanco, Anglo-Sajón y Protestante, que definirían al norteamericano tipo. Ellos le dieron la vuelta y atacarían con We Are Sexual Perverts, traducido: “Somos unos pervertidos sexuales”.Hay muchas teorías sobre qué quieren decir las siglas, pero parece ser que este significado salió impreso en el primer tiraje de vinilos de ese disco. Pero no contentos con ello, titularían su álbum como “WASP” y sacarían el single “I Fuck Like a Beast”, que traducido es: “Yo follo como una bestia”. Con semejante lindeza en la portada acompañando ese sencillo, le añadieron una foto de lo más explícita, consiguieron que Capitol no les editara el single en Estados Unidos.En Europa pensaron en sacarlo con una bolsa de plástico tapando la portada y una pegatina advirtiendo del contenido. Finalmente, la gente de Capitol se lo repensó y decidió que mejor no sacar semejante single en Europa. Entonces entraría el sello Music for Nations en escena, que sí se atrevería a sacarlo con la portada original. El plástico, a pesar de las trabas, fue un éxito y consiguió entrar en las listas americanas.Y es que, señalar ese vinilo como peligroso y prohibirlo suele ejercer el efecto contrario. Temas con títulos tan explícitos como “Máquina del amor”, “De rodillas” o “La tortura nunca acaba” son tan gráficos como ofensivos. Posiblemente los mayores himnos que grabarían W.A.S.P. pertenecen a ese disco, y curiosamente, la censurada “I Fuck Like a Beast” está entre ellos. A lo largo de la historia del grupo Blackie ha ido alternando el bajo y la guitarra rítmica dependiendo de la formación, muy cambiante en Wasp. Ya en las primeras de cambio vemos que su batería original abandona la formación y recala en W.A.S.P. Steven Riley de Keel, que terminaría considerado por muchos “el batería” de W.A.S.P..El grupo saca en 1985 otro gran disco, “The Last Command”, que confirma su buen momento y les permite incluso llegar a girar con Kiss. Ese LP contenía el single “Blind in Texas” basado en la película La matanza de Texas. El grupo volvería a sufrir cambios y el guitarrista Randy Piper les abandonaba. Es tras ese álbum cuando estalla la polémica del PMRC y un equipo de congresistas, senadores y agrupaciones se dedican a señalar con el dedo a las bandas que pervierten a la juventud americana. Incluso confeccionan listas y les llevan a los tribunales.El heavy metal obviamente sería su blanco favorito, pero tampoco escaparía gente como Madonna o John Lennon y empezaría a hacerse popular esa moda de buscar mensajes ocultos escuchando vinilos al revés. Todo aquello terminaría con la famosa pegatina de: “Parental Advisory: Explicit Lyrics” (Aviso a los padres, letras explícitas). Esa polémica les conformaría más fama de peligrosos y haría que nuevos fans indagaran en ese grupo maldito y peligroso.Pero las consecuencias que provocaría esa demanda, liderada por Tipper Gore, esposa del senador Al Gore (sí, el hombre que ganó el premio Nobel de la paz y autor del film Una verdad incómoda) comportarían ciertos quebraderos de cabeza al grupo. Al ser blanco de pervertir a las juventudes pasarían a estar en el punto de mira de muchos grupos de ultraderecha. La banda recibió numerosas amenazas de bomba a la hora de realizar conciertos, y Blackie llegó a ser tiroteado dos veces en sendos atentados, pero los terroristas no consiguieron abatirle.Contarían las amenazas de muerte por cientos e incluso grupos ecologistas y protectores de los animales también les darían caza. “Radio macuto” empezó a generar mil historias sobre W.A.S.P., la mayoría infundadas, y la de que pisaban pollitos vivos en el escenario sería una de tantas. Finalmente, W.A.S.P. ganarían el juicio contra el PMRC y la organización pagaría por violar los derechos de autor.Su siguiente obra se tituló Inside the Electric Circus, y es un disco considerado algo inferior a los anteriores. De hecho, el propio Lawless llegaría a escribir en las notas de la reedición que “era un disco cansado realizado por una banda cansada”. Así que lo mejor era tomarse algo de tiempo y no ir con prisas a la hora de sacar nuevo material.El año 1987 el grupo graba un LP para la banda sonora de Ghoulies 2, película de bajo presupuesto y que muestra unas simpáticas criaturas que intentan emular a los Gremlins, pero algo más asquerosas y gamberras. El tema sería “Screm Until You Like It”, o sea: “Grita hasta que te guste”. También grabarían un directo, considerado un clásico ese mismo año: Live… in the Raw. Steve Riley abandonaba W.A.S.P. para enrolarse en los emergentes hard rockeros L.A. Guns.Las cosas mejorarían notablemente con The Headless Children, posiblemente una de sus obras más maduras y creativas. No incluían en él ninguna referencia sexual y sí mucha más crítica social (sólo hay que echar un vistazo a la brillante portada). El disco iría acompañado de unas ventas muy elevadas y entraría incluso en las listas americanas. Incluirían en él la versión de “The Real Me” de los Who y la balada “Forever Free”, a la que un servidor siempre le ha notado que suena sospechosamente a “The Wizard” de Uriah Heep, formación a la que ya versionaron en sus inicios.El disco viene a avisarnos de que la humanidad ha perdido la cabeza. Holmes abandona el grupo tras el disco “en busca de diversión”, como decía el entonces esposo de la diva Lita Ford. Pero la fama de Blackie incluso le llega a brindar la oportunidad de llegar a ser el actor que interpretaría al T-1000 de la película Terminator 2. Finalmente se quedaría el papel el actor Robert Patrick. Parece ser que al verlo Arnold Schwarzenegger dijo de Lawless que “era demasiado alto”. Y lo es “negrito sin ley” es un coloso.En 1992 aparece el excepcional disco The Idol, una obra conceptual en la que Lawless daba un importante giro a su carrera, y hay que considerarlo casi como un disco en solitario. Si salió bajo el nombre de W.A.S.P. fue porque la compañía discográfica sabía que obtendría muchas más ventas. Compuesto todo por él, ya sin Holmes y sin ninguno de los clásicos miembros de los inicios, Lawless compone un disco en el que abundan las baladas y los medios tiempos, pero que posee temas rockeros y netamente heavies. Es una historia madurada durante tres años, basada en la ascensión y caída de un músico y está basada en vivencias personales y en su propia infancia. Muchos de sus fans consideran ese disco como el mejor de toda su discografía.Still Not Black Enough aparece en 1995 y ya da algunas muestras de fatiga compositiva. Hay cortes muy similares, pero consigue salvar los muebles con alguna composición notable muy cercana al rock ‘n’ roll clásico y a altas revoluciones como “Rock and Roll to Death”. Empezaba aquí la decadencia del grupo pues las ventas no acompañaban y el grunge y las bandas de Seattle ya mandaban desde principios de la década. Ese disco mostraba una cara muy introspectiva y algo oscura pero no llegaría a las cotas de calidad de sus anteriores obras.Había que dar un volantazo a la carrera de W.A.S.P., y el as que Lawless guardaba en la manga era obvio: Chris Holmes. Desgraciadamente la formación, y más en concreto Lawless, se verían influenciada por los ritmos maquinales de las discotecas y los plasmarían en el arriesgadísimo Kill, Fuck, Die. Ese álbum está considerado como el mayor despiste del grupo, pero mantuvo los elementos provocativos. Traducido es “Mata, folla y muere”.El siguiente, Helldorado, volvería a retomar el sonido rockero de antaño, pero tampoco conseguiría dirigirse hacia la buena senda. Fueron tiempos en los que Lawless no podía mantener el nivel vocal en directo y en el que utilizaban samplers para los coros. La sombra del playback se cernió sobre ellos y las críticas se acrecentarían debido a que el resto de la banda tampoco estaba a la altura. Grabarían en ese periodo dos directos y un DVD, Double Live Assassins y “The Sting”. El DVD de The Sting sería grabado con cámaras experimentales y el resultado no sería del agrado de Lawless. Decir que “Sting” sería picadura-aguijonazo, y es que en el fondo la traducción de W.A.S.P. es avispa.
Listado de pistasNo.TítuloLongitud1."Mantente hambriento"3:142." No lo vamos a aceptar "4:363."Arde en el infierno"5:374."Horror-Teria (El comienzo):a) Capitán Howdyb) Justicia callejera"8:425." Quiero rockear "3:156." El precio "4:087."No me decepciones"4:458."La Bestia"3:259."SMF"3:28
Canciones:1We're Not Gonna Take It3:402I Wanna Rock3:033I Am (I'm Me)3:364The Price3:505You Can't Stop Rock & Roll4:426The Kids Are Back3:177Shoot 'em Down3:548Under the Blade4:399I'll Never Grow Up Now!4:0910Bad Boys (Of Rock & Roll)3:2011What You Don't Know Sure Can Hurt You (live)5:0912Destroyer (live)4:3813Tear It Loose (live)3:0514Run for Your Life (live)3:3915It's Only Rock & Roll (But I Like It)10:1316Let the Good Times Roll / Feel So Fine (live)4:15
Canciones:1Wake Up (The Sleeping Giant)2Hot Love3Love Is for Suckers4I'm So Hot for You5Tonight6Me and the Boys7One Bad Habit8I Want This Night (To Last Forever)9You Are All That I Need10Yeah Right!
Canciones:1Come Out and Play4:542Leader of the Pack3:443You Want What We Got3:454I Believe in Rock 'n' Roll4:035The Fire Still Burns3:336Be Chrool to Your Scuel3:547I Believe in You5:238Out on the Streets4:289Lookin' Out for #13:0710Kill or Be Killed2:4611King of the Fools6:26
Stay Hungry es el tercer álbum de estudio de la banda de heavy metal estadounidense Twisted Sister, publicado el 10 de mayo de 1984. El álbum contiene las dos canciones más exitosas de la banda, "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", además de la balada "The Price". Stay Hungry logró la certificación de multiplatino en los Estados Unidos por haber vendido más de 3 000 000 de copias.En 2009, la banda tocó Stay Hungry en su totalidad por primera vez, incluyendo canciones nunca tocadas en vivo anteriormente como "Don't Let Me Down" y "Horror-Teria: Street Justice".Stay Hungry fue el disco que catapultó al grupo a la fama mundial, gracias a canciones como "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", que fueron extraídas como cortes de difusión y utilizados para crear videoclips, los cuales contaron con una gran promoción a través de la cadena MTV. Lo mismo ocurrió con el tema "The Price", la única balada del disco. Otro sencillo de este álbum fue "S.M.F.", mientras que la canción "Burn in Hell" fue utilizada en la película La gran aventura de Pee-Wee, la cual contó además con una breve aparición de Twisted Sister. El estilo del álbum es más comercial, pero aun así no pierde la dureza de los discos anteriores. La banda regrabó este álbum en su totalidad, en versión ampliada, y lo publicó en 2004 bajo el nombre de Still Hungry.La canción "Burn in Hell" ha sido versionada por la banda noruega de Black metal sinfónico , Dimmu Borgir. "We're Not Gonna Take It" ha sido versionada por la banda de horror punk argentina Smoknot y por la banda de punk-rock Los Mox!, con el título "No Lo Aceptaremox".Canciones:1Stay Hungry3:042We're Not Gonna Take It3:403Burn in Hell4:434Horror-Teria (The Beginning): A) Captain Howdy B) Street Justice7:445I Wanna Rock3:036The Price3:507Don't Let Me Down4:288The Beast3:299S.M.F.3:01
The Kids Are Back3:16Like A Knife In The Back3:02Ride To Live, Live To Ride4:02I Am (I'm Me)3:35The Power And The Glory4:20We're Gonna Make It3:43I've Had Enough4:02I'll Take You Alive3:08You're Not Alone (Suzette's Song)4:04You Can't Stop Rock 'N' Roll4:43
Under the Blade es el álbum debut de la banda de heavy metal estadounidense Twisted Sister, publicado el 18 de septiembre de 1982. La versión original del álbum contenía un fuerte y brutal sonido, algo que fue completamente ignorado en una nueva versión publicada por Atlantic Records el 14 de julio de 1985.[2] La nueva versión también añadió el remix del sencillo "I'll Never Grow Up, Now", canción de 1979. Under the Blade ha vendido alrededor de dos millones de copias a nivel mundial.Tim Holmes de la revista Rolling Stone escribió una reseña sobre Twisted Sister, describiéndolos como una banda que "escribe canciones coherentes, algo que no es usual en el heavy metal". También escribió que Under the Blade "técnicamente no es un álbum nuevo sino más bien un remix de música vieja para oídos modernos".[3] En 2005, Under the Blade fue ubicado en la posición n.º 387 en la lista de los "500 mejores álbumes de rock y metal" de la revista Rock Hard.Canciones:1What You Don't Know (Sure Can Hurt You)4:462Bad Boys (Of Rock 'n' Roll)3:213Run for Your Life3:294Sin After Sin3:225Shoot 'em Down3:546Destroyer7Under the Blade4:398Tear It Loose3:099Day of the Rocker5:00
Canciones:1Soldier Side (intro)1:042B.Y.O.B. [Explícita]4:153Revenga3:484Cigaro [Explicit]2:125Radio/Video4:096This Cocaine Makes Me Feel Like I’m on This Song2:087Violent Pornography3:318Question!3:219Sad Statue3:2610Old School Hollywood2:5711Lost in Hollywood5:21
Canciones:1Attack3:062Dreaming3:593Kill Rock ’n Roll2:284Hypnotize3:095Stealing Society2:586Tentative3:367U-Fig2:558Holy Mountains5:289Vicinity of Obscenity2:5110She’s Like Heroin2:4411Lonely Day2:4812Soldier Side3:40
1Chic ’n’ Stu2:242Innervision2:343Bubbles1:574Boom!2:155Nüguns2:306A.D.D.3:177Mr. Jack4:108I-E-A-I-A-I-O3:099360:4610Pictures2:0611Highway Song3:1412F**k the System2:1313Ego Brain3:2214Thetawaves2:3715Roulette3:2116Streamline3:38
Canciones:1Prison Song3:212Needles3:143Deer Dance2:554Jet Pilot2:065X1:596Chop Suey!3:307Bounce1:548Forest4:009ATWA2:5610Science2:4311Shimmy1:5112Toxicity3:3913Psycho3:4614Aerials6:11
Canciones:1Suite-Pee2:322Know2:573Sugar2:344Suggestions2:445Spiders3:366DDevil1:437Soil3:268War?2:419Mind6:1710Peephole4:0511CUBErt1:5012Darts2:4313P.L.U.C.K.3:38
Canciones1Raised On Rock3:592Sting in the Tail3:133Slave Me2:454The Good Die Young5:145No Limit3:246Rock Zone3:187Lorelei4:338Turn You On4:259Let's Rock!3:2210SLY5:1711Spirit of Rock3:4312The Best Is Yet to Come4:33Sting in the Tail es el decimoséptimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 2010 por Sony BMG en Europa y por New Door Records en los Estados Unidos.
Humanity: Hour I es el decimosexto álbum de estudio dela banda alemana de hard rock Scorpions , lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007. Humanity: Hour 1 es un álbum conceptual basado en una historia libre de Desmond Child y el futurista Liam Carl, que predice un mundo desgarrado por una guerra civil entre humanos y robots. Esta pesadilla apocalíptica sirve como advertencia para toda la humanidad, cuya única esperanza de supervivencia es recuperar nuestra humanidad.El álbum fue producido por James Michael y Desmond Child, quienes también participaron como coros . La canción « Humanity » fue interpretada por primera vez por Scorpions el 24 de marzo de 2007 en Bruselas, Bélgica, y fue lanzada como el primer sencillo del álbum.También cabe destacar el logo de la banda en la portada del álbum: la fuente del texto es similar a la de sus dos primeros álbumes, a diferencia del logo más famoso de la banda. Esta es solo la tercera vez en la carrera de la banda (y la primera en 33 años) que se usa la fuente menos conocida. Sin embargo, si se observa con atención, su logo más familiar se puede ver en la nuca de la ginoide.La canción de apertura "Hour I" se ha utilizado como introducción del Minnesota Wild de la NHL de 2007 a 2015.Canciones:1Hour I3:262The Game of Life4:043We Were Born to Fly4:004The Future Never Dies4:045You're Lovin' Me to Death3:1663213:547Love Will Keep Us Alive4:328We Will Rise Again3:509Your Last Song3:4410Love Is War4:2011The Cross4:3012Humanity5:27
Moment of Glory es un álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions y la Orquesta Filarmónica de Berlín, publicado en 2000 por EMI Classics. En 1995, la orquesta escogió a Scorpions para realizar un crossover que unificara la música clásica con la popular. Después de considerar al británico Andrew Powell y luego al estadounidense Michael Kamen, al final el austríaco Christian Kolonovits asumió el cargo de director de orquesta y arreglista. En 1998, el canciller de Alemania y amigo de Klaus Meine, Gerhard Schröder, supo de la colaboración y le propuso al grupo que formara parte de la EXPO 2000 que se iba a realizar ese año en Hannover, ciudad natal de Scorpions. Después de conversarlo con la filarmónica, acordaron presentar el proyecto en esa exposición universal.La orquesta exigió trabajar con los mayores éxitos de la banda y que no hubiese una jerarquía desigual entre ellos. Por esa razón, Kolonovits arregló varias canciones y afinó algunos instrumentos en escalas poco usuales para la música clásica, con el fin de no excluir a ningún concertista. Se estima que treinta canciones fueron arregladas, pero solo un tercio figuró en la producción discográfica. La grabación comenzó en enero de 2000 en el Tonstudio Robert Hefner en Ebreichsdorf (Austria) y se llevó a cabo por fragmentos. En ese mes, Scorpions y Kolonovits registraron la parte de la banda, mientras que la filarmónica lo hizo en marzo en el estudio NLG de Köpenick en Berlín. Para determinados títulos, contaron con algunos invitados especiales como Zucchero, Ray Wilson y Lyn Liechty. Una vez que ambas sesiones estuvieron listas, llevaron las cintas a los estudios MG Sound de Viena para unificarlas por medio de la herramienta Pro Tools. La producción quedó a cargo de Scorpions y Kolonovits, quienes tardaron cerca de doce semanas en terminar todo el proceso.1Hurricane 20006:062Moment of Glory5:103Here in My Heart6:224Send Me and Angel7:385Wind of Change6:506Still Loving You7:257When You Came Into My Life (new version)4:238Mysterious7:319Under the Same Sun4:3910Blackout5:3411You & I3:1912When the Smoke Is Going Down4:2613White Dove5:0114Can’t Live Without You3:19
Eye II Eye es el décimo cuarto álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1999 por East West Records a nivel internacional y por Koch Records para los Estados Unidos. Su grabación se llevó a cabo en los Little America Studios de Austria, propiedad del músico y productor Peter Wolf, quien conoció a los miembros de Scorpions en 1998. A diferencia de sus anteriores álbumes, tanto la banda como el productor acordaron probar cosas nuevas, como utilizar la tecnología más reciente de grabación, cambiar la forma como componían las canciones y salir de la rutina tradicional de registrar un álbum. Esta motivación también se vio reflejada en la composición de las canciones, puesto que sus letras trataron temas emocionales y personales como la autoestima, la autoconciencia, la inseguridad o el karma. Musicalmente, quitaron el rol protagónico de la guitarra eléctrica e incursionaron con elementos del pop rock, dance-rock, el rap y el uso de loops. Cabe señalar que Eye II Eye fue el primer disco de la banda grabado con el baterista James Kottak, quien ingresó antes de iniciar la gira promocional de Pure Instinct (1996) en reemplazo de Herman Rarebell.Una vez que salió al mercado, recibió críticas variadas por parte de la prensa especializada. Algunos medios de la época destacaron la dirección sintetizada y los arreglos, mientras que la más contemporánea lo ha considerado su peor disco, debido a que se implicó con las tendencias musicales de ese tiempo y su enfoque pop. En términos generales, logró malas posiciones en las listas musicales de varios países, salvo en Grecia y Malasia, donde alcanzó en ambos el segundo puesto. En este último, la Recording Industry Association of Malaysia (RIM) lo certificó con un disco de platino, por vender más de 25 000 copias en menos de un año.Para promocionar el material, en una semana se publicaron cinco sencillos —«To Be No. 1», «Mysterious», «Ten Light Years Away», «Eye to Eye» y «Aleyah»— que tuvieron una nula atención en los recuentos musicales. Los únicos que obtuvieron algo de reconocimiento comercial fueron «To Be No. 1», porque consiguió el puesto 55 en la lista alemana, y «Mysterious», ya que se situó en la casilla 26 en el conteo Mainstream Rock Tracks de los Estados Unidos. La promoción continuó con la gira Eye II Eye Tour, que inició el 27 de abril de 1999 en Nottingham (Reino Unido) y finalizó el 6 de septiembre de ese mismo año, con presentaciones realizadas por Europa y la Norteamérica anglosajona.Canciones:1Mysterious5:282To Be No.13:573Obsession4:09410 Light Years Away3:535Mind Like a Tree5:346Eye to Eye5:057What U Give, U Get Back5:028Skywriter4:559Yellow Butterfly5:4410Freshly Squeezed3:5811Priscilla3:1812Du Bist So Schmutzig3:5513Aleyah4:2014A Moment in a Milion Years3:39
Deadly Sting: The Mercury Years es un álbum recopilatorio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1997 solo en los Estados Unidos a través de Mercury Records. Es una versión extendida del recopilatorio Deadly Sting lanzado dos años antes únicamente en el mercado europeo. Posee treinta y tres canciones tomadas de los discos editados entre 1979 a 1995. Aparte de las pistas de estudio, destacaron la versión de «Can't Explain» de The Who, incluida primeramente en Best of Rockers 'n' Ballads (1989), y las pistas en directo «Coast to Coast» e «In Trance», tomadas de las producciones en vivo World Wide Live (1985) y Live Bites (1995), respectivamente. Adicionalmente, se incluyó las inéditas «Life Goes Round» y «Over the Top». Por cierto, esta última se lanzó como sencillo para promocionar la compilación.Canciones:1Coming Home5:002Rock You Like A Hurricane4:103No One Like You3:554Lovedrive4:495Bad Boys Running Wild3:566I'm Leaving You4:177Passion Rules the Game3:588China White6:589Walking on the Edge5:0510Coast to Coast4:4011Loving You Sunday Morning5:3812Another Piece of Meat3:3113Dynamite4:1214Can't Live Without You3:4715Edge of Time4:17
Pure Instinct es el decimotercer álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1996 por East West Records a nivel internacional y por Atlantic Records en los Estados Unidos. En 1994 el grupo modificó sus contratos corporativos, ya que dejó PolyGram para firmar con Warner Music International y terminó su vínculo con la empresa del mánager Doc McGhee para cambiarse a Part Rock Management & Hard to Handle Management de Stewart Young y Steve Barnett. A partir de entonces, Scorpions se dispuso a trabajar en un nuevo álbum, sabiendo que el auge del rock alternativo y grunge le había quitado la otrora popularidad al hard rock y heavy metal. En la preproducción, la banda decidió no competir con las agrupaciones de rock alternativo y prefirió explorar en su propio estilo para mantenerse vigente en la industria. Es por esa razón que decidió hacer un «álbum enfocado en las emociones y relaciones humanas básicas», ejemplificado mayormente en power ballads.00:00 Wild Child04:18 But The Best For You09:45 Does Anyone Know15:41 Stone In My Shoe20:20 Soul Behind The Face24:28 Oh Girl (I Wanna Be With You)28:23 When You Came Into My Life33:40 Where The River Flows37:53 Time Will Call Your Name41:17 You And I47:30 Are You The One?50:42 She´s Knocking At My Door
- Tease Me Please Me (4:51)2. Is There Anybody There (4:07)3. Rhythm Of Love (3:45)4. In Trance (4:06)5. No Pain No Gain (4:06)6. When The Smoke Is Going Down (2:36)7. Ave Maria No Morro (3:15)8. Living For Tomorrow (6:55)9. Concerto In V (3:00)10. Alien Nation (5:28)11. Hit Between The Eyes (4:08)12. Crazy World (5:33)13. Wind Of Change (5:46)14. Edge Of Time (4:07)15. Heroes Don't Cry (4:32) (new studio track)16. White Dove (Omega cover) (4:20) (new studio track)
Face the Heat es el duodécimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1993 por Mercury Records en los Estados Unidos y por Phonogram en Europa. Paralelo al éxito comercial que disfrutaba gracias al disco Crazy World de 1990 y en especial al sencillo «Wind of Change» de 1991, el grupo estaba pasando por un severo quiebre interno que derivó en la salida de Francis Buchholz. Todo comenzó luego que descubrieran que un dinero invertido en Liechtenstein había desaparecido, cuya cuenta bancaria estaba a cargo del bajista y el contador por entonces. Por consiguiente, luego de llegar a un acuerdo con los demás músicos, Buchholz dejó la banda a mediados de 1992. Para reemplazarlo, a finales del mismo año ingresó el también alemán Ralph Rieckermann.A̲l̲i̲e̲n̲ ̲N̲a̲t̲i̲o̲n̲ ̲0:00 – 5:45̲N̲o̲ ̲P̲a̲i̲n̲ ̲N̲o̲ ̲G̲a̲i̲n̲ ̲5:46 – 9:39 ̲S̲o̲m̲e̲o̲n̲e̲ ̲T̲o̲ ̲T̲o̲u̲c̲h̲ ̲9:40 – 14:08 ̲U̲n̲d̲e̲r̲ ̲T̲h̲e̲ ̲S̲a̲m̲e̲ ̲S̲u̲n̲ ̲14:09 – 19:03̲U̲n̲h̲o̲l̲y̲ ̲A̲l̲l̲i̲a̲n̲c̲e̲ ̲19:04 – 24:20̲W̲o̲m̲a̲n̲ ̲24:21 – 30:16 ̲H̲a̲t̲e̲ ̲T̲o̲ ̲B̲e̲ ̲N̲i̲c̲e̲ ̲30:17 – 33:51 ̲T̲a̲x̲m̲a̲n̲ ̲W̲o̲m̲a̲n̲ ̲33:52 – 38:21 ̲S̲h̲i̲p̲ ̲O̲f̲ ̲F̲o̲o̲l̲s̲ ̲38:22 – 42:37 ̲N̲i̲g̲h̲t̲m̲a̲r̲e̲ ̲A̲v̲e̲n̲u̲e̲ ̲ 42:38 – 46:32̲L̲o̲n̲e̲l̲y̲ ̲N̲i̲g̲h̲t̲s̲ ̲46:33 – 51:22̲D̲e̲s̲t̲i̲n̲ ̲51:22 - 54:40̲D̲a̲d̲d̲y̲'̲s̲ ̲G̲i̲r̲l̲ ̲54:41 – 58:58
Subtitulado More Gold Ballads , el disco es una continuación del recopilatorio Gold Ballads de 1985. Nueve de las pistas fueron remezcladas para este álbum por Erwin Musper en Wisseloord Studios , Hilversum , Países Bajos . La canción "Living for Tomorrow" aparece aquí por primera vez.
Hurricane Rock 74-88 es un álbum recopilatorio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1994 solo en el Reino Unido y días después fue exportado a los Estados Unidos. Como el título lo dice es un compilado de éxitos de la banda desde el disco Fly to the Rainbow de 1974 hasta Savage Amusement de 1988. Lo notorio del disco es la ausencia de las power ballads «Still Loving You» y «Holiday».«Speedy's Coming»Schenker, Meine«In Trance»Schenker, Meine«Robot Man»Schenker, Meine«Polar Nights»Roth«We'll burn the Sky»Dannemann, Schenker«Steamrock Fever»Schenker, Meine«He's a Woman She's a Man»Schenker, Meine, Rarebell«Another Piece of Meat»Schenker, Rarebell«Coast to Coast»Schenker«Lovedrive»Schenker, Meine«The Zoo»Schenker, Meine«Blackout»Schenker, Meine, Rarebell, Kittelsen«Can't Live Without You»Schenker, Meine«When the Smoke is Going Down»Meine, Schenker, Meine, Rarebell«Dynamite»Schenker, Meine, Rarebell«Rock You Like a Hurricane»Schenker, Meine, Rarebell«Coming Home»Schenker, Meine«Rhythm of Love»Schenker, Meine
Crazy World es el undécimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1990 por Mercury Records. Después de varios desacuerdos sobre la dirección musical de Savage Amusement (1988), el grupo terminó su relación de trabajo de trece años con el productor Dieter Dierks. A su vez, también dieron por finiquitado su contrato con el mánager David Krebs y en 1989 con EMI Records, su otrora distribuidor en varios mercados mundiales. Por esa razón, Crazy World fue su primer disco publicado exclusivamente por PolyGram, empresa matriz del sello Mercury. Para cubrir el puesto de Dierks habían considerado a Bruce Fairbairn, pero debido a compromisos previos del canadiense, terminaron contratando al estadounidense Keith Olsen.«Tease Me Please Me»Meine, Rarebell, Jabs, Vallance4:47«Don't Believe Her»Schenker, Meine, Rarebell, Vallance4:56«To Be With You in Heaven»Schenker, Meine4:52«Wind of Change»Meine5:11«Restless Nights»Schenker, Meine, Rarebell, Vallance5:50«Lust or Love»Meine, Rarebell, Vallance4:23«Kicks After Six»Meine, Rarebell, Buchholz, Vallance3:51«Hit Between the Eyes»Schenker, Meine, Rarebell, Vallance4:35«Money and Fame»Jabs, Rarebell5:10«Crazy World»Schenker, Meine, Rarebell, Vallance5:10«Send Me an Angel»Schenker, Meine4:33
Savage Amusement es el décimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1988 por los sellos Harvest/EMI para Europa y por Mercury Records para los Estados Unidos. Su grabación estuvo marcada por conflictos internos, como la presión por repetir el éxito de Love at First Sting de 1984 y la imposición por parte de su management y PolyGram —empresa matriz del sello Mercury— de incorporar elementos del glam metal, subgénero del metal que imperaba en el mercado estadounidense. Sin embargo, la principal disputa ocurrió entre la banda y Dieter Dierks, ya que el productor quería replicar el sonido del álbum Hysteria de Def Leppard, plagado de efectos de estudio y digitalización. Si bien la banda no estaba de acuerdo, siguió trabajando con el productor sabiendo de antemano que esta sería su última colaboración.«Don't Stop At The Top»Schenker, Meine, Rarebell4:04«Rhythm of Love»Schenker, Meine3:50«Passion Rules the Game»Meine, Rarebell4:00«Media Overkill»Schenker, Meine3:35«Walking on the Edge»Schenker, Meine5:10«We Let It Rock...You Let It Roll»Schenker, Meine3:40«Every Minute Every Day»Schenker, Meine4:23«Love On The Run»Schenker, Meine, Rarebell3:40«Believe In Love»Schenker, Meine5:30
Gold Ballads es un álbum recopilatorio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions publicado en 1984 por Harvest Records y EMI Records, solo en los mercados europeos y asiáticos. Como su nombre lo indica, solo contiene power ballads tomadas de los discos de estudio Lovedrive de 1979 a Love at First Sting de 1984.Entró en las listas musicales de algunos países de Europa y el 25 de febrero de 1985 la revista europea Eurotipsheet reportó que gracias a su éxito en los recuentos de Francia, Alemania, Suiza, Portugal y Chipre, alcanzó el puesto 22 en la lista European Top 100 Albums. Años más tarde, la organización internacional World Wide Europe Awards le entregó un disco de platino por vender más de un millón de copias solo en Europa.Lista de canciones:TítuloEscritor(es)Duración«Still Loving You»Schenker, Meine6:27«Holiday»Schenker, Meine6:38«When the Smoke is Going Down»Schenker, Meine3:49«Always Somewhere»Schenker, Meine4:55«Lady Starlight»Schenker, Meine6:15
World Wide Live es un álbum en vivo dela banda de rock alemana Scorpions , lanzado en 1985. La grabación de audio original fue producida por Dieter Dierks .Al mismo tiempo se lanzó un VHS con imágenes de la gira mundial de Scorpions.El álbum en vivo se lanzó originalmente como un set de vinilo de 2 LP, en una funda plegable y un casete. Las notas del álbum contienen una lista de los miembros del equipo, información sobre las fechas de la gira y cuándo se grabaron los shows:Bercy, París, Francia (29 de febrero de 1984)The Forum, Los Ángeles, California, EE. UU. (24 y 25 de abril de 1984)Estadio deportivo, San Diego, California, EE. UU. (26 de abril de 1984)Anfiteatro del Pacífico, Costa Mesa, California, EE. UU. (28 de abril de 1984)Sporthalle, Colonia, Alemania Occidental (1984-11-17)El lanzamiento inicial del CD presentó 15 pistas (eliminando "Another Piece of Meat", "Six-String Sting" y "Can't Get Enough", partes 1 y 2, debido a limitaciones de tiempo), pero la edición remasterizada de 1997 presenta el álbum original en su totalidad.
Love at First Sting es el noveno álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1984 en Europa por los sellos Harvest/EMI y en los Estados Unidos por Mercury Records. Su grabación estuvo marcada por los dimes y diretes entre el productor Dieter Dierks y los miembros de la banda; aunque la historia es confusa, se sabe que hubo críticas al desempeño de Francis Buchholz. El bajista señaló que Dierks estaba molesto por la renegociación que hizo Scorpions con su compañía Breeze Music después del éxito de Blackout (1982), por lo que el productor, a modo de venganza, quiso prescindir de él y del baterista Herman Rarebell. En abril de 1983, con la ayuda de los exmúsicos de Rainbow Bobby Rondinelli y Jimmy Bain, en reemplazo de Rarebell y Buchholz respectivamente, la banda grabó todas las canciones en los Polar Studios de Estocolmo. No obstante, a finales del mismo año, Scorpions regrabó todo el material en los estudios Dierks con máquinas digitales de 32 pistas.«Bad Boys Running Wild»Schenker, Meine, Rarebell4:00«Rock You Like a Hurricane»Schenker, Meine, Rarebell4:12«I'm Leaving You»Schenker, Meine4:20«Coming Home»Schenker, Meine5:01«The Same Thrill»Schenker, Meine3:32«Big City Nights»Schenker, Meine4:10«As Soon as the Good Times Roll»Schenker, Meine5:05«Crossfire»Schenker, Meine4:37«Still Loving You»Schenker, Meine6:24
Blackout es el octavo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1982 en Europa por los sellos Harvest/EMI y en los Estados Unidos por Mercury Records. El proceso de grabación comenzó a principios de 1981 en Grasse (Francia), pero tuvieron que suspenderlo después de que Klaus Meine presentara un problema en su voz. Primeramente se sometió a un tratamiento y a una operación, pero en mayo de 1981 le encontraron nódulos en sus cuerdas vocales. Aun cuando pensó en renunciar, sus compañeros lo alentaron para que buscase a otros especialistas y así encontró a un médico experto en cantantes en Austria. Después de una segunda operación y un largo reentrenamiento de cerca de seis meses, el vocalista salió triunfante del problema.Mientras Meine se recuperaba, los demás integrantes aprovecharon de descansar, a excepción del baterista Herman Rarebell que, junto con otros músicos, grabó su primer álbum solista Nip in the Bud. En el cuarto cuatrimestre se reunieron en los estudios de Dieter Dierks en Colonia, pero como el vocalista aún no estaba en condiciones, el productor recurrió a Don Dokken para que cantara los tonos altos de los coros en determinadas canciones. No obstante, a finales de 1981, Meine, con su voz recuperada, grabó todas las partes vocales —incluidos los tonos altos—, por lo que el estadounidense señaló que es difícil saber si su voz quedó en la grabación final o no.TítuloEscritor(es)Duración«Blackout»Schenker, Meine, Rarebell, Sonja Kittelsen3:51«Can't Live Without You»Schenker, Meine3:46«No One Like You»Schenker, Meine3:57«You Give Me All I Need»Schenker, Rarebell3:40«Now!»Schenker, Meine, Rarebell2:35«Dynamite»Schenker, Meine, Rarebell4:14«Arizona»Schenker, Rarebell4:00«China White»Schenker, Meine7:00«When the Smoke Is Going Down»Schenker, Meine3:55
Había pasado de todo en el campamento de los alemanes oriundos de Hannover Scorpions, máximas piedras angulares del heavy metal y hard rock en tan solo 8 años. Repasemos un poco: 6 discos a cuestas, giras escuetas, gran base de fans nipones al que le dedicaron el histórico ¨Tokyo tapes¨ (1978), polémicas y controversias varias por las portadas de sus discos (la más emblemática fue la de ¨Virgin killer de 1976), la partida de Uli Jon Roth en 1978 y finalmente la consagración mundial y gran éxito comercial con ¨Lovedrive¨ (1979) con varios discos de oro que les abrió las puertas a Estados Unidos haciendo una extensa gira en ese país al mismo tiempo que intercalaban con grandes festivales de la época como el Monsters Of Rock de Donington. Mucho para tan poco tiempo! Un año después ya tenían casi listo el sucesor de ¨Lovedrive¨, cuyo proceso compositivo se dio durante la extensa gira en yanquilandia donde recolectaron vivencias de todo tipo y parecieron plasmarlas en el disco que hoy nos ocupa y que dicho sea de paso cumple nada menos que 37 años de su edición!¨Animal magnetism¨, séptimo disco de los alemanes editado en 1980 y el segundo en contar con el guitarrista Mathias Jabs, se caracterizo por tener un enfoque un poco más melódico y variado con cierta influencia al rock americano pero que no descuidaba para nada el aspecto pesado y más visceral tan distintivo de ellos. Como venia siendo costumbre la portada nuevamente les trajo polémicas: en ella se veía a un hombre de espaldas y una mujer sentada con su perro lo miran fijamente. Sigo sin saber que fue lo tan grave que le encontraron esta vez pero algunas feministas la encontraron machista y provocadora en varios países pero con la diferencia es que esta vez no sufrieron la censura…si, zafaron por poco! En tal caso teníamos el primer ataque de Make it real una pieza de guitarreo duro, afilado y melódico a la vez con un Klaus Meine emotivo con sus agudos y tonos medios. Seguido del ataque guitarrero y los tempos acelerados de Don’t make no promises conjugados con muy buenas pausas en el verso. Hold me tight se notaba como el primer medio tiempo pesado del lote, mientras que Twenty century man no lograba igualar al anterior mas allá de su buen estribillo. Casi lo mismo pasaba con Lady starlight una balada dulzona y bastante empalagosa que a mi gusto le falto un poco mas de emotividad. Por suerte aparecía Falling in love y su influjo de rock americano clásico que no le sentaba para nada mal, hasta llegar a mi instancia favorita del álbum: Only a man y su marcha guitarrera pesada con Klaus Maine primero cantando en off para luego irrumpir la banda y que cuenta con 2 muy buenos solos, uno al finalizar el primer estribillo y el otro en el segundo (un recurso del cual abuso Queensryche en su ¨Condition human¨ del 2015). The zoo era otra canción del cual se notaba nuevamente esa vena americana adaptada a su formato. Hasta llegar a la instancia final del álbum: la marcha lenta y semi oscura de Animal magnetism que a pesar de volverse algo repetitiva y larga cierra muy bien los 40 minutos de duración.¨Animal magnetism¨ y como era de esperarse se convirtió en otro éxito comercial y también cosecharía varios discos de oro; las criticas fueron algo dispares ya que algunos lo consideraron una gran decepción con respecto al anterior y otros un gran paso en su carrera, yo me ubico entre estos últimos a tal punto que lo considero muy superior a ¨Lovedrive¨. ¨Animal magnetism¨ es un gran álbum que contribuyo al crecimiento popular y también dio el primer paso a la evolución musical de Scorpions; a la vez imprescindible para todo amante del mejor Hard/Heavy.01 Make it real02 Don’t make no promises03 Hold me tight04 Twenty century man05 Lady starlight06 Falling in love07 Only a man08 The zoo09 Animal magnetism
Lovedrive es el sexto álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1979 por los sellos Harvest/EMI para Europa y por Mercury Records para los Estados Unidos. Luego de la publicación de Tokyo Tapes (1978), la banda decidió no renovar su contrato con RCA Records, porque estaba disgustada por el poco apoyo que les brindaba. Por esa razón, firmaron con Breeze Music, empresa creada por su productor Dieter Dierks, la que se encargó de encontrarles nuevos acuerdos discográficos. Aunque cuatro sellos «batallaron» por firmar con la banda en Europa, la situación en los Estados Unidos fue más difícil, puesto que ninguna compañía estaba interesada en poner a un artista alemán en ese mercado, además de que no existían antecedentes de que una agrupación de rock de ese país, cantando en inglés, tuviese éxito. Al final, gracias a la intervención de Breeze Music, Scorpions firmó con la discográfica Mercury.TítuloEscritor(es)Duración«Loving You Sunday Morning»Schenker, Meine, Rarebell5:42«Another Piece of Meat»Schenker, Rarebell3:32«Always Somewhere»Schenker, Meine5:03«Coast to Coast»Schenker4:45«Can't Get Enough»Schenker, Meine2:40«Is There Anybody There?»Schenker, Meine, Rarebell4:17«Lovedrive»Schenker, Meine4:51«Holiday»Schenker, Meine6:35
Tokyo Tapes es el primer álbum en directo dela banda de rock alemana Scorpions y su último lanzamiento de RCA Records . También fue el último lanzamiento en el que participó Uli Jon Roth , quien se fue después de la sesión de grabación del 27 de abril.Lado uno"Toda la noche" ( Uli Jon Roth , Klaus Meine ) – 3:44"La vida en imágenes" ( Rudolf Schenker , Meine, Roth) – 3:12"Reina entre bastidores" (R. Schenker, Meine) - 3:44"Polar Nights" (Roth) – 6:43 (omitido en los lanzamientos de un solo disco)"En trance" (R. Schenker, Meine) - 5:25Lado dos"Quemaremos el cielo" (R. Schenker, Monika Dannemann ) – 8:07"Suspender Love" (R. Schenker/Meine) – 3:38"En busca de la paz mental" (R. Schenker, Michael Schenker , Meine, Lothar Heimberg, Wolfgang Dziony) – 3:02"Vuela hacia el arcoíris" (M. Schenker, Roth) – 9:39Lado tres"Él es una mujer, ella es un hombre" (R. Schenker, Meine, Herman Rarebell ) – 5:22"Viene Speedy" (R. Schenker, Meine) - 3:40"Top of the Bill" (R. Schenker, Meine) - 6:45" Perro sabueso " ( Jerry Leiber , Mike Stoller ) – 1:14" Larga y alta Sally " ( Enotris Johnson , Robert "Bumps" Blackwell , Richard Penniman ) – 2:50Lado cuatro"Fiebre de Steamrock" (R. Schenker, Meine) - 3:41"La dama oscura" (Roth) – 4:18" Kōjō no Tsuki " ( Rentarō Taki , Bansui Doi, arreglo de Francis Buchholz , Meine, Rarebell, Roth, R. Schenker) – 3:35"Robot Man" (R. Schenker, Meine)
Taken by Force es el quinto álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1977 por RCA Records. Es la última producción de estudio del guitarrista Uli Jon Roth, ya que en abril de 1978 se retiró del grupo para iniciar una carrera solista. A su vez, fue la primera del batería Herman Rarebell, que ingresó en mayo de 1977 en reemplazo de Rudy Lenners.Como era habitual en la carrera de la banda hasta aquel entonces, el disco se grabó en los Dierks Studios de Colonia entre junio y octubre de 1977, y fue producido por el alemán Dieter Dierks. Por su parte, su portada original —dos niños jugando con armas de fuego en un cementerio— tuvo que ser cambiada por una alternativa debido a la situación sociopolítica que vivía la Alemania Occidental. Por otro lado, tras su lanzamiento recibió reseñas positivas de parte de la prensa especializada. Además, obtuvo un positivo recibimiento comercial en Japón, en donde se certificó con disco de oro. Debido a ello, durante su gira promocional la banda tocó por primera vez en el país asiático con cinco presentaciones en tres ciudades. Por último, en 2015, con motivos de la celebración del cincuenta aniversario de Scorpions, el disco se remasterizó con seis pistas adicionales.«Steamrock Fever»Schenker, Meine3:41«We'll Burn the Sky»Schenker, Monika Dannemann6:31«I've Got to Be Free»Roth4:04«Riot of Your Time»Schenker, Meine4:13«The Sails of Charon»Roth5:17«Your Light»Roth4:34«He's a Woman She's a Man»Schenker, Meine, Rarebell3:20«Born to Touch Your Feelings»Schenker, Meine7:42
Virgin Killer es el cuarto álbum de estudio de labanda de rock alemana Scorpions , lanzado en 1976 por RCA Records . Fue el primer álbum de la banda en atraer la atención fuera de Europa. El título se describe como una referencia al tiempo como el asesino de la inocencia . La portada original presentaba a una niña prepúber desnuda , lo que provocó controversia en el Reino Unido, Estados Unidos y otros lugares. Como resultado, el álbum fue reeditado con una portada diferente en algunos países.La imagen volvió a suscitar controversia en diciembre de 2008, cuando la Fundación Británica de Vigilancia de Internet colocó ciertas páginas de Wikipedia en su lista negra de Internet, ya que consideró que la imagen era "potencialmente ilegal" según la Ley de Protección de los Niños de 1978 , clasificando efectivamente el sitio web como pornografía infantil . Esto dio lugar a que se impidiera a gran parte del Reino Unido editar Wikipedia y a un importante debate público sobre la decisión. La IWF revocó la decisión después de cuatro días de bloqueo.TítuloEscritor(es)Duración«Pictured Life»Meine, Schenker, Roth3:26«Catch Your Train»Meine, Schenker3:34«In Your Park»Meine, Schenker3:41«Backstage Queen»Meine, Schenker3:14«Virgin Killer»Roth3:45«Hell Cat»Roth3:00«Crying Days»Meine, Schenker4:37«Polar Nights»Roth5:10«Yellow Raven»Roth5:00
In Trance es el tercer álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1975 por RCA Records. Esta es la primera producción grabada con el batería belga Rudy Lenners, quien ingresó en medio de la gira Fly to the Rainbow Tour (1974-1975). Grabado en los Dierks Studios en Colonia, es además el primer trabajo de la agrupación con el productor Dieter Dierks, cuyas recomendaciones, como acortar la duración de las canciones y dejar atrás las influencias del rock psicodélico, ayudaron a potenciar a Scorpions en los mercados internacionales.Con un sonido más ligado al hard rock y al heavy metal que sus antecesores Lonesome Crow (1972) y Fly to the Rainbow (1974), In Trance presentó por primera vez al característico logotipo de la banda, como también a su primera portada que generó polémica en algunos mercados. Una vez que salió a la venta, logró ser el disco del sello RCA más vendido en Japón en 1975. A su vez, recibió reseñas positivas por parte de la prensa especializada, en su gran mayoría lo llamó uno de sus mejores álbumes y el que establece la combinación característica de metal y hard rock que llegó a definir el estilo de la banda.«Dark Lady»Roth3:30«In Trance»Schenker, Meine4:50«Life's Like a River»Schenker, Roth, Corina Fortmann3:52«Top of the Bill»Schenker, Meine3:25«Living and Dying»Schenker, Meine3:22«Robot Man»Schenker, Meine2:45«Evening Wind»Roth5:05«Sun in My Hand»Roth4:24«Longing for Fire»Schenker, Roth2:45«Night Lights»Roth3:15
Fly to the Rainbow es el segundo álbum de estudio de la banda de rock alemana Scorpions , lanzado el 1 de noviembre de 1974 por RCA Records . Este fue el primer lanzamiento de la banda con el guitarrista Uli Jon Roth y el bajista Francis Buchholz , y el único que incluyó al baterista Jürgen Rosenthal .1."Speedy está llegando"Rudolf Schenker y Klaus Meine3:362."Necesitan un millón"R. Schenker, Mi4:503."Sol a la deriva"Ulrich Roth7:424."Vuela, la gente vuela"Michael Schenker , Mi5:03Lado dosNo.TítuloEscritor(es)Longitud5."Esta es mi canción"R. Schenker, Mi4:186."Lejos"M. Schenker, R. Schenker, Meine5:387."Vuela hacia el arcoiris"M. Schenker, Roth9:40
Lonesome Crow es el álbum de estudio debut de la banda de rock alemana Scorpions . Fue grabado poco después de que Scorpions se convirtiera en una banda completamente profesional bajo la producción de Conny Plank , aparentemente en solo seis o siete días, y lanzado el 29 de febrero de 1972 en Alemania Occidental como banda sonora de la película antidrogas alemana Das Kalte Paradies , y mayo de 1973 en los Estados Unidos. El estilo del álbum es oscuramente melódico, típico de los primeros Scorpions pero a diferencia de su trabajo posterior. Es el único álbum de la banda con el guitarrista principal Michael Schenker (que tenía solo 16 años en el momento de la grabación) como miembro de tiempo completo. Pronto se fue para unirse a UFO y fue reemplazado por Ulrich Roth . Sin embargo, Schenker volvería a unirse brevemente durante la grabación y gira de Lovedrive de 1979 .1I'm Going Mad4:552It All Depends3:263Leave Me5:054In Search Of The Peace Of Mind5:005Inheritance4:406Action3:567Lonesome Crow13:31
In Search of the Fourth Chord es el vigésimo octavo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Status Quo , lanzado el 17 de septiembre de 2007. El título es una referencia irónica al rumor de que el grupo siempre toca los mismos tres acordes, y una referencia al álbum In Search of the Lost Chord de la banda de rock británica The Moody Blues . La portada del álbum es una parodia de laspelículas de Indiana Jones .El álbum vio el regreso del productor Pip Williams por primera vez desde Don't Stop de 1996. [ 4 ] Entró en la lista de álbumes del Reino Unido en el número 15. [ 5 ]La canción "Bad News" también marca la primera participación vocal del bajista John "Rhino" Edwards en una canción original de Status Quo: su hijo Freddie también toca el solo de guitarra en la canción. Esta canción y "Gravy Train" (cantada por Parfitt) también son las dos primeras canciones de Status Quo escritas únicamente por John Edwards.Listado de canciones“ El principio del fin ” ( Francis Rossi , John Edwards ) – 4:23"Está bien" ( Rick Parfitt , Wayne Morris) – 4:12"Esta noche, Pennsylvania Blues" (Rossi, Bob Young ) – 3:44"No quiero hacerte más daño" (Rossi, Young) – 4:00“Arena eléctrica” (Rossi, Young) – 5:25"El tren de la salsa" (Edwards) – 3:23"La figura de ocho" ( Andy Bown ) – 4:08"Eres la indicada para mí" ( Matt Letley ) – 3:30"Mi pequeño rompecorazones" (Rossi, Young) – 3:50"Abrázame" (Rick Parfitt, Simon Climie , Wayne Morris) – 4:33"Ensillando" (Rossi, Bown) – 3:42“Malas noticias” (Edwards) – 5:05"Lengua atada" (Rossi, Young) – 4:21
1The Party Ain't Over Yet3:512Gotta Get Up and Go4:183All That Counts Is Love3:424Familiar Blues5:095The Bubble5:376Belavista Man4:227Nevashooda3:528Velvet Train3:349Goodbye Baby4:0810You Never Stop4:3411Kick Me When I'm Down3:1712Cupid Stupid3:5113This Is Me4:47
Riffs es el vigésimo sexto álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 2003 por Universal Music. Es el tercer trabajo de covers de la agrupación, ya que incluye once versiones de otros artistas y cuatro canciones regrabadas de ellos mismos. Su grabación se realizó durante el mismo tiempo que grabaron su anterior disco Heavy Traffic de 2002.1En varios mercados europeos se publicó una edición especial, que incluía un DVD con nueve pistas grabadas en vivo, tanto en festivales como en programas de televisión. Cabe señalar que solo para el Reino Unido se incluyó la versión de «Don't Bring Me Down» de Electric Light Orchestra.TítuloEscritor(es)Duración«Caroline»Rossi, Young4:54«I Fought the Law» (cover de The Crickets)Sonny Curtis3:04«Born to Be Wild» (cover de Steppenwolf)Mars Bonfire4:31«Takin' Care of Business» (cover de Bachman-Turner Overdrive)Randy Bachman5:07«Wild One» (cover de Johnny O'Keefe)Johnny O´Keefe, David Owens, Johnny Greenan3:47«On the Road Again» (cover de Canned Heat)Floyd Jones, Alan Christie Wilson5:22«Tobacco Road» (cover de The Nashville Teens)John D. Loudermilk2:39«Centerfold» (cover de The J. Geils Band)Seth Justman3:48«All Day and All of the Night» (cover de The Kinks)Ray Davies2:28«Don't Bring Me Down» (cover de Electric Light Orchestra)Jeff Lynne3:57«Junior's Wailing» (cover de Steamhammer)Kieran White, Martin Pugh3:28«Pump It Up» (cover de Elvis Costello)Elvis Costello3:30«Down the Dustpipe»Carl Grossman2:21«Whatever You Want»Parfitt, Bown4:32«Rockin' All Over the World»John Fogerty3:56
TítuloEscritor(es)Duración«Blues and Rhythm»Rossi, Bown4:29«All Stand Up (Never Say Never)»Rossi, Young4:08«The Oriental»Rossi, Edwards4:29«Creppin' Up On You»Parfitt, Edwards5:01«Heavy Traffic»Rossi, Young, Edwards4:23«Solid Gold»Rossi, Young4:14«Green»Bown3:35«Jam Side Down»Terry Britten, Charlie Dore3:27«Diggin' Burt Bacharach»Rossi, Young2:32«Do It Again»Bown, Edwards3:40«Another Day»Rossi, Young3:47«I Don't Remember Anymore»Bown3:38«Money Don't Matter»Rossi, Young3:52«Rhythm of Life»Rossi, Young5:05
Famous in the Last Century es el vigésimo cuarto álbum de estudio dela banda de rock británica Status Quo , publicado en 2000. Según XS All Areas ( la autobiografía de 2004 de los miembros de la banda Francis Rossi y Rick Parfitt ), la idea de grabar un segundo álbum de versiones (después de Don't Stop de 1996 ) surgió del entonces manager de la banda, David Walker, quien dijo que deberían celebrar el milenio con un álbum que contuviera veinte de sus éxitos favoritos del siglo pasado. "¡Otro maldito álbum de versiones!", se quejó Rossi. "Lo aceptamos, como siempre, pero por dentro me sentía como un fraude... para mí fue el peor álbum de Quo que jamás haya existido -¡o que jamás existirá!" [ 2 ]"No queríamos hacerlo", dijo Rossi a la revista Classic Rock en 2002, "pero se vendió. No creo que hagamos otro". [ 3 ] Sin embargo, la banda lanzó otro álbum de versiones, Riffs , en 2003.Famous in the Last Century alcanzó el puesto número 19 en la lista de álbumes del Reino Unido , una mejor posición que el álbum anterior de Quo, compuesto principalmente por material original, Under the Influence . Dos sencillos de este álbum, « Mony Mony » y « Old Time Rock and Roll », fueron éxitos menores .Jeff Rich dejó la banda después de grabar este álbum y fue reemplazado por Matt Letley.El 27 de marzo de 2000 se filmó en el Shepherd's Bush Empire un DVD y un VHS del mismo nombre. Se trata de una interpretación mimada del álbum. El grupo realizó un concierto en vivo después de filmar el video y algunas canciones del mismo se lanzaron como caras B."Famoso en el siglo pasado" ( Bown ) 1:04" Rock and roll de antaño " (George Jackson, Thomas E. Jones III.) 2:57" Camino hacia abajo " ( Martine ) 2:51" ¡Que siga la fiesta! " ( Petty , William "Billy" Tilghman, Sunny West) 2:51" Beethoven, vámonos " ( Berry ) 3:07" Cuando esté muerto y desaparecido " ( Benny Gallagher , Graham Lyle ) 3:11" Memphis, Tennessee " ( Berry ) 2:31" Dulce hogar Chicago " ( R. Johnson ) 2:44" Saliendo de entre los escombros " ( Parker ) 2:42" ¡Dios mío, señorita Molly ! " ( Blackwell , Marascalco ) 2:05" Claudette " ( Orbison ) 2:01" Rock'n Me " ( Miller ) 2:46" Perro de caza " ( Leiber , Stoller ) 2:19" Runaround Sue " ( DiMucci , Maresca ) 2:29" Una vez mordido, dos veces tímido " ( Hunter ) 3:40" Mony Mony " ( Bloom , Bo Gentry, James , Ritchie Cordell) 2:58"Famoso en el siglo pasado" ( Bown ) 1:15
Under the Influence es el vigésimo tercer álbum de estudio dela banda de rock inglesa Status Quo , lanzado en 1999.Hasta la fecha, es el último álbum que presenta canciones nuevas escritas por Francis Rossi junto con Bernie Frost, ya que Rossi restableció posteriormente su asociación de composición de los años 70 con Bob Young .Listado de canciones" Veinte caballos salvajes " (Francis Rossi, Bernie Frost) 5:00"Bajo la influencia" (Francis Rossi, Bernie Frost) 4:03"Vuelta y vuelta" (Andy Bown, John Edwards) 3:26"Brilla" (Rick Parfitt, John Edwards) 4:49" Pequeñas mentiras piadosas " (Rick Parfitt) 4:20"Que sigan viniendo" (Andy Bown) 3:26"Tú y yo, pequeños" (Andy Bown) 3:49"Haciendo olas" (Francis Rossi, Bernie Frost) 3:56Bienaventurados los mansos (Francis Rossi, Bernie Frost) 4:19"Tira los dados" (Francis Rossi, Bernie Frost) 4:05" No se desvanecerá " ( Norman Petty , Charles Hardin ) 3:09" Así es como va la cosa " (Francis Rossi, Bernie Frost) 4:02
Don't Stop es el vigésimo segundo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1996 por Polydor Records. Fue subtitulado como 30th Anniversary Album, ya que con este trabajo celebraron los primeros treinta años de carrera, desde que en 1966 firmaron con Piccadilly Records.El disco se compone de covers de canciones escritas entre la década de los cincuenta a la década de los ochenta, con un especial énfasis en temas grabados originalmente entre los sesenta y setenta. Adicional a ello, la banda contó con los artistas invitados; Tessa Niles, The Beach Boys, Brian May de Queen y Maddy Prior de Steeleye Span.TítuloEscritor(es)Duración«Fun Fun Fun» (junto a The Beach Boys)Brian Wilson, Mike Love4:03«When You Walk in the Room»Jackie DeShannon4:05«I Can Hear the Grass Grow» (cover de The Move)Roy Wood3:27«You Never Can Tell»Chuck Berry3:50«Get Back» (cover de The Beatles)John Lennon, Paul McCartney3:23«The Safety Dance»Ivan Doroschuk3:56«Raining in My Heart» (cover de Buddy Holly - junto a Brian May)Felice Bryant, Boudleaux Bryant3:32«Don't Stop» (cover de Fleetwood Mac)Christine McVie3:40«Sorrow» (cover de The McCoys)Bob Feldman, Jerry Goldstein, Richard Gottehrer4:14«Proud Mary» (cover de Creedence Clearwater Revival)John Fogerty3:30«Lucille» (cover de Little Richard)Albert Collins, Little Richard2:58«Johnny and Mary»Robert Palmer3:35«Get Out of Denver»Bob Seger4:09«The Future's So Bright, I Gotta Wear Shades» (cover de Timbuk3)Pat MacDonald3:36«All Around My Hat» (junto a Maddy Prior)
Thirsty Work es el vigésimo primer álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1994 por Polydor Records. De acuerdo a la crítica, su sonido es una mezcla entre su característico boogie rock con ciertos toques de pop rock, que ya habían experimentado en los discos Ain't Complaining de 1988 y Perfect Remedy de 1989.1De las dieciséis canciones que lo integran resalta el tema «Sorry», que fue escrita por Francis Rossi y por Bernie Frost para el artista griego Demis Roussos, que lo grabó para su álbum Man of the World de 1980. Además destaca «Restless», que es un cover de la canción «I'm Restless» de la cantante Jennifer Warnes.A pesar de alcanzar el puesto 13 en la lista musical del Reino Unido, sus ventas no son suficientemente altas para obtener alguna certificación discográfica en su propio país. Por otro lado y para promocionarlo, se publicaron cuatro canciones como sencillos de los que destacaron; «I Didn't Mean It» que se ubicó en el lugar 21 de los UK Singles Chart, «Sherri, Don't Fail Me Now!» que obtuvo la posición 38 y «Restless» que alcanzó el puesto 39.2Lista de cancionesN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Goin' Nowhere»Francis Rossi, Bernie Frost, Tony McAnaney3:50«I Didn't Meat It»John David3:22«Confidence»Andy Bown3:14«Point of No Return»Bown, John Edwards3:50«Sail Away»Rossi, Frost3:34«Like It or Not»Rossi, Frost4:01«Soft in the Head»Rossi, Frost3:20«Queenie»Rossi, Frost3:32«Love of the Human Race»Rossi, Bown3:32«Sherri, Don't Fail Me Now!»Bown, Edwards3:20«Rude Awakening Time»Rossi, Frost4:12«Back on My Feet»Rossi, Frost3:06«Restless»Jennifer Warnes4:10«Ciao-Ciao»Rossi, Bown3:31«Tango»Rossi, Frost4:06«Sorry»Rossi, Frost3:28
Rock 'til You Drop es el vigésimo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1991 por Vertigo Records. Con este trabajo retornaron a su clásico boogie rock, que dejaron atrás en Perfect Remedy, que les permitió obtener buenos puestos en las listas de popularidad y buenas críticas de parte de la prensa especializada.El disco incluye algunas de sus antiguas canciones, las que fueron regradas con la tecnología de aquel tiempo, por ejemplo «Forty Five Hundred Times» de Hello! de 1973 y «Can't Give You More» de Rockin' All Over the World de 1977. Además incluyeron los covers «Let's Work Together» de Canned Heat y «Bring It On Home» de Sam Cooke.Al momento de su lanzamiento alcanzó el décimo lugar en el conteo inglés, donde permaneció 7 semanas en total, más que sus dos anteriores álbumes de estudio. Aun así y a diferencia de sus predecesores, sus ventas no son suficientes en ser certificado con algún premio en el Reino Unido. Por otro lado y para promocionarlo, se publicaron dos canciones como sencillos; «Can't Give You More» en el mismo año y que logró el puesto 37 en los UK Singles Chart, y «Rock 'til You Drop» lanzado en 1992, que alcanzó la posición 38 en la misma lista.Lista de cancionesVersión long playN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Like a Zombie»Rossi, Bernie Frost5:03«All We Really Wanna Do»Rossi, Frost3:47«Fakin' the Blues»Rossi, Frost4:29«One Man Band»Parfitt, Pip Williams4:31«Rock 'til You Drop»Bown3:21«Can't Give You More»Rossi, Bob Young4:27«Warning Shot»Bown, Edwards3:58«Let's Work Together»Wilbert Harrison3:41«Bring It On Me»Sam Cooke3:10«No Problems»Rossi, Parfitt
Perfect Remedy es el décimo noveno álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1989 por Vertigo Records. Tras su lanzamiento recibió críticas negativas principalmente por su cambio de sonido, ya que se alejaron de su clásico boogie rock para incursionar en nuevos elementos musicales, como por ejemplo el country rock que se puede observar en «Going Down For The First Time».1Esta nueva propuesta de sonido por parte de la banda afectó notoriamente al álbum para posicionarse en las listas musicales del mundo. Por ejemplo en el Reino Unido solo llegó hasta el puesto 49, convirtiéndose en su primera producción de estudio en no ingresar a los top 15 en la lista UK Albums Chart.2 Aun así, vendió más de 60 000 copias que le valió ser certificado con disco de plata en su propio país.3Además y para promocionarlo se publicaron los sencillos «Little Dreamer» y «Not at All», pero solo este último entró en el conteo inglés de sencillos, donde obtuvo la posición 50.2Lista de cancionesN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Little Dreamer»Rossi, Bernie Frost4:04«Not at All»Rossi, Frost2:54«Heart on Hold»Bown, Phil Palmer3:36«Perfect Remedy»Rossi, Frost4:36«Address Book»Rossi, Frost3:37«The Power of Rock»Rossi, Parfitt, Pip Williams6:04«The Way I Am»Edwards, Rich, Mike Paxman3:35«Tommy's in Love»Rossi, Frost3:01«Man Overboard»Parfitt, Williams4:29«Going Down For The First Time»Bown, Edwards4:00«Throw Her a Line»Rossi, Frost3:34«1000 Years»Rossi, Frost3:31
Ain't Complaining es el décimo octavo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1988 por Vertigo Records. Al momento de su publicación recibió una variedad de críticas por parte de la prensa especializada, entre ellas del sitio Allmusic, quienes lo consideraron como una decepción en comparación al exitoso In the Army Now.1Recepción comercialEs el primer disco desde que firmaron con Vertigo que no ingresó en los top 10 del Reino Unido, ya que solo llegó hasta el puesto 12 en los UK Albums Chart.2 A los pocos meses después fue certificado con disco de oro por la British Phonographic Industry, tras vender más de 100 000 unidades en su propio país.3Para promocionarlo se publicaron tres canciones como sencillos; «Ain't Complaining» publicado en marzo y que alcanzó el lugar 19 en los UK Singles Chart y «Who Gets the Love?» puesto a la venta en mayo y que llegó hasta la posición 34 en la misma lista.2 También se lanzó en noviembre del mismo año «Burning Bridges», que alcanzó el quinto lugar en el Reino Unido y que además fue certificado con disco de plata, por superar las 200 000 copias vendidas en su propio país.3 Por otro lado, en el mismo año también se lanzó «Running All Over the World» —una nueva versión de «Rockin' All Over the World»— que obtuvo el lugar 17 en el conteo inglés y que no se incluyó en la versión original del álbum.2Lista de cancionesN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Ain't Complaining»Parfitt, Pip Williams4:40«Everytime I Think of You»Edwards, Rich, Mike Paxman3:49«One for the Money»Parfitt, Williams4:52«Another Shipwreck»Bown3:48«Don't Mind if I Do»Rossi, Edwards4:41«I Know You're Leaving»Eric van Tijn, Jochem Fluitsma4:45«Cross that Bridge»John David3:31«Cream of the Crop»Rossi, Bernie Frost4:03«The Loving Game»Parfitt, Edwards, Rich4:23«Who Gets the Love?»Williams, John Goodison5:33«Burning Bridges»Rossi, Bown4:19«Magic»Rossi, Frost3:52Pistas adicionales en remasterización de 2006N.ºTítuloEscritor(es)Duración«That's Alright»Rossi, Parfitt, Frost3:29«Lean Machine»Rossi, Parfitt3:37«Halloween»Rossi, Parfitt, Williams4:59«The Reason for Goodbye»Rossi, Parfitt, Williams, Goodison3:54«The Greatest Fighter»Rossi, Frost3:57«Running All Over the World»John Fogerty3:31
En 1986, la banda de rock británica Status Quo hizo una versión de "In the Army Now" en su álbum de 1986 del mismo nombre . Su versión alcanzó el puesto número 2 en la lista de singles del Reino Unido . Alcanzó la cima de las listas en la Europa de habla alemana, así como en Irlanda, mientras que alcanzó un alto nivel en Noruega, España y Suecia.En septiembre de 2010, Status Quo lanzó una nueva versión de la canción con el Corps of Army Choir a través de su sello Universal/UMC como un lanzamiento especial. La letra se cambió a una versión pro-soldado. Esta versión se ubicó en el puesto n.° 31 en las listas de singles del Reino Unido tras su lanzamiento. Todas las ganancias de esta versión actualizada se donaron por igual a las organizaciones benéficas British.Status Quo - In the Army Now (1986)Track Listing01 00:00 "Rollin' Home"02 04:24 "Calling"03 08:27 "In Your Eyes"04 13:34 "Save Me"05 17:58 "In the Army Now"06 23:38 "Dreamin'"07 25:32 "End of the Line"08 30:30 "Invitation"09 33:45 "Red Sky"10 37:58 "Speechless"11 "Overdose"
1Down the Dustpipe2:042Green Tambourine2:173I (Who Have Nothing)3:054Ice in the Sun2:135Lazy Poker Blues3:216Little Miss Nothing3:047Need Your Love4:498Paradise Flat3:149Pictures of Matchstick Men3:1310Spicks and Specks2:4911Spinning Wheel Blues3:2312The Price of Love3:4613In My Chair3:1914Mean Girl3:54
Back to Back es el décimo sexto álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1983 a través de Vertigo Records. Además, es el último disco con el bajista y cofundador Alan Lancaster y con el baterista Pete Kircher, quienes se retiraron del grupo a mediados de 1985.El disco recibió diversas críticas, destacando el cambio de sonido en ciertos temas orientados más hacia el pop rock. Por otro lado, fue su última producción antes del receso momentáneo que se dieron a finales de 1984 y gran parte de 1985, el primero después de más de veinte años de carrera ininterrumpida.Por otro lado, en el 2006 fue remasterizado con ocho pistas adicionales de las cuales destacó el tema «The Wanderer», que había sido publicado como sencillo en 1984. También incluyó una versión de «Cadillac Ranch» —original de Bruce Springsteen— que se grabó junto con el resto de las canciones, pero que fue descartado a último momento de incluirlo en el disco.N.ºTítuloEscritor(es)Duración«A Mess of Blues»Doc Pomus, Mort Shuman3:23«Ol' Rag Blues»Lancaster, Keith Lamb2:51«Can't Be Done»Rossi, Bernie Frost3:07«Too Close to the Ground»Parfitt, Bown3:43«No Contract»Parfitt, Bown3:40«Win or Lose»Rossi, Frost2:35«Marguerita Time»Rossi, Frost3:27«Your Kind of Love»Lancaster3:24«Stay the Night»Rossi, Frost, Andrew Miller3:02«Going Down Town Tonight»Guy Johnson3:33
1She Don't Fool Me4:342Young Pretender3:343Get Out and Walk3:114Jealousy2:545I Love Rock and Roll2:496Resurrection3:477Dear John3:128Doesn't Matter3:379I Want the World to Know3:2210I Should Have Known3:3011Big Man3:43
1Never Too Late4:002Something 'Bout You Baby I Like2:523Take Me Away4:494Falling in Falling Out4:155Carol3:426Long Ago3:467Mountain Lady5:028Don't Stop Me Now3:449Enough Is Enough2:5410Riverside5:04
1What You're Proposin3:512Run to Mummy3:113Don't Drive My Car4:314Lies4:045Over the Edge4:356Wild Ones3:577Name of the Game4:328Coming and Going6:239Rock & Roll3:47
Whatever You Want es el duodécimo álbum de estudio de labanda de rock británica Status Quo .Este fue el tercer álbum de la banda producido por Pip Williams . La grabación comenzó en diciembre de 1978 en los estudios Wisseloord en Hilversum, Países Bajos, y las mezclas finales se completaron en Londres en marzo de 1979. El álbum fue lanzado el 12 de octubre de 1979 y entró en la lista el 20 de octubre de 1979, alcanzando el número tres en la lista de álbumes del Reino Unido . El primer sencillo del álbum, " Whatever You Want ", fue lanzado el 14 de septiembre, con "Hard Ride" como lado B, y alcanzó una posición máxima de número cuatro en la lista de singles del Reino Unido . El segundo sencillo del álbum fue " Living on an Island ", con el lado B "Runaway". Este fue lanzado el 16 de noviembre de 1979 y alcanzó el número 16 en la lista del Reino Unido.El álbum fue remezclado para el mercado estadounidense y esta versión fue lanzada en los EE. UU. con el título Now Hear This en 1980. Finalmente fue lanzado en CD como parte de la remasterización de lujo de 2016. [ 5 ] Sin embargo, esto omitió dos canciones, "Shady Lady" y "Your Smiling Face". Por lo tanto, estas solo están disponibles en los lanzamientos originales de vinilo/casete/8 pistas. Las pistas "Whatever You Want" y "Living on an Island" también se intercambiaron en el orden de ejecución de la versión remezclada de EE. UU.Listado de canciones" Lo que quieras " ( Rick Parfitt , Andy Bown ) – 4:04"La dama sombría" ( Francis Rossi , Bob Young ) – 3:00“¿Quién te preguntó?” ( Alan Lancaster ) – 4:00"Tu cara sonriente" (Parfitt, Bown) – 4:25“ Vivir en una isla ” (Parfitt, Young) – 4:48"Ven a rockear conmigo" (Rossi, Bernie Frost) – 3:15"Rockin' On" (Rossi, Frost) – 3:25"Fugitivo" (Rossi, Frost) – 4:39"Alto vuelo" (Lancaster, Young) – 3:47"Rompiendo el hielo" (Rossi, Parfitt, Bown) – 6:44
If You Can't Stand the Heat es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1978 por Vertigo Records. De acuerdo a Robert Aniento de Allmusic, es un disco más pensado que el trabajo anterior, pero que no iguala a Quo y Blue for You por ejemplo.1 Por otro lado, es la primera producción donde incluyen un coro de soporte, integrado por Stevie Lange, Joy Yates y por Jacquie O'Sullivan que más tarde sería parte del grupo Bananarama.Al igual que los anteriores álbumes obtuvo una buena recepción en el mercado inglés, donde alcanzó el puesto 3 en los UK Albums Chart y permaneció en dicha lista durante 14 semanas consecutivas.2 A los pocos días de su lanzamiento, recibió disco de oro por la British Phonographic Industry, tras vender más de 100 000 unidades en el Reino Unido.3Por otro lado y para promocionarlo, el 25 de agosto del mismo año se publicó el primer sencillo, «Again and Again», que llegó hasta el puesto 13 en los UK Singles Chart.2 Mientras que en noviembre, se publicó el segundo sencillo, «Accident Prone», que solo alcanzó la posición 36 en el conteo inglés.1Again And Again3:412I'm Giving Up My Worryin'3:023Gonna Teach You to Love Me3:084Someone Show Me Home3:515Long Legged Linda3:266Oh! What a Night3:407Accident Prone5:058Stones3:529Let Me Fly4:2110Like a Good Girl3:26
Rockin' All Over the World es el décimo álbum de estudio dela banda británica Status Quo . Es el primero producido por Pip Williams y el primero en el que Andy Bown colabora habitualmente con la banda; más tarde se uniría oficialmente a la banda en 1982. Lanzado en noviembre de 1977, alcanzó el puesto número 5 en el Reino Unido. [ 4 ]"Un álbum de mierda", dijo el guitarrista y cantante Francis Rossi . "No hay nada de mierda en Rockin' All Over the World ", respondió el guitarrista Rick Parfitt . "Es jodidamente genial. Pip agregó algo de clase a la producción y, a partir de ese momento, nos pusimos bastante elegantes, para nosotros". De manera poco habitual, el bajista Alan Lancaster estuvo de acuerdo con Rossi: "Cuando Pip Williams comenzó a producirnos fue cuando todo comenzó a ir mal". [ 5 ]La canción principal, escrita y grabada originalmente por John Fogerty , fue lanzada como sencillo en septiembre de 1977, alcanzando el puesto número 3 en el Reino Unido. [ 6 ] Su lado B fue " Ring of a Change ", de su álbum de estudio anterior. No se publicaron otros sencillos del álbum, aunque " Can't Give You More " fue regrabado por la banda para " Rock 'Til You Drop " de 1991 y lanzado como sencillo, alcanzando el puesto número 37.El álbum fue reeditado por Mercury en 2005 con una pista adicional: una versión de "Getting Better" de los Beatles , grabada inicialmente en 1976 para la banda sonora de la película All This and World War II . Esta pista fue omitida de una edición de lujo lanzada a fines de 2015; sin embargo, para esta reedición, el álbum completo fue remezclado y reordenado por el ingeniero original John Eden. Varias de las nuevas mezclas presentan reproducciones más largas y el sonido general se redujo al núcleo de dos guitarras, bajo y batería, con partes ocasionales de teclado. Como beneficio adicional, se incluyeron cuatro demos.Lado uno"Tiempos difíciles" ( Francis Rossi , Rick Parfitt ) – 4:45“ No puedo darte más ” (Rossi, Bob Young ) – 4:15"Vamos a montar" ( Alan Lancaster ) – 3:03"Baby Boy" (Rossi, Young) – 3:12"No eres mi dueño" (Lancaster, Mick Green ) – 3:03" Rockeros rodando " (Parfitt, Jackie Lynton) – 4:19Lado dos" Rockeando por todo el mundo " ( John Fogerty ) – 3:36“¿Quién soy yo?” (Pip Williams, Peter Hutchins) – 4:30"Demasiado lejos" (Lancaster) – 3:08"Para ti" (Parfitt) – 3:01“Agua sucia” (Rossi, Young) – 3:51" Te detengo " (Rossi, Parfitt, Young) – 4:30
Blue for You es el noveno álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1976 a través de Vertigo Records para el Reino Unido y por Capitol Records para los Estados Unidos.1 Es el último trabajo de la agrupación grabada por la formación denominada «Frantic Four», ya que para el siguiente disco se integraría Andy Bown como el quinto miembro oficial. De igual manera, es el último producido por ellos mismos, que provocó que sus posteriores trabajos estuvieran más orientados hacia un rock más suave y comercial.1Is There a Better Way3:292Mad About the Boy3:343Ring of a Change4:184Blue for You4:085Rain4:346Rolling Home3:047That's a Fact4:228Ease Your Mind3:309Mystery Song6:41
On the Level es el octavo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1975 por Vertigo Records para el Reino Unido y por Capitol Records para el mercado estadounidense. De acuerdo a ciertos críticos, es uno de sus mejores discos de la década de los setenta y a su vez uno de los más exitosos.1Como dato la portada original consiste en una fotografía de los miembros de la banda tomada en una habitación de Ames, y que en la contraportada interior aparecía una imagen informal de la primera fotografía. En ciertas ediciones posteriores la imagen interna del disco no se incluía. Por otro lado, en el 2005 se remasterizó con cinco pistas adicionales; la versión sencillo de «Down Down» y cuatro canciones en vivo.1Little Lady3:032Most of the Time3:223I Saw the Light3:404Over and Done3:555Nightride3:536Down Down5:257Broken Man4:158What to Do3:089Where I Am2:4410Bye Bye Johnny4:43
Quo es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1974 por Vertigo Records para el Reino Unido y por A&M Records para los Estados Unidos. Al momento de su publicación, la banda ya era considerada como una de las nuevas grandes bandas de boogie rock, por ello el disco logró en poco tiempo gran repercusión comercial en su propio país y sobre todo recibió buenas críticas de la prensa.En pocos días se posicionó en el segundo lugar de los UK Albums Chart, donde permaneció 16 semanas consecutivas en la lista.2 Además y en el mismo mes de su lanzamiento, obtuvo disco de oro en el Reino Unido, luego de superar las 100 000 copias vendidas. Por otro lado y para promocionarlo el 26 de abril habían publicado el sencillo, «Break the Rules», que alcanzó el octavo puesto en la lista UK Singles ChartABackwater – (Parfitt/Lancaster) 00:00Just Take Me – (Parfitt/Lancaster) 04:18Break the Rules – (Rossi/Young/Parfitt/Lancaster/Coghlan) 07:57Drifting Away – (Parfitt/Lancaster) 11:38 BDon't Think It Matters – (Parfitt/Lancaster) 16:44Fine, Fine, Fine – (Rossi/Young) 21:38Lonely Man – (Parfitt/Lancaster) 24:09Slow Train – (Rossi/Young) 29:18
Hello! es el sexto álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1973 por Vertigo Records para el Reino Unido y por A&M Records para los Estados Unidos. Es la primera producción que utiliza su característico logotipo y a su vez es el primero donde John Coghlan es acreditado como compositor.Por otro lado ha recibido en su gran mayoría positivas reseñas de la prensa especializada, como el sitio Allmusic que lo consideró «divertido, cómodo y confiado».1 Cabe destacar que es el primer álbum en el que participa el inglés Andy Bown, pero solo fue acreditado como músico de sesión.
Piledriver es el quinto álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1972 por Vertigo Records para el Reino Unido y por A&M Records para los Estados Unidos. El disco se caracterizó por ser el primero en contar con el sonido característico del grupo, una fluctuación entre el hard rock y el boogie rock, cuyo proceso habían iniciado en Dog of Two Head.Tras su lanzamiento recibió en su gran mayoría buenas reseñas de la prensa especializada, entre ellas del sitio Allmusic, que lo consideró como su mejor álbum hasta ese entonces e incluso mucho mejor que otros discos de hard rock de aquel tiempo.1 Pero también hubo algunos que criticaron la calidad del grupo, como es el caso de Robert Christgau, que trató de «aburrido» los «intentos» de baladas y las canciones boogies.2Adicional a ello se convirtió en el primer álbum de la banda en entrar en los UK Albums Chart' en el puesto 5 y permaneció en la lista por 37 semanas consecutivas.3 Además obtuvo el top 50 en otras listas europeas como la alemana, la sueca y la suiza por ejemplo. Además y para promocionarlo se lanzó en el mismo año el sencillo «Paper Plane», que llegó hasta la octava posición en la lista UK Singles Chart.3Lista de cancionesN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Don't Waste My Time»Rossi, Bob Young4:22«Oh Baby»Rossi, Parfitt4:39«A Year»Lancaster5:51«Unspoken Words»Rossi, Young5:06«Big Fat Mama»Rossi, Parfitt5:53«Paper Plane»Rossi, Young2:52«All the Reasons»Parfitt, Lancaster3:42«Roadhouse Blues» (cover de The Doors)Jim Morrison, Ray Manzarek, John Densmore, Robby Krieger
Dog of Two Head es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1971 por Pye Records. Para esta producción la banda mantuvo el hard rock en el que incursionaron en el disco anterior, pero le agregaron algunos toques del boogie rock que lo posiciona como su trabajo seminal de su eventual y característico sonido.1Al igual que Ma Kelly's Greasy Spoon, sus ventas fueron escasas y no obtuvo una relevancia en las listas musicales. En marzo publicaron el sencillo «Tune to the Music» que no figuró en ninguna lista y que tampoco se agregó en el listado de canciones del álbum. Cabe destacar que en 1973 el sello Pye publicó «Mean Girl» como sencillo, que no fue aprobado por la banda ya que por ese tiempo pertenecían a Vertigo Records, pero aun así obtuvo el puesto 20 en los UK Singles Chart.2En 2003 se remasterizó con cinco pistas adicionales donde destacaron «Tune to the Music» y una versión mezclada de «Mean Girl». Por su parte las dos canciones en vivo fueron grabadas en el programa de la BBC, The John Peel Show, el 3 de marzo de 1972.3Lista de cancionesN.ºTítuloEscritor(es)Duración«Umleitung»Lancaster, Lynes7:11«Na Na Na (Extraction I)»Rossi, Young0:51«Something's Going on in My Head»Lancaster4:44«Mean Girl»Rossi, Young3:53«Na Na Na (Extraction II)»Rossi, Young1:11«Gerdundula»Rossi, Young3:49«Railroad»Rossi, Young5:30«Someone's Learning»Lancaster7:08«Na Na Na»Rossi, Young2:26Pistas adicionales en remasterización de 2003N.ºTítuloEscritor(es)Duración«Mean Girl» (mezcla)Rossi, Young3:58«Tune to the Music»Rossi, Young3:09«Good Thinking»Rossi, Parfitt, Lancaster, Coghlan, Young3:43«Mean Girl» (grabado en las sesiones BBC)Rossi, Young3:08«Railroad» (grabado en las sesiones BBC)Rossi, Young5:32
Ma Kelly's Greasy Spoon es el tercer álbum de estudio de la banda británica de rock Status Quo, publicado en 1970 por Pye Records. A diferencia de sus dos trabajos anteriores, la banda se alejó de los sonidos sicodélicos para experimentar con el naciente hard rock, por ello ciertos críticos lo consideran como un «plan provisional» de su posterior carrera.1 Cabe señalar que es la última producción con el teclista Roy Lynes, que abandona la banda a fines del mismo año.Por otro lado, obtuvo una nula atención en las listas musicales de Europa y sus ventas fueron mucho menores que el disco anterior. Sin embargo su sencillo promocional, «Down the Dustpipe», llegó hasta el puesto 12 en los UK Singles Chart británicos.2En 2003 se remasterizó con diez canciones como pistas adicionales, de las que destacó «In My Chair» que fue lanzado como sencillo en 1970, pero que no se agregó en el disco original, al igual que «Down the Dustpipe». Además cuatro de los diez temas se grabaron en octubre de 1970 durante las sesiones de la BBC, como parte del programa televisivo The John Peel Show.
Spare Parts es el segundo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Status Quo y su último álbum de estilo psicodélico . Es el primero en el que el roadie del grupo, Bob Young, escribió y coescribió canciones para y con la banda. Lanzado en septiembre de 1969, no fue un éxito comercial.El álbum es una versión de una canción escrita por Carole King y Gerry Goffin , "You're Just What I Was Looking for Today". Solo se programó el lanzamiento de una canción como sencillo. Se trataba de la canción escrita por Anthony King "Are You Growing Tired of My Love", acompañada por la composición de Alan Lancaster "So Ends Another Life". Lanzada en abril de 1969, alcanzó el puesto n.º 46 en las listas de sencillos del Reino Unido.Tras la decepcionante recepción del álbum, la banda lanzó un sencillo que no formaba parte del álbum: "The Price of Love" de los Everly Brothers , también lanzado en septiembre de 1969, con la composición de Francis Rossi y Rick Parfitt "Little Miss Nothing" como lado B.Listado de cancionesLado uno"Un rostro sin alma" ( Francis Rossi , Rick Parfitt ) - 3:08"Eres justo lo que estaba buscando hoy" ( Gerry Goffin , Carole King ) - 3:50“¿Estás cansado de mi amor?” (Anthony King) - 3:37"La antigua Angélica" ( Alan Lancaster , Bob Young ) - 3:22"Así termina otra vida" (Lancaster) - 3:12"Pobre viejo" (Rossi, Parfitt) - 3:36Lado dos"El señor detector de mentes" (A. King) - 4:01"El payaso" (Lancaster, Young, Paul Nixon) - 3:22"Cortinas de terciopelo" (A. King) - 2:56"La pequeña señorita Nada" (Rossi, Parfitt) - 2:59"Cuando me despierto" (Lancaster, Young) - 3:49"Nada en absoluto" (Lancaster, Roy Lynes, Young) - 3:52
El primer sencillo del álbum originalmente iba a ser «Gentleman Joe's Sidewalk Café», con la composición original de Francis Rossi « Pictures of Matchstick Men » como cara B , pero estas canciones finalmente se intercambiaron. Alcanzó el puesto número 7 en el Reino Unido y sigue siendo el único gran éxito de la banda en los EE. UU., donde alcanzó el puesto número 12. También alcanzó el puesto número 8 en Canadá. Un segundo sencillo, «Black Veils of Melancholy» de Rossi (con la canción no incluida en el álbum «To Be Free» del organista Roy Lynes como cara B), fracasó e incluso se ha dicho que es «una copia de «Pictures of Matchstick Men » ». El tercer sencillo, « Ice in the Sun », fue escrito para la banda por Marty Wilde y Ronnie Scott (no el músico de jazz), con la composición de Rossi/Parfitt «When My Mind Is Not Live» como cara B. Alcanzó el puesto número 8 en el Reino Unido y el número 29 en Canadá.El álbum en sí fue lanzado el 27 de septiembre de 1968 y no logró entrar en las listas de éxitos del Reino Unido. La banda planeó lanzar un cuarto sencillo del álbum, "Technicolour Dreams" con la composición de Wilde/Scott "Paradise Flat", pero lo cancelaron después de unos días a favor de un lanzamiento de un sencillo que no formaba parte del álbum a principios del año siguiente. El nuevo sencillo, "Make Me Stay a Bit Longer" de Rossi y Parfitt, con "Auntie Nellie" del bajista Alan Lancaster como cara B, fue lanzado el 31 de enero de 1969. Además de recibir el "pulgar hacia arriba" de la mayoría de los críticos de discos, este sencillo también fue un hito para el grupo, ya que sería su último lanzamiento en el que se les acreditaría como "el" Status Quo.
72 Seasons es el undécimo álbum de estudio del grupo musical estadounidense de metal Metallica. Fue lanzado el 14 de abril de 2023, por su propio sello Blackened Recordings. El álbum es producido por Greg Fidelman, quien produjo el álbum de estudio anterior de la banda, Hardwired... to Self-Destruct (2016), es el segundo álbum de estudio de la banda que se lanzó a través de Blackened y al igual que su predecesor, todas sus canciones tienen un video musical. Es el álbum, seguido solamente de Load (1996), con mayor minutaje de su carrera, con una duración total de 01:17:13.
Hardwired... to Self-Destruct es el décimo álbum de estudio de la bandaestadounidense de heavy metal Metallica , lanzado como álbum doble el 18 de noviembre de 2016 por el sello discográfico de la banda, Blackened Recordings. Fue el primer álbum de estudio de Metallica en ocho años después de Death Magnetic (2008), marcando la brecha más larga entre álbumes de estudio en la carrera de la banda, y su primer álbum de estudio lanzado a través de Blackened. El álbum fue producido por Greg Fidelman , quien diseñó y mezcló Death Magnetic .Hardwired... to Self-Destruct fue el sexto álbum de estudio consecutivo de Metallica en debutar en el número uno en el Billboard 200 de Estados Unidos , vendiendo 291.000 unidades equivalentes a álbumes en su primera semana y encabezando las listas en 57 países. El puesto número uno marcó solo la segunda vez en la historia de la lista que cualquier banda tuvo seis álbumes consecutivos debutando en el número uno, después de Dave Matthews Band . Hardwired... to Self-Destruct recibió críticas generalmente positivas de los críticos, y en 2020, el baterista de Metallica, Lars Ulrich, clasificó el álbum como el mejor de la banda.Tracklist00:00 Hardwired03:09 Atlas, Rise!09:38 Now That We're Dead16:37 Moth Into Flame22:27 Dream No More28:57 Halo On Fire37:12 Confusion43:54 ManUNkind50:49 Here Comes Revenge58:07 Am I Savage?01:04:37 Murder One01:10:22 Spit Out The Bone01:17:32 Lords Of Summer01:24:42 Ronnie Rising Medley01:33:47 When A Blind Man Cries01:38:20 Remember Tomorrow
Death Magnetic es el noveno álbum de estudio dela banda estadounidense de heavy metal Metallica , lanzado el 12 de septiembre de 2008 a través de Warner Bros. Records . El álbum fue producido por Rick Rubin , lo que marca el primer álbum de la banda desde ...And Justice for All (1988) que no es producido por su colaborador de siempre Bob Rock y coproducido por Hetfield y Ulrich. También es el primer álbum de Metallica con el bajista Robert Trujillo , y el segundo en compartir el crédito de composición con todos los miembros de la banda.Metallica comenzó a escribir música para un nuevo álbum en 2006, grabando más tarde el álbum en diferentes estudios en el condado de Los Ángeles, California , desde marzo de 2007 hasta mayo de 2008. Musicalmente, Death Magnetic es un cambio radical con respecto al álbum anterior de Metallica, St. Anger (2003), y se considera un regreso a las raíces thrash metal de la banda , [7] con composiciones más complejas, afinación de guitarra estándar en la mayoría de las canciones y largos solos de guitarra de Kirk Hammett y James Hetfield . También incluye la primera pieza instrumental de la banda, "Suicide & Redemption", desde "To Live Is to Die" de ...And Justice for All .Death Magnetic convirtió a Metallica en la primera banda en lograr cinco álbumes de estudio número uno consecutivos en el Billboard 200 de Estados Unidos. El álbum recibió críticas positivas de los críticos, que lo consideraron un regreso a la forma para Metallica. Sin embargo, la producción del álbum fue criticada por estar sobrecomprimida y citada como un producto de la guerra de volumen . El álbum y sus canciones fueron nominados a seis premios Grammy (cinco en 2009 y uno en 2010) y ganó tres, incluyendo Mejor interpretación de metal por «My Apocalypse». En apoyo del álbum, Metallica se embarcó en el World Magnetic Tour desde octubre de 2008 hasta noviembre de 2010. Cuatro temas inéditos de las sesiones de grabación del álbum fueron lanzados más tarde como el EP Beyond Magnetic en diciembre de 2011.[0:00] "That was just your life"[7:07] "End Of The Line" [15:00] "Broken Beat and Scarred" [21:26] "The Day That Never Comes" [29:22] "All Nightmare Long" [37:21] "Cyanide" [44:01] "The Unforgiven III" [51:47] "Judas Kiss" [59:48] "Suicide And Redemption" [1:09:46] "My Apocalypse"
St. Anger es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense de thrash metal Metallica, publicado el 5 de junio de 2003 con el sello Elektra Records. La publicación de este álbum supuso el fin de un intervalo de seis años sin ningún trabajo de estudio (ReLoad, 1997), el mayor en la carrera de la banda hasta ese momento. Iba a ser publicado inicialmente el 10 de junio, pero la preocupación porque se distribuyera sin licencia a través de programas P2P hizo que su lanzamiento se adelantase cinco días. St. Anger es el último álbum de Metallica producido por Bob Rock, presente en todas las grabaciones de la banda desde Metallica (1991). Este álbum es también el primero en el que no participa el bajista Jason Newsted, que dejó el grupo poco antes de las primeras sesiones de grabación, lo que hizo que el propio Bob Rock tomara las labores de bajista hasta que la banda encontrase un sustituto. Es también el único álbum de la banda marcada con un sticker de aviso parental.La grabación del disco comenzó el 24 de abril de 2001, pero fue suspendida indefinidamente cuando el vocalista James Hetfield entró en rehabilitación por «alcoholismo y otras adicciones». St. Anger supone un cambio radical en el estilo del grupo, con un sonido más semejante al Metal alternativo y al Nu metal, una producción más cruda y sin solos de guitarra.St. Anger debutó en lo más alto de las listas de popularidad de treinta países, incluyendo los Estados Unidos. Tras su publicación recibió críticas divergentes, motivadas en gran parte al cambio de sonido del grupo. El primer sencillo del disco, «St. Anger», ganó el premio Grammy en 2004 a la Mejor interpretación de heavy metal. El disco ha vendido más de dos millones de copias en los Estados Unidos, donde ha conseguido dos discos de platino.1Frantic5:512St. Anger7:223Some Kind Of Monster8:264Dirty Window5:255Invisible Kid8:316My World5:467Shoot Me Again7:118Sweet Amber5:289The Unnamed Feeling7:0810Purify5:1411All Within My Hands8:46
«I Disappear» es una canción de Metallica que aparece en la banda sonora de la película Misión: Imposible II y que fue además editada como un sencillo en 2000. «I Disappear» en YouTube.
Garage Inc. es un álbum de versiones del grupo musical estadounidense Metallica, realizado en homenaje a los grupos que marcaron sus raíces, fue publicado el 24 de noviembre de 1998. Está íntegramente conformado por versiones, incluyendo todas aquellas que Metallica había grabado hasta esa fecha.Se pueden encontrar canciones de Queen, Motörhead, Black Sabbath, Bob Seger, The Misfits, Diamond Head, Mercyful Fate, Discharge, entre otros.
Garage Inc. es un álbum de versiones del grupo musical estadounidense Metallica, realizado en homenaje a los grupos que marcaron sus raíces, fue publicado el 24 de noviembre de 1998. Está íntegramente conformado por versiones, incluyendo todas aquellas que Metallica había grabado hasta esa fecha.23Se pueden encontrar canciones de Queen, Motörhead, Black Sabbath, Bob Seger, The Misfits, Diamond Head, Mercyful Fate, Discharge, entre otros.
ReLoad es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de heavy metal, Metallica. Fue lanzado al mercado el 18 de noviembre de 1997. Al igual que Load, fue grabado en los estudios The Plant en California y también producido por Bob Rock (Mötley Crüe, Bon Jovi, The Cult). ReLoad es la contraparte a su álbum anterior, Load.Se planeaba que ReLoad saliera al mismo tiempo que Load como un álbum doble, sin embargo, y por distintas razones no se dio al mercado hasta un año después. De hecho, y al igual que en la portada de Load, se utiliza una obra del fotógrafo Andrés Serrano, solo que en ReLoad la fotografía de la portada está hecha de orina y sangre y lleva por nombre "Piss and Blood". ReLoad continúa con el mismo estilo de Metallica ya manifestado en Load, con canciones como "The Memory Remains" en la que participó la cantante británica Marianne Faithfull, "Fuel" y "Devil's Dance"; al igual que la canción "The Unforgiven II", segunda parte de "The Unforgiven" incluida en su famoso Black Album de 1991; como nota curiosa, la saga de The Unforgiven no terminaría en este álbum como se creía, ya que para sorpresa de muchos fue retomada en el álbum Death Magnetic de 2008, con una tercera entrega.Con ReLoad se cierra un breve capítulo de Metallica influenciado por el country, blues y el hard rock (con la excepción de S&M y Garage Inc, pues se consideran en este caso como discos de grabaciones en vivo y covers (versiones) de las bandas favoritas de Metallica, respectivamente. Metallica no volvería con material propio hasta 2003, reinventándose de nuevo, con su polémico disco St. Anger.Para este disco Metallica usó la afinación de Eb (mi bemol), es decir, un semitono por debajo de la afinación estándar, para la mayoría de las canciones.Este disco se caracteriza por tener la mayor cantidad de temas que nunca han sido interpretados en vivo (6 de 13). Los temas Better than You (Ganadora de un premio Grammy en 1998), Bad Seed y Where The Wild Things Are han sido interpretados de manera parcial como "jams", mientras que Slither, Prince Charming y Attitude no han sido interpretados en lo absoluto.Lista de cancionesTodas las letras escritas por James Hetfield.N.ºTítuloMúsicaDuración«Fuel»James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett4:29«The Memory Remains» (feat. Marianne Faithfull)Hetfield, Ulrich4:38«Devil's Dance»Hetfield, Ulrich5:18«The Unforgiven II»Hetfield, Ulrich, Hammett6:36«Better than You»Hetfield, Ulrich5:21«Slither»Hetfield, Ulrich, Hammett5:13«Carpe Diem Baby»Hetfield, Ulrich, Hammett6:12«Bad Seed»Hetfield, Ulrich, Hammett4:05«Where The Wild Things Are»Hetfield, Ulrich, Jason Newsted6:50«Prince Charming»Hetfield, Ulrich6:04«Low Man's Lyric»Hetfield, Ulrich7:36«Attitude»Hetfield, Ulrich5:16«Fixxxer»
Load es el sexto álbum de estudio de la banda estadounidense de thrash metal Metallica, lanzado el 4 de junio de 1996 bajo el sello Elektra Records como sucesor del exitoso álbum Metallica del año 1991. Grabado en los estudios The Plant en California y producido por Bob Rock (Mötley Crüe, Bon Jovi y The Cult), Load representó un gran cambio en el grupo tanto de imagen como de estilo musical. En este trabajo y luego de una ausencia de cinco años de los estudios (algo inusual para Metallica) la banda dio un giro radical a su sonido, abrazando nuevos subgéneros musicales y profundizando en caminos ya abiertos en su álbum Metallica.Toda esta transformación ocasionó conmoción en varios sectores, pero especialmente en sus seguidores originales, que los acusaron de "venderse" a un estilo más comercial. Sin embargo, existe un amplio sector opinando que este cambio fue a más, hacia una música más madura y metódica, olvidando parte del resentimiento social de ...And Justice for All (1988) o parte de la rabia del mismo Metallica hacia algunas letras mucho más existencialistas y de conflicto emocional. Además de los cambios estrictamente musicales, también rediseñaron su tradicional logo basado en puntas, por una derivación totalmente minimalista del mismo. En su aspecto físico, se cortaron su tradicional cabello largo y para la contratapa del álbum vistieron trajes estilo cubano.Aunque a raíz de todo lo anterior, Load constituyó la pérdida de un número considerable de aficionados con predilección por la música agresiva de sus inicios, la banda ganó gran cantidad de adeptos y fue un gran éxito de ventas al hacer el rock fuerte un género más accesible para las masas, asegurándose así, una nueva camada de seguidores.Un dato anecdótico de este disco es acerca de la portada, ya que, contrario a lo que muchos piensan, la imagen principal de la misma no es fuego ni lava, sino sangre de oveja y semen fotografiada entre dos láminas de Plexiglás, obra del fotógrafo Andres Serrano creada en 1990 con el nombre de "Blood and Semen III". Para este disco Metallica usó la afinación de Eb (mi bemol), es decir, un semitono por debajo de la afinación estándar, para la mayoría de las canciones.Lista de cancionesTodas las letras escritas por James Hetfield.«Ain't My Bitch»Hetfield, Ulrich5:04«2 x 4»Hetfield, Ulrich, Hammett5:28«The House Jack Built»Hetfield, Ulrich, Hammett6:38«Until It Sleeps»Hetfield, Ulrich4:30«King Nothing»Hetfield, Ulrich, Hammett5:28«Hero of the Day»Hetfield, Ulrich, Hammett4:22«Bleeding Me»Hetfield, Ulrich, Hammett8:18«Cure»Hetfield, Ulrich, Hammett4:54«Poor Twisted Me»Hetfield, Ulrich4:00«Wasting My Hate»Hetfield, Ulrich, Hammett3:57«Mama Said»Hetfield, Ulrich5:19«Thorn Within»Hetfield, Ulrich, Hammett5:51«Ronnie»Hetfield, Ulrich5:17«The Outlaw Torn»
«Nothing Else Matters» (traducido al español: «Nada más importa») es una power ballad grabada e interpretada por la banda estadounidense de thrash metal Metallica. Se publicó el 20 de abril de 1992 como el tercer sencillo del quinto álbum de estudio autotitulado Metallica.La canción llegó al número 34 en la lista de éxitos del Billboard Hot 1002 y al número 11 en la lista de música rock de Billboard, el Mainstream Rock Tracks2 así como en el top-ten de numerosas listas de éxitos europeas. «Nothing Else Matters» se incluyó como una canción para el videojuego Guitar Hero: Metallica. La canción ha sido versionada más de cuarenta veces. Se ubica en el séptimo puesto de "las 1000 mejores canciones de siempre" de la revista Q Music. Es reconocida como una de las canciones más conocidas y famosas del grupo Metallica, así como una de las imprescindibles en sus conciertos.
Metallica (también conocido como The Black Album por su portada), es el quinto álbum de estudio del grupo musical estadounidense de metal Metallica. Fue el primer álbum de estudio de Metallica producido por Bob Rock. Recibió elogios de la crítica y se convirtió en el álbum más vendido del grupo musical. El álbum contiene importantes éxitos del grupo como «Enter Sandman», «Sad but True», «The Unforgiven», «Wherever I May Roam» y «Nothing Else Matters». Vendió más de 597 000 de copias en su debut uno en Billboard 200 el 31 de agosto de 1991 y en total vendió 16,4 millones de copias en Estados Unidos según Nielsen Music. El álbum ha vendido 30 millones en el mundo.El álbumEn este álbum se adoptaron diversas innovaciones en las técnicas de la grabación de los instrumentos, especialmente en la batería, para aportar al sonido de las canciones una ambientación cercana al directo, con la perfección que aporta el estudio. Posteriormente este disco supondría la referencia sonora de muchas de las expectativas de nuevos grupos musicales a la hora de intentar explicar el sonido que deseaban para sus grabaciones propias. En este álbum Kirk Hammett usó una guitarra Jackson Randy Rhoads, en memoria al fallecido guitarrista de Quiet Riot y Ozzy Osbourne.A diferencia del disco ...And Justice for All, en este álbum hay una notoria mejora de sonido en el bajo, el cual puede distinguirse perfectamente, principalmente por la importancia que Bob Rock dio a este instrumento. Su portada hace un homenaje al álbum de The Beatles conocido como The White Album. En la portada aparece la serpiente de cascabel de la Bandera de Gadsden, cuyo lema también da título a la sexta canción del álbum «Don't Tread on Me».Hasta el 12 de agosto de 2016 Metallica había vendido más de 16.4 millones de copias en Estados Unidos, siendo el álbum más vendido en el país, desde que Nielsen SoundScan comenzó a contabilizar las ventas en el año 1991, vendiendo un aproximado de 1 000 copias cada semana.Lista de cancionesTodas las letras escritas por James Hetfield.N.ºTítuloMúsicaDuración«Enter Sandman»James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett5:29«Sad but True»Hetfield, Ulrich5:24«Holier Than Thou»Hetfield, Ulrich3:47«The Unforgiven»Hetfield, Ulrich, Hammett6:26«Wherever I May Roam»Hetfield, Ulrich6:42«Don't Tread on Me»Hetfield, Ulrich3:59«Through the Never»Hetfield, Ulrich, Hammett4:01«Nothing Else Matters»Hetfield, Ulrich6:28«Of Wolf and Man»Hetfield, Ulrich, Hammett4:16«The God That Failed»Hetfield, Ulrich5:06«My Friend of Misery»Hetfield, Ulrich, Jason Newsted6:47«The Struggle Within»Hetfield, Ulrich3:51
...And Justice for All es el cuarto álbum de estudio del grupo musical estadounidense de thrash metal Metallica, publicado el 7 de septiembre de 1988 a través de Elektra Records en Norteamérica y por Vertigo Records en Europa. Se trata del primer álbum de estudio con el bajista Jason Newsted, que sustituyó a Cliff Burton tras su muerte en 1986. Newsted ya había aparecido en el EP The $5.98 E.P.: Garage Days Re-Revisited, su primer trabajo con Metallica. El álbum ganó ocho discos de platino entregados por la RIAA el 9 de junio de 2003, tras alcanzar las ocho millones de copias vendidas.La portada muestra una imagen de la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares; las palabras «...And Justice for All» están escritas al estilo grafiti en el lado derecho. Stephen Gorman fue quien la diseñó, inspirado en un concepto desarrollado por Lars Ulrich y James Hetfield. ...And Justice for All es la última colaboración entre Metallica y el productor Flemming Rasmussen. En 1989 fue nominado al premio Grammy, en la categoría de mejor interpretación de hard rock/metal vocal o instrumental, aunque el ganador fue Crest of a Knave de Jethro Tull.1Blackened6:422...And Justice for All9:463Eye of the Beholder6:264One7:265The Shortest Straw6:356Harvester of Sorrow5:457The Frayed Ends of Sanity7:438To Live Is to Die9:489Dyers Eve5:13
Master of Puppets es el tercer álbum de estudio del grupo musical de thrash metal estadounidense Metallica. Fue lanzado al mercado el 3 de marzo de 1986, bajo el sello discográfico Elektra Records, alcanzando el puesto 29 en el Billboard 200.45 El álbum fue el primer disco de oro de la banda tras vender 500 000 copias en Estados Unidos, aunque luego superaría las 6 millones.Master of Puppets es el último álbum de estudio de Metallica en el que participa el bajista Cliff Burton, quien moriría en un trágico accidente de autobús meses después del lanzamiento del disco. Este recibió críticas muy favorables y es considerado por muchos como un clásico del thrash metal en general. Es considerado una de las mayores influencias del thrash metal de todos los tiempos. El solo de guitarra de la canción «Master of Puppets» fue considerado el quincuagésimo de los cien mejores, según un ejemplar de la revista Guitar World de 2015 por Alexis Novela. «Welcome Home (Sanitarium)», «Master of Puppets», «Disposable Heroes», «Battery», «Orion» y «The Thing That Should Not Be» son jugables en el videojuego Guitar Hero: Metallica. Battery es jugable en el videojuego Rock Band. Es clasificado en el puesto #1 como el mejor álbum de metal de la historia por el sitio web Metal Rules.8 Asimismo, en 2003, en una edición especial, la reconocida revista Rolling Stone posicionó el álbum en el puesto 167 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. El álbum en el 2016 fue preservado en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, el álbum es el primer registro de metal que ingresa a este archivo. Por su "significado cultural, artístico o histórico a la sociedad", algunas emblemáticas obras son escogidas para formar parte del catálogo de la biblioteca del Congreso de Estados Unidos.
Ride the Lightning (en español: Montar el relámpago) es el segundo álbum de estudio del grupo musical estadounidense Metallica. Fue publicado el 27 de julio de 1984 bajo el sello discográfico Megaforce Records. El álbum Ride the Lightning fue certificado como disco de oro por la RIAA el 5 de noviembre de 1987 y fue certificado como quíntuple disco de platino el 9 de junio de 2003 y posteriormente como séxtuple disco de platino en 2012.2 El álbum es considerado como un álbum mayormente de thrash metal clásico por los fanes del grupo, críticos y miembros de Metallica, y es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de metal de todos los tiempos.
Kill 'Em All es el álbum debut del grupo musical estadounidense de thrash metal Metallica, publicado el 25 de julio de 1983 por Megaforce Records. El grupo, fundado en 1981 por el baterista Lars Ulrich y el vocalista y guitarrista rítmico James Hetfield, comenzó sus actuaciones en algunos clubes de Los Ángeles y decidió grabar varias maquetas para llamar la atención de los propietarios de estos. Una de ellas, No Life 'til Leather (1982), llegó al director del sello Megaforce, Jon Zazula, quien proporcionó un presupuesto de 15 000 USD para la creación del álbum, cuya grabación se efectuó en mayo de 1983 de la mano del productor Paul Curcio en los Music America Studios de Rochester, Nueva York. Asimismo, durante la preparación del disco, tanto el guitarrista Dave Mustaine como el bajista Ron McGovney abandonaron Metallica por diversos desencuentros, por lo que Kirk Hammett y Cliff Burton les sustituyeron. Este último puso como condición para su entrada el traslado del conjunto al área de San Francisco, donde finalmente se llevaron a cabo los ensayos. Originalmente se pretendía que se titulara Metal Up Your Ass, con una portada que mostraba una mano agarrando una daga que emergía de una taza de inodoro, pero se pidió un cambio de nombre, pues los distribuidores pensaron que tales características —consideradas ofensivas— disminuirían sus posibilidades de éxito comercial.Metallica lo promocionó en su gira de dos meses Kill 'Em All for One por Estados Unidos junto con Raven. Asimismo, se extrajeron dos sencillos, «Whiplash» y «Jump in the Fire», de los que únicamente el último logró posicionarse en las listas musicales, ya que consiguió el puesto 30 de la neozelandesa Top 40 Singles. No entró en el Billboard 200 hasta 1986, cuando alcanzó el número 155 tras la publicación del tercer álbum de estudio, Master of Puppets; la reedición realizada por Elektra Records en 1988 alcanzó la casilla 120. Parte de la crítica ha consensuado que se trata de una obra innovadora en el subgénero del thrash metal, a la vez que su enfoque musical y sus letras son marcadamente diferentes de la corriente principal del rock de principios de la década de 1980 e inspiraron a varias bandas que siguieron de manera similar. La RIAA lo certificó con tres discos de platino en 1999 por vender tres millones de copias en los Estados Unidos, al tiempo que la CAPIF (60 000 unidades), de Argentina, la CRIA (100 000), de Canadá, la ARIA (70 000), de Australia, y la ZPAV (20 000), de Polonia, también le concedieron uno. En Reino Unido, con 100 000 copias confirmadas por la BPI, y en Alemania, con 250 000 según la BVMI, logró el de oro.
«Anarchytecture» es el sexto álbum de los británicos Skunk Anancie, el cual vio la luz a principios de este año, con muchas criticas divididas. La cuestión es que muchos esperaban un álbum mucho mas duro y pesado de la banda. Skunk decidió apelar a temas mas tranquilos y melódicos, una colección de interesantes himnos de rock alternativo/indie, con mucho de pop pero sin dejar de lado su perfil rockero. El tipo de material que solo puede ser grabado por un grupo que cuenta con la fuerza y sentimiento vocal de su líder, la cantante Skin. «Anarchytechture» es la continuidad del último trabajo de la banda publicado en el año 2012 títulado «Black Traffic». Esta nueva obra se ha elaborado con el mismo line-up de siempre: Skin a la voz, Ace a la guitarra, el bajista Cass y el batería Mark Richardson. Un disco donde mostraron su cara más indie popera.Este nuevo álbum ha sido producido por Tom Dalgety (True Blood, Killing Joke, Band of Skulls) en los RAK Studios de Londres. En sus inicios eran una banda de rock alternativo, fueron asociados al movimiento Britrock que funciona en forma paralela al Britpop. Tras su vuelta a los escenarios, su estilo musical se enfocó más hacia el indie pop-rock con unos cuantos temas discotequeros, con los que seguro lograron captar la atención de un público más amplio, no sin perder algún que otro fiel seguidor en el cambio. La pista de apertura «Love someone else» es bien popero. «Victim» no está mal, tiene un buen riff central, pero sigue siendo sonido Indie. En cambio «Beauty is your curse» es un tema más rockero, para mi gusto uno de los mejores del LP. «Death to the lovers» es una balada donde brilla la voz de Skin. «In the back room» es otro de los cortes que conserva algún ramalazo rockero, pero que no dura demasiado. Otra que me gusta mucho es «Bullets», guitarrera y con un poco mas de fuerza, de las pocas salvables de este CD, junto a «Suckers!» un breve tema instrumental con un incendiario riff de guitarra. Tampoco despreciaría «We are the flames», que tiene un buen estribillo. El final llega con «I’ll let you down» otro corte muy tranquilito. Si realmente te gusta la banda lo disfrutaras. EnjoyLista de temas:1. «Love Someone Else» 3:312. «Victim» 4:163. «Beauty Is Your Curse» 3:414. «Death to the Lovers» 4:085. «In the Backroom» 3:396. «Bullets» 3:537. «That Sinking Feeling» 2:468. «Without You» 3:359. «Suckers!» 1:2210. «We Are the Flames» 3:2611. «I’ll Let You Down» 3:30
Black Traffic es el quinto álbum de estudio dela banda inglesa de rock alternativo Skunk Anansie . Fue lanzado el 17 de septiembre de 2012 a través de 100% Records, earMUSIC y Carosello Records . El primer sencillo del álbum es "I Believed in You", que trata sobre la gente decepcionada de sus políticos. En 2012 recibió una certificación de plata de la Asociación de Compañías Musicales Independientes ,que indicó ventas de al menos 20.000 copias en toda Europa.Todas las pistas escritas por Skunk Anansie.No.TítuloLongitud1."Te romperé"3:122."Triste triste triste"2:573."Spit You Out" (con Shaka Ponk )3:304."Espero que conozcas a tu héroe"3:445."Creí en ti"3:126."¿Satisfecho?"3:227."Nuestro verano mata al sol"4:148."Ahogo"4:119."Esto no es un juego"3:2110."Dedos pegajosos en tu miel"2:3311."Zambulléndose hacia abajo"
The original EPK for the studio album Wonderlustre, featuring the singles "My Ugly Boy", "You Saved Me" and "Over The Love".find more HD videoclips from Skunk Anansie on earmusic official Channel. / earmusicofficial Find earMUSIC on facebook: / 207991169216840
Post Orgasmic Chill es el tercer álbum de estudio de la banda de rock británica Skunk Anansie, publicado en 1999. Dos cubiertas de álbum fueron diseñadas: la versión europea con la banda posando indolente en un apartamento con vistas al mar, y la versión americana con la banda en el paseo marítimo de Atlantic City. Supuso un trabajo muy distinto al de sus dos álbumes anteriores, que tenían elementos de punk rock y rock alternativo, mientras que en este evolucionan a un nuevo sonido más duro con elementos de rock duro y metal alternativo.
Tom Demalon de AllMusic declaró retrospectivamente: "La carga frontal completa de Skunk Anansie puede resultar desgastante a veces, pero para una buena dosis de rock duro y agresivo con letras mejores que el promedio, Stoosh tiene más éxito que fracaso". [1] Tom Sinclair de Entertainment Weekly escribió que el disco "encuentra a Skunk Anansie cambiando el educado rock tipo Pat Benatar de su debut por un sonido más grande y confrontativo que coquetea con la exageración metálica incluso cuando abraza el folk y el pop ", y agregó que "ellos Me he endurecido con Stoosh ". [5]En 2005, Stoosh ocupó el puesto 367 en el libro de la revista Rock Hard Los 500 mejores álbumes de rock y metal de todos los tiempos . [10] En 2020, Enio Chiola de PopMatters incluyó el disco en su lista de "15 álbumes pasados por alto y subestimados de la década de 1990". [2]Listado de pistas No.TítuloEscritoresLongitud1."Sí, es jodidamente político"Piel, Cass, As3:512." Todo lo que quiero "Piel, Cass, As3:523."Ella es mi heroína"Piel, Len Arran5:034."Infidelidad (solo tú)"Piel, Cass, As6:005." Hedonismo (Sólo porque te sientes bien) "Piel, Len Arran3:296." Twisted (Todos los días duele) "Piel, Len Arran4:137."Amamos tu apatía"Piel, Cass, As5:118." Descarado (Llorar) "Piel, Len Arran4:389."Metiendose conmigo"Piel, Len Arran3:1810."La leche es mi azúcar"Piel, Cass, As3:4811."Canción pop gloriosa"Piel, Cass, As4:18
Paranoid & Sunburnt es el álbum de estudio debutla banda de rock británica Skunk Anansie , lanzado por primera vez en 1995 a través de One Little Indian Records . Fue relanzado en 2005 con un DVD con los vídeos de los sencillos. Este álbum fue grabado con el baterista original de la banda, Robbie France , pero no aparece en la portada. El álbum, que presenta una mezcla de canciones de protesta controvertidas (principalmente sobre política y religión ), alcanzó el puesto número 8 en la lista de álbumes del Reino Unido .Listado de pistas Todas las pistas están escritas por Skin y Len Arran ; excepto donde se indiqueNo.TítuloEscritoresLongitud1." Vendiendo a Jesús " 3:452."Intelectualizar mi negrura" 3:453." Puedo soñar " 3:514."Pequeño bebé Swastikkka" 4:045."Todo en nombre de la piedad" 3:236." Caridad " 4:337."Se necesita sangre y agallas para ser tan genial, pero sigo siendo sólo un cliché" 4:128." Débil "Piel, As, Richard Lewis, Robert France3:349."Y aquí estoy"Piel, As, Richard Lewis, Robert France5:1410."100 maneras de ser una buena chica" 3:5811."Levantate"
Han pasado nueve años desde que viese la luz ‘Loud Like Love’ (EMI, 13), el que hasta ahora era último (y revalorizado con el paso del tiempo) álbum de estudio de Placebo. Una larguísima espera paliada con la publicación del ‘MTV Unplugged’ (Universal, 15) grabado en Londres, el recopilatorio ‘A Place For Us To Dream: 20 Years Of Placebo’ (Rise, 16), y alguna canción nueva como “Jesus’ Son” o la versión del “Life's What You Make It” de Talk Talk. En cualquier caso, ese periodo de asueto llega definitivamente a su fin con la publicación de ‘Never Let Me Go’ (So Recordings), flamante nuevo elepé de Brian Molko y Stefan Olsdal y octavo ya dentro de su discografía.PUBLICIDADUna referencia que, en la práctica, recupera aquel sonido clásico y a todas luces reconocible de Placebo, con mayor intensidad que en anteriores entregas y conformando lo que bien podría ser una continuación lógica de ‘Black Market Music’ (Virgin, 00) y ‘Sleeping With Ghosts’ (Mercury, 03). Una obra copada por trazo intachable e inclusivo, en el que la inconfundible voz de Molko –tan penetrante como elegante y madura– cruza de arriba a abajo unos ambientes oscuros y ampliamente sugestivos. El álbum se abre con los ecos industriales de la hermética “Forever Chemicals”, antes de que el espléndido single “Beautiful James” evidencie que el uso de sintetizadores será un elemento clave en el disco. La inquietante “Surrounded By Spies” parece cuestionar el uso que damos a la tecnología, mientras que “Try Better Next Time” se situaría en el extremo opuesto al lucir como la apuesta indisimuladamente pop del lote. “The Prodigal” es otra de las gemas del producto con esos violines que engalanan la pieza sin eufemismos, además de “Twin Demons”, la pegadiza “Birthday In The Sky” o “Chemtrails”. Ya en el tramo final se ubican los aciertos introspectivos, en una secuencia que aúna la melancolía de “This Is What You Wanted”, ese medio tiempo habitual que es “Went Missing”, y “Fix Yourself” ejerciendo como distinguido cierre.El trabajo se ubica entre los dos mundos propiedad de Placebo, pudiendo resultar claustrofóbico pero también esperanzador, en un efecto realista que señala al momento angustioso e incierto de ahí afuera, en el que es la propia supervivencia quien invita a seguir adelante. Una dualidad turbadora y apuntalada en base a un conjunto de temas que, juntos, consiguen brillar como antaño. Placebo seguramente no sumará nuevos adeptos con ‘Never Let Me Go’, y sin embargo es el tipo de disco que todos los seguidores del combo ansiaban recibir. Un título que recupera la esencia más ilustre de la banda, en base a composiciones señaladas con la impronta de un grupo que en su ansiado regreso vuelve a rallar a gran nivel.
Once more with feeling: Singles 1996-2004 es un álbum recopilatorio de la banda de rock alternativo Placebo. Fue lanzado al mercado a través del sello discográfico Hut Records el 30 de noviembre de 2004 para celebrar el décimo aniversario de la banda. El álbum incluye todos los sencillos de la banda desde 1996 a 2004, más claro el álbum Placebo hasta el álbum Sleeping With Ghosts. La única omisión fue el sencillo debut Come Home. Además incluye tres canciones nuevas: Protege-Moi, I Do y Twenty Years, esta última fue lanzada como sencillo para promocionar el disco. El álbum también fue publicado en formato DVD e incluye todos lo videos musicales de la banda hasta 2004.«36 Degrees»3:07«Teenage Angst»2:40«Nancy Boy» (Radio edit)3:19«Bruise Pristine»3:36«Pure Morning» (Radio edit)3:59«You Don't Care About Us»4:01«Every You Every Me»3:34«Without You I'm Nothing» (sencillo junto a David Bowie)4:14«Taste in Men» (radio edit)3:59«Slave to the Wage» (radio edit)3:46«Special K»3:50«Black-Eyed»3:44«The Bitter End»3:11«This Picture»3:35«Special Needs»3:29«English Summer Rain» (versión de sencillo)3:10«Protège-Moi»3:14«I Do»2:27«Twenty Years»
Me gustaría empezar esta reseña diciendo que “Loud Like Love” es el disco que Placebo tenian que hacer si querian volver a su mejor estado de forma, pero lamentablemente no es así. Otro nuevo álbum y las mismas dudas desde “Meds”, coincidiendo con la salida de Steve Hewitt, echandose en falta esa antigua magia de temas como Post Blue, Every You Every Me y Special Needs por citar unos pocos ejemplos. “Battele For The Sun” fue un disco normal, si que ofreció algunas buenas canciones pero no terminó de llenar del todo, y “B3” no esta mal, pero se encontraba muy lejos de la conexión de “Without You I’m Nothing” y “Black Market Music”.Por eso “Loud Like Love” representa un punto importante en la discografia de Placebo, el punto en el que pueden recuperarse o continuar perdiendo sensaciones. Con solo diez canciones, ya puede ser lo suficientemente bueno, o al menos llamar la atención para que consiga destacar. La apertura del mismo se realiza de una forma cautivante con un riff de guitarra con el que Brian Molko parece dispuesto a recordarnos aquellos días de gloria de Placebo. Sin embargo, canciones como estas no son más que un espejismo. Sé que hay bandas que necesitan experimentar en su sonido, es más, soy partidario de ello, muchas de mis bandas de pop rock favoritas lo han hecho sin perder su esencia, se han convertido en bandas totalmente diferentes, algunas más electronicas, otras más bailables, pero siempre conservando su esencia, a Placebo no le pido más que al resto. Que sigan con esa esencia que tiene este primer corte de “Loud Like Love”, luminosa, potente y directa.Por desgracia, las próximas canciones que forman la primera parte del álbum son algo insulsas. No estoy tratando de decir que no suene a Placebo, eso sería estupido por mi parte, sino que no suena a esa magia que siempre les acompañó. El principal problema del arranque de “Loud Like Love” es que han variado muy poco su sonido desde “Battle For The Sun”. Me explico, es más dificil transmitir lo mismo haciendo una y otra vez las mismas canciones que variando tu sonido, y en ocasiones me resultaba decepcionante ver lo poco que han progresado.Para mi disfrute, todo hay que decirlo, la segunda parte de “Loud Like Love” esta más centrada en canciones lentas y emocionales. Los riffs y coros de A Million Little Pieces nos traen recuerdos esporadicos de Post Blue. Al igual que la experimental Exit Wounds y su descomunal ritmo industrial aportando algo diferente. Es agradable escuchar como después de un comienzo tan dubitativo, “Loud Like Love” empieza a despegar por alguna parte, siendo Purify esa confirmación. Begin The End y su estado de ánimo pesimista muestra perfectamente la interpretación vocal emocional de Molko, mejor que la nasal, punto culminante definitivo del álbum en estas últimas cinco canciones.Una colección de diez temas que aunque no sean lo suficientemente buenos para lo que recordaba de Placebo, transmiten algo de esperanza y de ver que pueden volver a hacer grandes canciones que recuerden a sus clasicos. Podriamos definir “Loud Like Love” como el paso de la insipidez y falta de sustancia de canciones como Rob The Bank y Too Many Friends, que destruyen el ambiente del disco, a otras con más sentimiento y velocidad que aportan algo de los Placebo más clasicos. Digamos que tras este trabajo se abre un nuevo camino en Placebo, solo ellos decidiran cual tomar.01. Loud Like Love02. Scene Of The Crime03. Too Many Friends04. Hold On To Me05. Rob The Bank06. A Million Little Pieces07. Exit Wounds08. Purify09. Begin The End10. Bosco
Battle for the Sun es el sexto álbum de estudio dela banda británica de rock alternativo Placebo . Fue grabado en Canadá en 2008 y lanzado el 8 de junio de 2009 por el sello discográfico PIAS . Es su primer álbum con el nuevo baterista Steve Forrest , tras la salida de Steve Hewitt en 2007.Battle for the Sun alcanzó el número 8 en la lista de álbumes del Reino Unido y recibió una reacción generalmente favorable de los críticos. Del álbum se lanzaron cuatro sencillos: " For What It's Worth ", " The Never-Ending Why ", " Ashtray Heart " y " Bright Lights ".Producción David Bottrill produjo el disco, después de haber trabajado anteriormente con Tool , Muse , Silverchair , Remy Zero y dEUS . James Brown, quien trabajó en el álbum Meds de la banda de 2006 , fue el ingeniero. También es el primer álbum con el nuevo baterista, Steve Forrest . La grabación tuvo lugar en Metalworks Studios , Mississauga , Ontario .En Battle for the Sun , la banda utiliza nuevos instrumentos, como trompetas y saxofones. Molko incluso experimentó con la Springtime (guitarra eléctrica experimental hecha por Yuri Landman ). Contenido El material del álbum tiene influencias de bandas como PJ Harvey y My Bloody Valentine . El líder Brian Molko dijo sobre el concepto del álbum:Hemos hecho un disco sobre elegir la vida, sobre elegir vivir, sobre salir de la oscuridad y entrar en la luz. No necesariamente darle la espalda a la oscuridad porque está ahí, es esencial; es parte de quién eres, pero más bien se trata de la elección de pararte bajo la luz del sol. Molko también ha declarado que Battle for the Sun es el primer álbum de la banda con una unidad temática discernible. Molko afirma que su canción favorita del álbum es "Speak in Tongues". Molko se inspiró para escribir el tema extra "Unisex" en la película Cloverfield . El álbum masterizado presenta una ligera peculiaridad en la pista 9 ("Julien"): las voces se duplican durante un breve período, con una frase, cantada a bajo volumen, precedida. Estos artefactos pueden surgir de una variedad de fuentes, como errores de producción o de codificación en los formatos .mp3 o .mp4, los cuales adolecen de ese defecto.
Meds es el quinto álbum de estudio dela banda británica de rock alternativo Placebo . Fue grabado desde finales de 2005 hasta principios de 2006 y lanzado el 13 de marzo de 2006 por el sello discográfico Virgin en la mayoría de los países, aunque fue lanzado tres días antes en Australia y Nueva Zelanda. Anteriormente, desde el 17 de enero de 2006, había copias ilegales disponibles en Internet.Meds alcanzó el número 7 en la lista de álbumes del Reino Unido y recibió una reacción generalmente favorable de los críticos musicales. También se convirtió en el primer álbum de Placebo en aparecer en el Billboard 200 de EE. UU. , donde alcanzó el puesto 180. Se lanzaron cuatro sencillos del álbum: " Because I Want You ", " Song to Say Goodbye ", " Infra-Red " y " Meds". ". Este es el último álbum de la banda que presenta al baterista original Steve Hewitt .Contenido Placebo había planeado grabar un sonido más electrónico impulsado por teclados para su nuevo álbum; sin embargo, el productor Dimitri Tikovoi sugirió un enfoque de vuelta a lo básico, que Brian Molko relató en Zero :En realidad, era la agenda de nuestro productor, de la que no sabíamos hasta que entramos al estudio. [...] Estábamos en un lugar que giraba mucho en torno a samplers, computadoras y sintetizadores antiguos. Esta sesión de grabación realmente se centró en volver a tocar. Estábamos en un estudio de la vieja escuela, por lo que no había trucos detrás de los cuales escondernos. [2]Sobre el tema del disco, Molko dice:Creo que hay muchas canciones sobre los peligros y efectos del consumo de alcohol. [...] "Infra-Red" trata sobre eso, cuando te emborrachas mucho y tienes una abeja en el capó por algo, y surge esta cualidad vengativa. Empiezas a pensar en las personas que te han hecho mal y [quieres] dejar las cosas claras.
CD-1Come Home5:08CD-2Teenage Angst2:41CD-3Bionic5:01CD-436 Degrees3:04CD-5Hang On To Your IQ5:13CD-6Nancy Boy3:28CD-7I Know4:43CD-8Bruise Pristine3:37CD-9Lady Of The Flowers4:48CD-10Swallow4:49CD-11Paycheck (Demo)2:59CD-12Flesh Mechanic (Demo)4:28CD-13Drowning By Numbers2:57CD-14Slackerbitch3:23CD-15H K Farewell7:30
Sleeping With Ghosts es el cuarto álbum del grupo inglés Placebo producido y publicado en 2003.De este álbum se extrajeron varios sencillos: «The Bitter End», «This Picture», «Special Needs» y «English Summer Rain». Después de publicar el disco en una edición sencilla, lanzaron una edición especial con las versiones que habían grabado en estudio hasta el momento. Este disco significó el reconocimiento a nivel mundial de la banda, lo que los llevaría a pisar dos años después Sudamérica.CancionesSleeping with ghosts [Standar version]. Bulletproof Cupid. English Summer Rain-4:01. This Picture-3:34. Sleeping with Ghosts-4:39. The Bitter End-3:10. Something Rotten-5:28. Plasticine-3:26. Special Needs (Contiene como pista oculta una pieza instrumental)-5:16. I'll be Yours-3:32. Second Sight-2:49. Protect Me From What I Want-3:15. Centrefolds-5:00
Black Market Music es el tercer álbum de estudio de labanda británica de rock alternativo Placebo . La grabación del álbum tardó nueve meses, desde finales de 1999 hasta mediados de 2000; el más largo que la banda había pasado grabando un álbum hasta Never Let Me Go de 2022 . Fue lanzado el 9 de octubre de 2000 por el sello discográfico Hut .Del álbum se lanzaron cuatro sencillos: " Taste in Men ", " Slave to the Wage ", " Special K " y " Black-Eyed ". El álbum alcanzó el número 6 en la lista de álbumes del Reino Unido y recibió una reacción generalmente favorable de los críticos musicales.1." El gusto en los hombres " 4:152."Días antes de que vinieras" 2:333." Especial K " 3:524."Spite & Malice" (con Justin Warfield )PlaceboJustin Warfield3:375."Pasivo agresivo" 5:246." Ojos negro " 3:487."Azul americano" 3:318." Esclavo del salario "KannbergMalkmusPlacebo4:069."Comercial para Levi" 2:2010."Hemoglobina" 3:4611."Narcoléptico" 4:2212."Peeping Tom"
Without You I'm Nothing es el segundo disco del grupo Placebo, producido y publicado en 1998. Es el álbum más exitoso de Placebo, con una buena recepción de la crítica, además de ser aclamado por la misma. Entre sus fanes está considerado uno de los mejores discos de su carrera. En palabras del reconocido crítico musical Vicente Ortega, actual líder de la banda The Muffers: "el primer disco fue un intento de hacer el segundo, y el tercero fue un intento de repetirlo".Este disco marca su consagración en el panorama musical. Con la colaboración de David Bowie graban el sencillo Without you I'm nothing, que será una de sus temas más conocidos en adelante. Comienzan a alejarse de las canciones duras y se acercan a un ritmo más pausado. Every you, every me se incluye como banda sonora de la película Cruel Intentions. En este disco destaca la batería, tocada por el nuevo baterista de la banda, Steve Hewitt.Los sencillos del álbum fueron: Pure Morning, You Don't Care About Us, Every You, Every Me, y Without You I'm NothingEl disco debutó en la séptima posición de los UK Album Chart, y es el disco más exitoso en Inglaterra, siendo certificado con disco de platino por ventas de más de 300 000 copias vendidas, que sería certificado casi 5 años después, la cual denominó el gran éxito del álbum y ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de los 90's y en 2004 fue incluido por la Rolling Stone de Alemania en el #366 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.Canciones"Pure Morning" - 4:14"Brick Shithouse" - 3:18"You Don't Care About Us" - 4:00"Ask For Answers" - 5:19"Without You I'm Nothing" - 4:10"Allergic (To Thoughts of Mother Earth)" - 3:49"The Crawl" - 2:59"Every you, Every Me" - 3:35"My Sweet Prince" - 5:46"Summer's Gone" - 3:05"Scared Of Girls" - 3:00"Burger Queen" - 22:40
Placebo es el primer álbum del grupo inglés Placebo producido y publicado en 1996.Aunque Brian Molko actualmente se avergüence de las letras de su primer disco, fueron éstas las que atrajeron la atención de la gente. Este disco, caracterizado por los tonos oscuros y letras tal vez poco entendibles para muchos, marcó la historia del rock y brit pop que se escuchaba en aquella época. Eso, junto con vestidos afeminados y letras ambiguas, sería lo que caracterizaría hasta mucho tiempo después al grupo. Este primer disco es quizás el más duro de todos musicalmente y, en general, las canciones son muy parecidas las unas a las otras. Se introdujeron en el mercado español con el sencillo Nancy Boy, que fue banda sonora de la película Airbag. Este disco fue hecho con el primer batería de la banda, Robert Schulzberg. De este álbum se vendieron más de 300,000 copias en el Reino Unido y cerca de 1 millón en todo el mundo, fue certificado platino por la BPI, prácticamente casi 20 años después.Los sencillos de este primer álbum son: 36 Degrees, Teenage Angst, Nancy Boy y Bruise Pristine.Lista de cancionesCome Home– 5:09Teenage Angst – 2:42Bionic – 5:0036 Degrees – 3:05Hang On to Your IQ – 5:13Nancy Boy – 3:48I Know – 4:44Bruise Pristine – 3:35Lady of the Flowers – 4:47Swallow – 4:54
Will of the People es el noveno álbum de estudio de la banda de rock inglesa Muse , lanzado a través de Warner Records y Helium- el 26 de agosto de 2022. Autoproducido por la banda, es un álbum de salto de género que Matthew Bellamy describió como "un álbum de grandes éxitos – de nuevas canciones." Won't Stand Down ", " Compliance ", " Will of the People " y " Kill or Be Killed " fueron lanzados como sencillos antes del lanzamiento del álbum, y " You Make Me Feel Like It's Halloween " fue lanzado lanzado como single el mismo día que salió el álbum.El álbum recibió críticas generalmente positivas y se convirtió en el séptimo álbum número uno consecutivo de Muse en el Reino Unido. Una gira mundial en apoyo del álbum, Will of the People World Tour , comenzó en abril de 2022 y concluyó en noviembre de 2023.
Simulation Theory es el octavo álbum de estudio de la banda de rock alternativo británica, Muse. Fue lanzado el 9 de noviembre de 2018 mediante la discográfica Warner Bros Records y Helium-3.1 Como adelantos de su nuevo álbum, se lanzaron cinco sencillos: «Dig Down», «Thought Contagion», «Something Human», «The Dark Side» y «Pressure».2 Hasta noviembre del año 2022, Simulation Theory ha vendido más de un millón de copias en todo el mundo.
Drones es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock alternativo británico Muse. El álbum fue coproducido por la banda y Robert John "Mutt" Lange y lanzado el 8 de junio de 2015. La portada del álbum fue diseñada por el artista estadounidense Matt Mahurin.Tras el álbum The 2nd Law de 2012 en el que Muse se alejó de su sonido característico, Drones es un álbum en el que la banda regresa a sus raíces de rock progresivo y alternativo. El 7 de diciembre de 2015 se anunció que el álbum estaba nominado al premio Grammy al mejor álbum de rock, el cual finalmente ganó el 16 de febrero de 2016 superando a bandas como Slipknot y su álbum "The Gray Chapter". Hasta el año 2018, Drones ha vendido más de 1.3 millones de copias en todo el mundo.
The 2nd Law —en español: “La 2ª Ley”, es el nombre del sexto disco de la banda británica Muse, después de The Resistance, lanzado al mercado en los comienzos del mes de octubre de 2012. Es el primer álbum en el que Chris Wolstenholme es la voz principal en dos canciones.El nombre del disco proviene de la segunda ley de la termodinámica, y la portada del álbum presenta las vías del cerebro humano, que fue tomada del Proyecto Conectoma Humano.Un total de 5 sencillos fueron lanzados para el álbum. "Survival", fue lanzado el 27 de junio, y "Madness" fue lanzado el 20 de agosto, lanzados como los sencillos principales del álbum. La canción "Survival" fue utilizada como la canción oficial de los Juegos Olímpicos de 2012, mientras "Madness" fue reconocida por su gran éxito comercial.Tres singles fueron, además, revelados tras el lanzamiento del álbum, "Follow Me", lanzado el 7 de diciembre, "Supremacy", el 20 de febrero de 2013, y "Panic Station" el 31 de mayo de ese mismo año. Hasta el año 2018, The 2nd Law ha vendido más de 2.3 millones de copias en todo el mundo.
The Resistance (La Resistencia) es el nombre del quinto álbum de estudio de la banda británica Muse, publicado en Europa el 14 de septiembre de 2009 y en América del Norte el 15 de septiembre de 2009. El álbum fue producido por la banda y mezclado por Mark Stent. Fue grabado en el estudio privado de la banda, en la residencia del vocalista Matt Bellamy en el Lago Como y en Milán, Italia.1 El proceso de promoción y lanzamiento destacó por su extensivo uso de Internet, como el portal de vídeos YouTube y principalmente la red social Twitter, en la que se realizó un seguimiento de la grabación del álbum mediante la publicación de fotografías y noticias. Unos días antes (8 de septiembre) de la publicación oficial del álbum (14 de septiembre), el álbum se filtró en internet. Los sencillos que lanzaron de este álbum fueron: «Uprising», «Undisclosed Desires», «Resistance» y «Exogenesis: Symphony». Hasta el año 2018, The Resistance ha vendido más de 5 millones de copias en todo el mundo, incluyendo certificación diamante en Francia con más de 900.000 unidades vendidas y platino en Estados Unidos con más de 1.2 millones de unidades vendidas, convirtiéndolo en el álbum más exitoso de la banda hasta la fecha.
Black Holes and Revelations –en español: “Agujeros negros y revelaciones”– es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock alternativo Muse, publicado el 3 de julio de 2006. Sus sencillos fueron: "Supermassive Black Hole", "Starlight", "Knights of Cydonia", "Invincible" y "Map of the Problematique".Este, su cuarto trabajo de estudio, sigue la línea estilística de su anterior disco, Absolution, con un estilo musical menos agresivo y mucho más oscuro, además de contar con letras más ideológicas que en sus dos primeros trabajos. En este nuevo disco tienen cierto sonido urbano, como pone de manifiesto la canción “Supermassive Black Hole”, en la que se acercan bastante al sonido de grupos como Franz Ferdinand; sin embargo, Bellamy asegura que siempre le gustó ese estilo y que ya tenía pensado desarrollarlo antes de haberles oído. La portada del disco Black Holes and Revelations, creada por Storm Thorgerson, está ambientada en la superficie marciana, e incluye cuatro hombres sentados alrededor de una mesa con cuatro caballos en miniatura enfrente de cada uno de ellos. Según la propia banda, «estos hombres representan los Cuatro Jinetes del Apocalipsis, cada uno de ellos vestidos con un traje que representa el dolor de la humanidad». Hasta el año 2018, Black Holes and Revelations ha vendido más 4.5 millones copias en todo el mundo.
Absolution es el tercer álbum de la banda inglesa Muse. Fue lanzado al mercado el 15 de septiembre de 2003 en el Reino Unido. Fue el primer disco de la banda en editarse en Latinoamérica, bajo el sello discográfico Warner Bros. Una edición especial incluía un DVD de 35 minutos que incluía entrevistas y escenas de la grabación, en las que se puede observar los poco ortodoxos métodos que se usaron para la producción, como cuando el baterista Dominic Howard sumergido en una piscina hasta la cintura mientras golpea dos tambores, o el golpeo de latas contra el suelo para simular una marcha. La edición japonesa incluía una canción adicional al final, titulada "Fury". Esta canción fue incluida luego para su distribución en el resto del mundo como b-side del sencillo Sing For Absolution. Fueron lanzados como sencillos las canciones "Stockholm Syndrome", "Time Is Running Out", "Hysteria", "Sing For Absolution" y "Butterflies and Hurricanes". Hasta el año 2018, Absolution ha vendido más de 3.5 millones de copias en todo el mundo.
Origin of Symmetry —en español: El origen de la simetría— es el segundo álbum de estudio de la banda británica de rock, Muse, lanzado el 17 de julio de 2001 a través de Mushroom Records y Taste Media. El título y temas del disco están basados en el libro Hiperespacio del físico teórico Michio Kaku.2GrabaciónTras la gira de presentación de su primer álbum, Showbiz, Muse grabaron varios temas nuevos junto al productor David Bottrill, como Plug In Baby, Bliss, New Born y Darkshines. Estos temas formaban ya el núcleo central para un nuevo álbum. Para las grabaciones, los miembros de la banda grabaron juntos, como si de un directo se tratara.Tras la marcha de Bottrill a otro proyecto con diferente banda, Muse contratan nuevamente a John Leckie, productor de su álbum debut. Junto a él, terminan el resto de grabaciones en Sawmills Studios, en Fowey, Reino Unido y en el Estudio Ridge Farm de Surrey, También hicieron alguna grabación en el Astoria, el estudio de David Gilmour en su casa flotante en el río Támesis,Para este trabajo, Bellamy utilizó una guitarra Manson personalizada equipada con Fuzz Factory, un efecto de distorsión fuzz. Fue la primera de muchas colaboraciones entre Bellamy y Manson. Bellamy utilizó este en muchos de los riffs.
Showbiz ("Farándula" en español) es el primer álbum de estudio de la banda inglesa de rock, Muse. Fue lanzado en el Reino Unido bajo la productora Taste Media, el 7 de septiembre de 1999 en Francia, el 28 de septiembre en los Estados Unidos y el 4 de octubre en el resto del mundo. Es considerado el disco más «crudo» de la banda, al poseer un sonido simple, sin tantos arreglos o experimentaciones que caracterizan a los discos siguientes. Las canciones «Uno», «Cave», «Muscle Museum», «Sunburn» y «Unintended» fueron lanzadas, en ese orden, como sencillos, grabándose para todas un vídeo musical, excepto para «Cave». Hasta el año 2018, Showbiz ha vendido más de 1.2 millones de copias en todo el mundo.
Don't Waste Your Wishes (en español No malgastes tus deseos) es un álbum navideño de la banda de rock estadounidense The Killers, el cual recopila cada uno de los sencillos navideños lanzados entre 2006 y 2016. El total de las ventas generadas de Don't Waste Your Wishes ha sido donada a la campaña Product Red, liderada por Bobby Shriver y el vocalista de U2, Bono.1 El álbum fue lanzado exclusivamente a través de iTunes el 18 de noviembre de 2016 y a través de una edición limitada en formato CD el 9 de diciembre de 2016.23AntecedentesThe Killers es una banda reconocida por su trabajo en la campaña Product Red liderada por Bono y Bobby Shriver.24 Cada año desde 2006, la banda lanzó sencillos navideños a favor de la campaña. Cada sencillo fue publicado alrededor del 1 de diciembre de cada año, coincidiendo con el Día Mundial de la Lucha contra el Sida. Hasta la fecha de lanzamiento del álbum, la banda había lanzado once canciones navideñas junto con sus respectivos videos musicales.5El álbum debutó en el puesto Nro. 41 en la lista Rock Albums de Billboard el 10 de diciembre de 2016.6
Battle Born (en español: Nacido en la batalla) es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Killers, publicado el 18 de septiembre de 2012 a través de Vertigo Records.16 El nombre «Battle Born» aparece en la bandera de Nevada, estado de Estados Unidos y es el nombre del estudio de grabación del grupo donde se grabó la mayor parte del álbum.Grabado después de una prolongada pausa, la banda trabajó con cinco productores durante la grabación del álbum: Steve Lillywhite, Damian Taylor, Brendan O'Brien, Stuart Price y Daniel Lanois.Antecedentes y grabaciónDespués de anunciar el término de su gira mundial Day & Age en enero de 2010, The Killers afirmaron que se tomarían un receso prolongado. Durante este tiempo, el vocalista Brandon Flowers y el bajista Mark Stoermer lanzaron sus álbumes en solitario los cuales corresponden a Flamingo (2010) y a Another Life (2011) respectivamente, mientras que el baterista, Ronnie Vannucci, comenzó un proyecto paralelo y formó una banda junto a Mt. Desolation llamada Big Talk. Con respecto a la pausa, Brandon Flowers afirmó que "Dave [Keuning] (guitarrista de la banda) necesitaba ver a su hijo y así pasó, así que terminamos saliendo de la banda, haciendo las cosas en solitario y pasando nuestro tiempo a nuestra manera. Y eso fue bueno también, fue una buena experiencia. Definitivamente nos enseñó diferentes formas de ver la música."17En octubre de 2011, la banda puso fin a su receso cuando comenzó a trabajar en su cuarto álbum de estudio.1819 Las sesiones iniciales fueron tensas; Flowers señaló que los miembros del grupo pasaron "alrededor de una semana mirándose las caras unos a otros en un cuarto de grabación".20 La composición del primer sencillo del álbum, «Runaways», marcó un punto de inflexión en el regreso de la banda. Flowers además añade "esa canción y «Miss Atomic Bomb» fueron la columna vertebral de esta grabación. Me hicieron sentir que íbamos en el camino correcto."21Trabajando en su estudio, Battle Born, ubicado en Las Vegas, Estados Unidos, la banda trabajó con los productores Steve Lillywhite, Damian Taylor, Brendan O'Brien, Stuart Price y Daniel Lanois.22 Inicialmente, el grupo quería trabajar con un solo productor, sin embargo el calendario previsto se hizo dificultoso para cada una de las partes.21El álbum fue mezclado parcialmente por Alan Moulder, quién también trabajó en los dos primeros álbumes de la banda.23 El álbum fue certificado con el disco de oro por la Australian Recording Industry Association.24
Day & Age (en español, «Día y era») es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense de rock llamada The Killers, lanzado en noviembre de 2008 en el Reino Unido, Canadá y Estados Unidos.1 El líder y vocalista Brandon Flowers declaró es el "álbum más alegre" de la banda.2 Hasta la fecha, «Day & Age» ha vendido más de 3 millones de copias en todo el mundo.3 Después del lanzamiento del álbum, la banda se embarcó en una gira mundial de gran éxito denominada Day & Age Tour.
«Sawdust» (en español «Aserrín») es un álbum de lados B, rarezas, remixes y versiones (o «covers») de la banda de rock originaria de Las Vegas, The Killers. El álbum fue lanzado en varios mercados el 9 de noviembre de 2007 y en Estados Unidos el 13 de noviembre del mismo año.12 El álbum fue mencionado por primera vez por Brandon Flowers, vocalista de la banda, en una entrevista con Billboard a finales de agosto de 200713 y la revista Rolling Stone dio a conocer el nombre del recopilatorio en su «Smoking Section» el 6 de septiembre del mismo año.
Sam's Town es el segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Killers, lanzado el 2 de octubre de 2006 en el Reino Unido y al día siguiente en Estados Unidos. En cuanto al álbum, el vocalista y principal compositor Brandon Flowers afirmó que "quería crear un álbum que quedara a través del tiempo, es importante todo lo que me llevó hacerlo hasta donde estoy hoy".13 Se estima que «Sam's Town» ha vendido más de 4 millones de copias alrededor del mundo hasta la fecha.14AntecedentesSegún Brandon Flowers "«Hot Fuss» [el álbum anterior] estaba basado en la fantasía. Las influencias y las composiciones inglesas, todo estaba en ese álbum. Soy un soñador, ¿sabes?, así que busqué ese sueño y se hizo «Hot Fuss». Sin embargo, las personas que nos escucharon nos llamaron la mejor banda británica de Estados Unidos y eso hizo que me cuestionara sobre quien era yo realmente y quien era mi familia. Así que eso es «Sam's Town» realmente. «Sam's Town» no es una carta de amor a Estados Unidos o una extralimitación de lo mítico. Habla de mí. Canto sobre una abuela Dixie y un hermano que nació el 4 de julio [día de la independencia estadounidense] y ¿adivinen qué? El nombre de mi abuela es Dixie y mi hermano nació el 4 de julio de 1969".15CarátulaDe acuerdo con el fotógrafo Anton Corbijn, el grupo inicialmente quería un "estilo gitano elegante" para el álbum y que durante "las conversaciones [de la carátula] llegaron estas ideas de gloria desvanecida".16 El coproductor del álbum, Flood, está vestido como un indio al interior de la carátula del álbum. La carátula interior fue tomada en un mural en el centro de Las Vegas el cual fue pintado por Suzanne Hackett-Morgan, un artista local. En la portada de «Sam's Town» destaca la modelo y cantante Felice LaZae. En el álbum y en cada sencillo de esta producción se usa el tipo de letra Archive Roundhand Script o Gf Script No 2 para los títulos.
Hot Fuss es el álbum de estudio debut de la banda estadounidense de indie rock The Killers, el álbum fue producido por la banda y Jeff Saltzman, las letras del álbum fueron escritas principalmente por Brandon Flowers, vocalista de la banda, aunque en algunas también participan Dave Keuning, Mark Stoermer y Ronnie Vannucci; guitarrista, bajista y baterista de la banda respectivamente. Fue lanzado comercialmente el 7 de junio de 2004, recibiendo críticas generalmente buenas.
Firepower es el décimo octavo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 2018 por Epic Records para el mercado europeo y por Columbia Records para Norteamérica. Es el primer trabajo de estudio desde Ram It Down de 1988 en que participa como productor Tom Allom y de igual manera es el primero con Andy Sneap como coproductor.Tras su publicación recibió positivas reseñas por parte de la prensa especializada, que en su gran mayoría alabó la calidad de la banda, la producción y el sonido. Por su parte, ingresó en las principales listas musicales del mundo, entre ellas alcanzó el quinto puesto de los Billboard 200 de los Estados Unidos, luego de vender más de 49 000 copias en su primera semana en dicho país.
Redeemer of Souls es el décimo séptimo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 2014 a través de Epic Records para el mercado europeo y por Columbia Records para Norteamérica. Es la primera producción de toda la discografía de la banda donde no participa K.K. Downing —que renunció a principios de 2011— y a su vez, es el primero con el guitarrista inglés Richie Faulkner.Tras su publicación recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada y también muy buenas posiciones en las listas musicales de varios países del mundo. Entre ellas, alcanzó el sexto lugar en los Billboard 200 convirtiéndose en su primer disco en entrar en los top diez de dicha lista estadounidense. De igual manera ha sido nombrado como uno de los mejores álbumes de heavy metal del año por sitios como Classic Rock Bottom, Knac.com, Bravewords y VH1.En el mismo año también se publicó en una edición deluxe que incluyó cinco canciones como pistas adicionales, las cuales a fines de 2014 se lanzaron en formato EP bajo el nombre de 5 Souls. Por otro lado, la revista estadounidense Hits informó que hasta febrero de 2016 se habían vendido 110 000 copias del álbum solo en los Estados Unidos.
Nostradamus es el decimosexto álbum de estudio de la banda de heavy metal Judas Priest, publicado en 2008 a través de Epic Records para el mercado europeo y por Sony Music para los Estados Unidos. Es su primer álbum conceptual, que en dos discos relata la vida y obra del profeta francés del siglo xvi, Michel de Nostradamus y a su vez es el último con el guitarrista K.K. Downing que años más tarde renunciaría a la banda.La producción se caracteriza por el amplio uso de los teclados y el sintetizador, interpretado por el músico Don Airey y por el uso de coros que lo acercan hacia el metal sinfónico. También incluye algunos cortes instrumentales y además en la canción «Death» incursionan en el doom metal.Tras su publicación recibió una variedad de críticas tanto positivas como negativas, donde destacaron la visión ambiciosa del proyecto, pero recalcando que debería haber sido publicado como un disco simple. No obstante, logró una gran atención en las listas musicales, principalmente en Europa, donde en varios países se posicionó dentro de los top 10.
Nostradamus es el decimosexto álbum de estudio de la banda de heavy metal Judas Priest, publicado en 2008 a través de Epic Records para el mercado europeo y por Sony Music para los Estados Unidos. Es su primer álbum conceptual, que en dos discos relata la vida y obra del profeta francés del siglo xvi, Michel de Nostradamus y a su vez es el último con el guitarrista K.K. Downing que años más tarde renunciaría a la banda.La producción se caracteriza por el amplio uso de los teclados y el sintetizador, interpretado por el músico Don Airey y por el uso de coros que lo acercan hacia el metal sinfónico. También incluye algunos cortes instrumentales y además en la canción «Death» incursionan en el doom metal.Tras su publicación recibió una variedad de críticas tanto positivas como negativas, donde destacaron la visión ambiciosa del proyecto, pero recalcando que debería haber sido publicado como un disco simple. No obstante, logró una gran atención en las listas musicales, principalmente en Europa, donde en varios países se posicionó dentro de los top 10.
Angel of Retribution es el decimoquinto álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 2005 a través de Epic Records. Es la primera producción junto al vocalista Rob Halford después de once años de alejamiento, cuyo último disco con la banda fue Painkiller de 1990.Tras su lanzamiento logró buenas posiciones en las listas mundiales, entre ellas el puesto 13 en los Estados Unidos —la mejor posición para uno de sus discos hasta ese momento en dicho país— y además se convirtió en su primer álbum en lograr el primer lugar en alguna lista mundial (Grecia). Por otro lado, recibió buenas críticas por parte de la prensa especializada, quienes resaltaron su sonido y producción, y en ciertas revisiones incluso se consideró como uno de sus mejores trabajos.En el mismo año también se lanzó en edición limitada que contenía un DVD con un documental sobre la gira Reunited Summer Tour, y con siete canciones en vivo grabadas durante las presentaciones en Barcelona y Valencia en junio de 2004.
Demolition es el decimocuarto álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 2001 por SPV Records para Europa y por Atlantic Records para los Estados Unidos. Es la segunda y última producción de estudio con el cantante Tim "Ripper" Owens y a su vez es la primera de toda la banda en poseer el aviso Parental Advisory.A diferencias de Jugulator, incluyó algunos elementos del nu metal y del metal industrial lo que trajo varias críticas. Algunos medios lo tildaron como el disco más alejado de su sonido clásico pero con mejor calidad en la voz y en las melodías que su antecesor.1 Además, es su disco menos vendido en los Estados Unidos, ya que de acuerdo a Nielsen SoundScan hasta diciembre de 2005 sus ventas solo alcanzaban las 57 576 copias.
Jugulator es el decimotercer álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1997 por SPV Records para el mercado europeo y por CMC International para los Estados Unidos. Es su primera producción con el cantante Tim "Ripper" Owens, tras la salida de Rob Halford del grupo en 1992. Contiene la canción «Bullet Train», que fue nominada a un premio Grammy en 1999.Su característica principal, es la agresividad que proyecta en la música y en las letras, acercándolo más hacia el thrash metal que al sonido clásico de la banda. Este cambio, fue producido, principalmente, por el tono y el uso de la voz Owens (en ocasiones, cercana a una voz gutural) y por la baja afinación de las guitarras de K.K. Downing y Glenn Tipton. El sitio Allmusic dijo que la banda merecía crédito por mantenerse en el heavy metal, pero que ello no servía para justificar un intento vulgar de sonar atrincherados en el thrash metal de finales de los 80s.1 Por otra parte, el sistema Nielsen SoundScan informó que hasta el 21 de abril de 2002 se habían vendido 108 174 copias del álbum en los Estados Unidos.
Painkiller es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1990 por Columbia Records. Además, es la última producción con el vocalista Rob Halford luego que en 1992 renunciara, lo que produjo en el grupo un hiato de cerca de cinco años. Luego de su publicación obtuvo muy buenos comentarios de la prensa especializada, que en su gran mayoría resaltaron el retorno al sonido pesado característico de la banda. También muchos de ellos concordaron en que su sonido es una influencia directa para el power metal y el metal extremo que se desarrolló en los noventa. A su vez y en 1991, recibieron su primera nominación a los premios Grammy en la categoría mejor interpretación de metal.Por último, en el año 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Living Bad Dreams» que se grabó durante las sesiones de grabación pero que fue descartada del listado de canciones y una versión en vivo de «Leather Rebel» que se grabó en Los Ángeles en 1990.
Ram It Down es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1988 a través de Columbia Records. Además, es la última producción con el baterista Dave Holland y con Tom Allom, que volvería recién en 2009 a colaborar con ellos como productor en el disco en vivo A Touch of Evil: Live.El álbum generó el retorno al sonido característico de la banda, dejando atrás la experimentación con las guitarras sintetizadoras de Turbo de 1986. Por otro lado, algunos críticos como Steve Huey de Allmusic elogiaron la canción que da título al disco y a «Blood Red Skies», pero que en su conjunto el listado generó uno de sus trabajos más débiles.2Por último, en el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; una versión en vivo de «Night Comes Down» grabada en Long Beach (California) en 1984 y también una grabación en directo de «Bloodstone» dada en Memphis en 1982.
Turbo es el décimo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1986 a través de Columbia Records. Luego de su lanzamiento generó una controversia entre sus fanáticos y algunos críticos, por el cambio de sonido generadas por las guitarras sintetizadoras y el uso de líricas más comerciales a diferencia de sus anteriores trabajos. Según el crítico Steve Huey de Allmusic es su disco más débil desde Rocka Rolla, pero que muestra la versatilidad de la banda al momento de componer.1 A pesar de la experimentación de sonido que realizó la agrupación, Turbo fue el primer álbum de heavy metal en ser grabado digitalmente y además posicionó a Judas Priest como los primeros en utilizar las guitarras sintetizadoras en el género metal.En 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «All Fired Up» grabado durante las sesiones pero que fue descartado del listado original y una versión en vivo de «Locked In» grabada en San Luis (Misuri) en 1986. Por su parte y como celebración del 30.º aniversario desde su lanzamiento, en 2016 se publicó una edición especial que incluyó el disco original remasterizado y dos álbumes en vivo grabados en el Kemper Arena de Kansas City (Misuri) el 22 de mayo de 1986.
Defenders of the Faith es el noveno álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1984 a través de Columbia Records. De acuerdo a Steve Huey del sitio Allmusic es una de sus producciones con mejor calidad, aunque no llega a la altura de British Steel y Screaming for Vengeance principalmente por no generar sencillos a nivel mundial como los ya mencionados.1En el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales: «Turn On Your Light» grabada durante las sesiones de Turbo y una versión en vivo de «Heavy Duty/Defenders of the Faith», que se grabó en Long Beach (California) en 1984. En marzo de 2015 con motivo de su trigésimo aniversario, se editó una publicación especial, que incluyó un álbum en vivo de doble disco. Dicha grabación se realizó el 5 de mayo de 1984 en el Long Beach Arena de Long Beach, emitida originalmente por una radio local.
Screaming for Vengeance es el octavo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1982 por Columbia Records. Tras su lanzamiento se convirtió en su producción más exitosa a nivel mundial, con 2 millones de copias vendidas solo en los Estados Unidos hasta el 2001.De acuerdo a la crítica es el álbum que capitaliza el éxito comercial de la banda, cuyo proceso fue iniciado con British Steel. A su vez, es nombrado uno de los mejores y más importantes discos del género de la década de los ochenta.1 Es por ello que es citado en varias listas de los mejores álbumes de metal de todos los tiempos, como por ejemplo en la revista IGN, que lo posicionó en el puesto 15 de los 25 álbumes más influyentes del metal.2En 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Prisoner of Your Eyes» grabado durante las sesiones de Turbo y una versión en vivo de «Devil's Child», grabada en Memphis en 1982. Por su parte y como celebración del 30.º aniversario desde su lanzamiento, en 2012 se publicó una edición especial que incluyó seis canciones adicionales, junto a un DVD de su presentación en vivo en el US Festival de 1983.
Point of Entry es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1981 por Columbia Records. Su sonido es más cargado al hard rock y con algunos temas más comerciales como «Don't Go», que en palabras de su propio productor Tom Allom, fue una estrategia de la discográfica con el fin de ingresar con éxito al mercado estadounidense.
Ciertos críticos lo consideran menos pesado que British Steel del año anterior, pero que demuestra su reputación de reinventarse en cada uno de sus trabajos.1 Aun así, ha ingresado en algunas listas de los mejores álbumes del género, como es el caso de la revista Rock Hard que el año 2005 lo situó en el lugar 352 de su lista los 500 grandes álbumes del rock y metal de todos los tiempos.2
Además, en el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Thunder Road» que fue grabada en las sesiones de Ram It Down y una versión en vivo de «Desert Plains» grabada en San Luis (Misuri) en 1986.
British Steel es el sexto álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1980 por Columbia Records. Es la primera producción con el baterista Dave Holland, luego de ingresar a la banda en agosto de 1979 en reemplazo de Les Binks.
Para muchos críticos es el trabajo que los consagró en los mercados mundiales y que colocó al heavy metal en la escena musical de principios de los ochenta. Además, es considerado como la grabación que encabezó la Nueva ola del heavy metal británico durante el primer semestre de ese año.1 También, y con el pasar de los años, ha sido colocado en diversas listas sobre los mejores álbumes del metal, un ejemplo de ello es que en 2005 la revista Kerrang! lo posicionó en el puesto 12 de su lista de los 100 mejores álbumes británicos.2
En 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Red, White & Blue» grabada durante las sesiones de Turbo en 1985 y una versión en vivo de «Grinder» grabada en 1984 en Long Beach (California). Por su parte en 2009, la banda dio una serie de conciertos para conmemorar los primeros treinta años de su lanzamiento, del cual se grabó el CD y DVD British Steel - 30th Anniversary que se publicó en el 2010. Como dato tanto este disco como Rocka Rolla de 1974 y Defenders of the Faith de 1984, son sus únicas producciones que han sido interpretadas completamente en directo.
Unleashed in the East es el primer álbum en vivo de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en septiembre de 1979 por CBS Records para el Reino Unido y en octubre del mismo año en los Estados Unidos, a través de Columbia Records. Se grabó en Tokio durante dos noches en febrero del mismo año, en el marco de la gira Killing Machine Tour.
Además, es el primer y último registro en vivo oficial con el baterista Les Binks, luego que en julio de 1979 renunciara a la banda. Por otro lado, luego de ser puesto a la venta la prensa dudó sobre la legitimidad de la grabación en vivo afirmando que fue en su totalidad grabado en el estudio. Sin embargo, dichos rumores fueron desmentidos al poco tiempo, ya que lo único que fue retocado en el estudio fue la voz de Rob Halford, que durante la grabación sufría una laringitis parcial que le impidió cantar como de costumbre.
Aun así, es su álbum en directo más exitoso en los mercados mundiales, ya que alcanzó el primer top diez en el Reino Unido y sus ventas en los Estados Unidos superan el millón de copias.
Killing Machine es el quinto álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1978 por CBS Records para Europa y por Columbia Records para el mercado estadounidense. Es el último trabajo de estudio del baterista Les Binks, ya que a mediados de julio de 1979 renunció a la banda en buenos términos.
A su vez, es la producción que definió el uso del cuero y las tachas metálicas tanto de la agrupación como del género heavy metal. Aunque la primera aparición del uso de dicha vestimenta fue en la portada de «Better By You, Better Than Me» en enero de 1978. Por otro lado y según el sitio Allmusic, es el último disco de la primera etapa de la banda y que constituye su período más influyente para la historia del metal.1
En 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Fight for Your Life» grabada durante las sesiones de Screaming for Vengeance y que es el prototipo de «Rock Hard Ride Free» de 1984 y una versión en vivo de «Riding on the Wind» grabada en 1983 en el US Festival. Además en el 2005 la revista Rock Hard lo situó en el puesto 321 de su lista los 500 grandes álbumes del rock y metal de todos los tiempos.2
Antecedentes Su grabación se realizó en los estudios Utopia, Basing Streets y CBS Studios durante los meses de agosto y septiembre de 1978, solo días después de culminar su primera visita a Japón en el marco de la gira Stained Class Tour. Su producción quedó a cargo de la banda en conjunto con James Guthrie, que había trabajado previamente como productor en la canción «Better By You, Better Than Me». Por su parte, su mezcla se llevó a cabo en septiembre en los Utopia Studios de Londres.3
Diferente título El título original trajo varias discusiones con Columbia Records —el distribuidor de sus discos en los Estados Unidos— ya que según ellos el nombre podría tener «implicaciones asesinas» y que era demasiado agresivo para ponerlo a la venta. Además, anunciaron que varias tiendas por departamento, entre ellas K-Mart, les dijeron que sino cambiaban el nombre no lo pondrían en sus estantes.3
Por ello, para no tener problemas con los grandes compradores del mercado estadounidense el sello les sugirió que cambiaran el nombre del disco, llamándolo finalmente Hell Bent for Leather y que se puso a la venta no solo en los Estados Unidos, sino también en Canadá y en otros mercados menores. Esta edición incluyó como pista exclusiva una versión de «The Green Manalishi (With the Two Prong Crown)», original de Fleetwood Mac, y que había sido escrita en 1970 por el guitarrista Peter Green semanas antes de su salida.
Lanzamiento y promoción Se publicó el 9 de octubre de 1978 en el Reino Unido a través de CBS Records, donde alcanzó el puesto 32 en la lista UK Albums Chart, el 11 de noviembre del mismo año.4 Por su parte, en Norteamérica se lanzó el 28 de febrero de 1979 por Columbia Records y como ya se mencionó bajo el título de Hell Bent for Leather, llegando en los Estados Unidos hasta la posición 128 en los Billboard 200.5 Por su parte, en 1989 se certificó por la RIAA con disco de oro luego de vender más de 500 000 copias en este último país.6
En cuanto a su promoción, en 1978 se lanzó como primer sencillo «Hell Bent for Leather» pero solo para el mercado japonés. Mientras que en 1979 se publicaron «Rock Forever», «Evening Star» y «Take On the World» para todo el mundo, ingresando estas últimas en los UK Singles Chart en las posiciones 53 y 14 respectivamente.4 Además, el 23 de octubre de 1978 iniciaron la gira Killing Machine Tour que los llevó a varias ciudades del Reino Unido y los Estados Unidos, como también les permitió tocar por primera vez en Bélgica, Canadá, Irlanda, Alemania y Francia, cuyas presentaciones culminaron el 15 de diciembre de 1979.3
Portada Para dar hincapié en la nueva imagen de la banda, el artista Roslav Szaybo colocó un casco de motociclista de cuero sobre la cabeza de un maniquí usando unas gafas de sol quebradas y cubiertas de sangre. Según él, esto le daba unas claras referencias al aspecto de la banda y cuando Columbia decidió cambiar el título a Hell Bent for Leather, la imagen parecía encajar más. Por su parte, retomó el logotipo que creó para la portada de Stained Class, agregándole una punta más al subrayado debajo de la palabra Judas y un puente más corto a la palabra Priest.3 Estos cambios son los que definieron al característico logotipo y es el que más se ha usado desde ese entonces.7
Stained Class es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1978 por CBS Records para el Reino Unido y por Columbia Records para los Estados Unidos. Es el primer trabajo en el que participa el batería Les Binks, que había ingresado a la banda en el año anterior.
Según la prensa especializada es una de sus obras más grandes y una de las más influyentes para el thrash metal y speed metal, y a su vez también para la llamada Nueva ola del heavy metal británico.1 Sus letras van desde el ocultismo, la ciencia ficción, la fantasía y temas futuristas, que lo convierten en una de sus producciones más oscuras.2
Por otra parte, en el 2001 se remasterizó con dos pistas adicionales; «Fire Burns Below» grabada durante las sesiones de Ram It Down y una versión en vivo de «Better By You, Better Than Me». Además, en el 2005 la revista alemana Rock Hard lo colocó en el puesto 307 de su lista los 500 grandes álbumes del rock y metal de todos los tiempos.3
Antecedentes Tras culminar la gira Sin After Sin Tour la banda regresó a Londres donde se reunieron con su nuevo productor Dennis MacKay, que hasta ese entonces era conocido por su trabajo con varios artistas del jazz. Su producción se llevó a cabo en Chipping Norton Studios en Cotswold durante octubre y noviembre de 1977, donde se grabaron todas las canciones a excepción de una.2
En diciembre del mismo año y antes de iniciar el proceso de masterización, el sello CBS les solicitó que grabaran un cover de alguna de sus canciones favoritas para publicarlo como sencillo. Es por ello que con el productor James Guthrie —ya que MacKay no estaba disponible por tener compromisos con otras bandas— se trasladaron a Utopia Studios, donde grabaron el tema «Better By You, Better Than Me» de los ingleses Spooky Tooth. Finalmente las canciones grabadas con MacKay se mezclaron en los Trident Studios de Londres, mientras que «Better By You, Better Than Me» se mezcló en Advision Studios durante los meses de diciembre y enero.
1.977: una fecha clave para muchas bandas de "rock" de la época. Ted Nugent llegó con su álbum más vendido, el mítico "Cat Scratch Fever"; AC/DC hicieron que los de Atlantic se pusieran de rodillas ante ellos con su "Let There be Rock"; los Lynyrd Skynyrd rindieron tributo a sus caídos con "Street Survivors"; QUEEN conquistaron al mundo con su "We Will Rock You!" y su "We Are the Champions", ambos del "News of the World" y un descontento Ian Anderson se cortó sus barbas y melena, se largó a vivir al campo y creó "Songs From the Wood", uno de sus álbumes más brillantes...todo esto mientras el "punk" que inauguraron Los Ramones, y que explotaron bien los Sex Pistols, dominaba la escena popular de la música. Pero para una banda original de Birmingham, que tan sólo hizo dos álbumes en una compañía menor como era Gull Records y que se estaba ganando a pulso el tener un puesto privilegiado en el mundo de la música, fue un momento realmente crucial en su carrera.
Y es que Judas Priest rozaron el techo de su creatividad y virtuosidad discográfica con su rompedor y sobresaliente "Sad Wings of Destiny", álbum de álbumes y esencial si se quiere entender las palabras "heavy metal". Puede que Black Sabbath y otras bandas empezaran a darle forma al género, pero fueron Halford y compañía quienes lo inventaron como concepto musical y casi como modo de vida cuando en el '78 aparecieron llevando el cuero negro que representaría la manera de vestir que tenía que llevar realmente ese término musical. Pero el caso es que en el '77 CBS se interesó por los chicos y les ofreció un nuevo contrato. Estaba claro que Gull no les trataba como se merecían y la oportunidad más grande se presentó de repente, así que ni se lo pensaron. Lo malo, y a día de hoy es todavía una molestia, es que Gull se quedó con los derechos de los dos primeros discos de la banda ya que el juicio lo perdieron como siempre los músicos y, como siempre, quienes ganaron, fueron los ejecutivos.
Pero todo estaba a punto de cambiar: Alan Moore es despedido, la compañía le propone al bajista de Deep Purple que haga de productor (quien ya había hecho una labor excelente con los "Razamanaz" ('73) y "Rampant" ('74) del grupo Nazareth) y un joven de 19 años llamado Simon Phillips se pone a las baquetas.
Todo esto lleva al mismo destino, grabado en los Estudios Pinewood, uno de los más poderosos, enérgicos y, dicho sea de paso, míticos álbumes de "heavy metal" que se hicieron por aquellos '70, "Sin After Sin".
Y es que, si en "Sad Wings of Destiny" encontrábamos un sonido muy pulido, unas guitarras con sonidos afilados y cristalinos al mismo tiempo y una voz limpia y pletórica, en este disco el ambiente se torna mucho más tenebroso y el sonido cambia ligeramente para hacerse más agresivo, al igual que la voz de Halford, que parece mostrar incluso cierto aire de enfado en sus inflexiones. Pues agárrense: -Este periplo comienza con el tema que (practicamente) da título al álbum: "Sinner", una inclemente canción imprescindible en la discografía de la banda y una de las más grandes que hayan hecho. Lo que nos encontramos es una voz, como ya comenté, más agresiva y rasposa, para que encaje bien con el sonido de unas guitarras corrosivas que realizan espectaculares batallas de "riffs" entre sí, aunque si por algo destaca es por ese solo de K.K. Downing en mitad de la composición y que, sin exagerar, pone los pelos de punta. -Luego nos vamos con el más comercial del LP, también de ejecución obligatoria en sus conciertos y a día de hoy un verdadero "diamante" musical, "Diamonds and Rust" (que fue decisión de Glover el que acabara en el disco...sabia decisión), una vuelta de tuerca de la recordada canción de Joan Baez que encaja perfectamente entre la primera y la que viene después. -"Starbreaker", otra mucho más "rockera" donde despuntan su divertida batería del principio y el ritmo tan Purple que tiene. -"Last Rose of Summer" es, posiblemente, una de las baladas más sensibles que el grupo realizó, donde aquí los dulces sonidos que desprenden las cuerdas de Tipton se funden delicadamente con la satinada voz del cantante, aquí mostrándonos la gran versatilidad de sus cuerdas vocales. Inolvidable ese "the last rooose...of the summeeer..." que se va repitiendo a lo largo de los últimos 2:49 minutos y que se mezcla con las finas notas que van apagándose poco a poco para dar paso a la que es mi favorita de todo el álbum. -"Let us Prey/Call for the Priest", la mejor. Un tema 100% Priest, como puede serlo "Stained Class" o "Tyrant", donde, tras ese primer minuto de introducción, comienza el bombardeo de Phillips, seguido de un contagioso "riff" de guitarra y los fuertes tonos de Halford. Frénetica y sin darte un respiro, es capaz de ponerte a 1.000 por hora las pulsaciones con su ritmo incansable y sus vertiginosos aunque milimetrados solos de guitarras, donde Tipton descarga enfermizas toneladas de notas rapidísimas y Downing le contesta como diciendo "¡¿pero tú qué pretendes, capo?, ¿ir más rápido que yo? Jr, te vas a enterar!". Todo se descontrola en esos escasos 50 segundos pero de una manera muy precisa, y e ahí la maestría de los dos guitarristas. Se podría decir que es la primera de "speed metal" de la historia, si no hubiera sido por Armageddon y su "Buzzard". -Una pieza que se describiría como un corrosivo "blues" viene detrás, "Raw Deal", dicho sea de paso es la primera declaración de Halford de sus tendencias homosexuales (sólo hace falta fijarse un poco en lo que dice la letra), y que sus irreverentes "riffs" con sus cambios de ritmo tan entretenidos conforman una sinfonía áspera y a la vez divertida de escuchar. -Vamos terminando y nos metemos de cabeza en la más lóbrega del disco, la melancólica balada "Here Come the Tears". Finas cuerdas en el minuto 1:09 nos enseñan la tristeza que el señor Halford quiere impregnarnos para en el 1:59 romper en gritos con su plegaria de dolor seguido de un emotivo y emocionante solo y acabar como acababa "Last Rose of Summer", repitiendo todo el rato el título. Es inevitable que la carne no se ponga de gallina en esos últimos segundos de la canción. -Pero la delicadeza se va al carajo cuando una tremenda explosión y un juguetón rasgueo, unido a la base rítmica de Hill y Phillips, y el redoble de las baterías que éste hace, trae consigo el agudo chillido del vocalista que presagia el espectacular final: "Dissident Aggressor", la más extrema muestra de "heavy metal" setentero y la primera canción de "thrash metal" de la historia (por mucho que se empeñen en que lo es el "Sheer Heart Attack" de QUEEN). El más desquiciado de los solos restalla sin control alguno, deseando arañar los tímpanos de los oyentes y la velocidad va creciendo por momentos mientras Rob Halford pronuncia con más ira que nunca los últimos versos.
Certificado como "Oro", y llegando al 23 en los "charts", "Sin After Sin" se convirtió en una piedra angular en la discografía de Judas Priest. Gracias a él pudieron desembarcar en las costas americanas y compartir cartel con grupos de la talla de Foreigner o REO Speedwagon, pero lo mejor llegó cuando el grupo puso los pies en el Oakland Coliseum siendo teloneros de los mismísimos Led Zeppelin y tocando frente a 120.000 fans durante dos días.
Algo que les consagró aún más. Les Binks llegaría poco después y se meterían en el estudio para hacer el no menos impresionante "Stained Class" y darle más orgasmos (musicalmente hablando) al mundo...pero todo el mundo se sabe la historia...poco después ya se habrían convertido en los dioses indiscutibles del "heavy metal".
En este tercer disco daban sus primeros pasos, o más bien zancadas, para, justamente alcanzar ese título. En fin, aquí lo que hay son 40:36 minutos de esplendor que hay que escuchar con los oídos bien abiertos...¡y ya está!
Sad Wings of Destiny es el segundo álbum de estudio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1976 por Gull Records y su último trabajo con este sello independiente. Tras su lanzamiento recibió reseñas positivas de la crítica especializada. Posteriormente sería calificado como el disco que redefinió el heavy metal y como uno de los más influyentes del género desde el álbum debut de Black Sabbath.
La gran mayoría de sus canciones habían sido interpretadas en directo previamente, en 1975, como parte de la gira promocional de Rocka Rolla. Algunas de ellas incluso habían sido compuestas durante la grabación de su disco debut, pero no se incluyeron en él por decisión del productor Rodger Bain.
A fines de 1976 y tras los buenos resultados del disco, el grupo firmó un contrato con CBS Records, hecho que implicó su renuncia al sello Gull. La discográfica se adueñó tanto de los derechos de este álbum como de los de Rocka Rolla. Desde entonces los miembros de Judas Priest no son dueños de las regalías y ni siquiera de las ventas de sus dos primeras producciones.
Hero, Hero es un álbum recopilatorio de la banda británica de heavy metal Judas Priest, publicado en 1981 por Gull Records.1 Es un álbum de doble disco que incluye las mejores canciones de los dos primeros trabajos de los ingleses; Rocka Rolla y Sad Wings of Destiny y también una versión remasterizada de «Diamonds & Rust» grabada en 1975 durante las sesiones del último disco mencionado.2 Por otra parte, su título proviene de las letras del tema «Dying to Meet You» del álbum debut de la banda.3
Al igual que The Best of Judas Priest de 1978 fue lanzado sin la autorización del grupo, por lo cual en su página web informa que es un lanzamiento no oficial y que solo es un aprovechamiento de su antiguo sello discográfico.4
Portada En la portada del disco figura un caballero medieval con su escudo y espada, que fue creada por el artista Melvyn Grant con el título de Sword of the Gael. Según Grant, lo dibujó en 1976 pero nunca se publicó hasta que el sello Gull lo llamó para crear el arte del disco.3 Por otro lado, el logo de la banda empleado en la portada es el mismo que se utilizó en sus primeros álbumes, ya que Gull no podía usar el característico de la agrupación porque se trata de un lanzamiento no oficial.
Rocka Rolla es el álbum debut de la banda británica de heavy metal Judas Priest, lanzado en 1974 por Gull Records y producido por Rodger Bain, que también cumplió dicha labor en los primeros tres álbumes de Black Sabbath.1 Con un sonido más cercano al hard rock y al rock progresivo, es la única grabación de estudio con el baterista John Hinch, ya que dejó la banda antes de grabar la siguiente producción. Por su parte, este disco como British Steel de 1980 y Defenders of the Faith de 1984, son sus únicas producciones que han sido interpretadas completamente en directo.
Por otro lado, el álbum fue íntegramente grabado en directo cuya información la entregó el mismo LP; «todos los músicos fueron grabados tocando simultáneamente en el estudio, como si fuera en un concierto, pese a que lo normal es grabar la pista de audio de la voz y de cada instrumento por separado, y luego mezclarlas».
Helloween es una banda alemana de power1 y heavy metal fundada en Hamburgo en 1984 (con orígenes en 1978). Comúnmente se les considera “los padres del power metal", siendo la banda más influyente para el desarrollo de dicho subgénero, especialmente por sus álbumes Keeper of the Seven Keys Part 1 (1987) y Part 2 (1988).234 Con anterioridad, su estilo se orientaba al speed metal, resultando clave para ese otro subgénero su debut discográfico (Walls of Jericho, 1985) con su primera formación clásica: Kai Hansen, Michael Weikath, Markus Grosskopf e Ingo Schwichtenberg. Tras el fallecimiento de Schwichtenberg y la salida de su fundador Kai Hansen (primer cantante y guitarrista, quien abandonaría el grupo para fundar la banda Gamma Ray) y de su segundo cantante Michael Kiske (reemplazado por Andi Deris), Helloween contribuyó notoriamente a que surgiera la "edad dorada del power metal" entre finales de los años 1990 y principios de los 2000 (con álbumes como Master of the Rings, The Time of the Oath, Better than Raw o The Dark Ride).56 Continuando ininterrumpidamente su actividad musical y producción discográfica desde su fundación.En el año 2017, Hansen y Kiske retornarían a la banda (que pasó por tanto a contar simultáneamente con tres cantantes, los mismos de las 3 generaciones de la banda), culminando así una de las reuniones más esperadas de la historia del heavy metal con la publicación de su disco homónimo en 2021.78 A nivel global, Helloween ha vendido más de diez millones de álbumes, ha obtenido catorce discos de oro y seis discos de platino91011 y es considerada una de las mejores bandas de heavy metal de la historia
My God-Given Right es el decimoquinto álbum de estudio de la banda alemana de power metal Helloween, el cual fue lanzado el 29 de mayo de 2015 en Europa. La grabación tuvo lugar en los estudios Mi sueño en Tenerife, España. Es la primera vez que publican cinco álbumes consecutivos con la misma alineación. En cuanto al sonido, el guitarrista del grupo, Michael Weikath, afirmó que: «El nuevo álbum es típico Helloween de los ochenta y moderno al mismo tiempo».Antecedentes y producciónEn 2014, la banda anunció que estaban trabajando en un nuevo álbum de estudio que sería lanzado en mayo de 2015,dicho anuncio sería acompañado por el sencillo "Battles Won". El álbum sería producido por Charlie Bauerfeind. El 26 de febrero de 2015 sacan a la luz el nombre título del álbum.
Straight Out of Hell es el decimocuarto álbum de estudio de la banda alemana de power metal, Helloween, lanzado el 18 de enero de 2013.5 La grabación tuvo lugar en los estudios Mi sueño en Tenerife, España. El primer sencillo del disco es la canción Nabataea.En cuanto al sonido, el guitarrista del grupo, Michael Weikath, afirmó que:Es el desarrollo lógico de los dos álbumes previos. Las nuevas canciones son una continuación de las directrices de 7 Sinners, sólo que con menos peso doom y notablemente más positivas.6Por su parte, el video del sencillo de lanzamiento, Nabataea, hace una fuerte alusión a los supuestos eventos del 2012 mediante una alegoría tanto de la disposición de algunos basamentos piramidales (similares a las zonas arqueológicas mayas) como de un combate ritual propio de la influencia nahua en la Península de Yucatán, ya que los combatientes sostienen un hacha y un Macuahuitl.El tema ¨Wanna Be God¨ está dedicado a Freddie Mercury.
El primer sencillo que la banda lanzó antes de la publicación del álbum fue "Are You Metal?", canción para la que se rodó un videoclip.En este disco, los cinco integrantes del grupo componen todas las canciones por separado.Se trata de un álbum variado, en el que destaca un sonido contundente como línea general. La idea de endurecer las composiciones la decidió el grupo con el objetivo de dar una respuesta al disco recopilatorio Unarmed Best of 25th anniversary, editado a finales de 2009, que presentaba versiones pop de algunos de sus temas más representativos. Unarmed fue un lanzamiento que no convenció a muchos seguidores, debido a que se trató de un experimento muy poco cercano al heavy metal. A pesar del carácter desenfadado de Unarmed, que nunca se mostró al público como una propuesta seria, los fanes quedaron en general descontentos. De ahí, la idea de volver a un estilo de heavy metal contundente y con menos concesiones en 7 Sinners7 Sinners posee canciones que llevan a Helloween a su estilo más duro en mucho tiempo, al contar con piezas como "Are you metal?". Por otra parte, destacan "Who is Mr Madman?", que trata el tema de la locura o "You Stupid Mankind", que lleva una crítica severa a la humanidad y se relaciona con "If a Mountain Could Talk" tema que, al contrario de la ya mencionada, hace una aseveración al mundo. Otra de las canciones es "Long Live the King", que es de las más duras del álbum, por su extrema rapidez tanto en la batería como en la guitarra y que Andi Deris escribió en homenaje a Ronnie James Dio cuando este estaba enfermo."Far In the Future" es la canción con la que acaba el álbum. No obstante, en la versión deluxe del disco se incluye el tema I'm Free.Otros bonus tracks son "Aiming High" y "Faster We Fall".
Prepárate y agárrate los machos porque los germanos vienen en esta ocasión algo malvados y con un puntito salvaje. Haciendo honor al título de su nuevo disco, “Gambling with the devil”, da la impresión de que las calabazas se han ido a dar una vuelta por el infierno, lo han puesto todo patas arriba, se han reído del diablo y le han robado unas guitarras y unos temas que, sin perder en ningún momento la filosofía musical de la banda en los últimos tiempos, tienen algo más de rabia de lo habitual.El disco, en ese aspecto, sorprende. Pero no os asustéis. No es un disco oscuro como lo pudo ser en ciertos momentos “The Dark Ride” sino que se encuentra repleto de ese color “calabaza” de estructuras rápidamente reconocibles, de temas accesibles en una primera escucha y provenientes de todas las etapas del grupo, a las que les han añadido, por aquí, por allá, un toque malévolo y contundente.A las voces, nuestro querido showman Andi Deris cada vez está mejor y, en este disco, se podría decir que no falla una. Tanto dentro como fuera de su característico registro está enorme. Nos hace pasar de la rabia a la épica en un momento para después convertirlo en pura diversión.Genial está Deris, pero el resto de la banda no se queda a la zaga. Mientras toda la sección rítmica y especialmente la batería, se explayan a gusto para darle una gran fuerza y presencia, las guitarras se lucen con un sonido muy heavy en todo el álbum y técnicamente impecable.Comenzamos la escucha y nos atrae irremediablemente la voz seductoramente diabólica de Biff Byford. Todo un acierto doblarla para darle más misterio a su penetrante y especial timbre agudo que nos invita a apostarnos la ruleta contra el mismísimo diablo. Aceptamos el reto y le damos vueltas a la ruleta… El primer resultado nos da de pleno con una de las composiciones más rabiosas que ha hecho Helloween. “Kill It” es un tema salvaje que a muchos recordará a aquel memorable “Push” pero que presenta mucha más contundencia en su estribillo. Impactante comienzo.Mientras nos seguimos adentrando en “Gambling with the devil” nos vamos encontrando con retazos de lo antes comentado mientras que el grupo nos intercala temas como “The Saints”, una composición típica del grupo que se parece, pero supera en calidad, a aquel “The Tune”. Entra tan bien como lo hace el hit single “As Long As I Fall”, con una melodía de teclado muy cercana a “If I Could Fly” sin llegar a la genialidad de aquella y un estribillo muy pegadizo. Sorprende su estupenda sección instrumental a mitad del tema y se pega en seguida. Un buen bis de concierto.Tras el single, el tándem que forma los 4 próximos temas es, simplemente, una maravilla. El grupo encadena cuatro temas llenos de sentimiento y potencia, con unos estribillos realmente inspirados cada uno en su propia estructura. Momentos como este justifican por si solos la compra de “Gambling with the devil”.“Paint a new world” y “The Bells of the Seven Hells” siguen la línea contundente y agresiva marcada por “Kill It”, sobre todo en el caso del segundo corte mencionado, mucho más diabólico y cuyo comienzo y desarrollo bien podrían haber sido sacados de un disco del trío liderado por Peavy Wagner, Rage. El primero es, para un servidor, el tema estrella del disco. Una gran canción, que nos recuerda a los Helloween más inspirados de las etapas tempranas en la incorporación de Andi Deris a las cuerdas vocales. Todo encaja en este tema.Por otro lado, e intercaladas a las anteriores nos encontramos con “Final Fortune”, un tema muy Helloween, con una línea de teclado muy pegadiza y con uno de esos estribillos que se van retroalimentando para llegar a un cenit realmente placentero, y “Falling to Pieces”. Éste tema tiene un comienzo que te dice en seguida que te encuentras ante un tema especial donde, sin perder las formas, Andi nos regala una canción muy melancólica y con mucho sentimiento.Tras esta genialidad surgen dos temas que deslucen un poco lo que estaba siendo un gran disco. Si bien “I.M.E.”, con su estructura más de medio tiempo progresivo, tiene un aire macarra interesante, no acaba de lograr su objetivo y, por si fuera poco acaba excesivamente pronto. Le pasa algo parecido que al siguiente corte, “Can Do It”, donde la intención de ofrecer un momento de neta diversión al más puro estilo de las calabazas se ve truncada por un tema excesivamente simple y casi algo infantil o inmaduro y en el que, además, no existe compenetración alguna entre la banda.Recuperarnos de este golpe requiere de algo que sea tremendamente efectivo y quizás, inconscientemente, el grupo nos ofrece para acabar dos temas muy clásicos, donde, sobre todo en “Dreambound” las guitarras provienen directamente de los siempre recordados Keepers of the Seven Keys y, sin grandes alardes, consiguen hacernos olvidar el mal trago previo. “Heaven Tell No Lies”, que completa el plástico, es uno de esos temas que ganan con las escuchas y que, como le pasaba a “Midnight Sun”, pueden sufrir un injusto trato al encontrarse al final del disco. Pero nada más lejos de la realidad. Es un gran tema que merece un reconocimiento a la altura del comentado clásico de la banda y que el tiempo colocará en su lugar.En definitiva, un gran disco donde nos encontramos a unos Helloween mucho más centrados y compactos que en su anterior álbum “Keeper of the Seven Keys – The Legacy” y que supera en mucho la calidad de “Rabbit don’t come easy”. Tras tanto movimiento de formación, la adaptación de Sascha Gerstner es un hecho y, junto a Dani Loblë, parece que volvemos a tener a unos Helloween mucho más estables, es decir, a un grupo al completo.Un aperitivo de lujo para una de las giras que probablemente más recuerdo creen de entre todas las que han efectuado las calabazas pues, traerse consigo a Kai Hansen y los suyos es algo que muchos ni hubiéramos imaginado… Ya queda poco…
Y Helloween lanzó el Keeper 3, así se podría empezar esta review de uno de los discos más esperados de los últimos 15 años, la banda germana da un golpe de efecto a su carrera creando sin lugar a dudas una de las obras conceptuales más grandes creadas dentro del metal.Se que muchos de los denominados antiguos van a echar en falta a la voz (Kiske) o al padre del powermetal (Hansen). Yo, en este disco, no.El trabajo que están llevando a cabo la pareja Andi Deris – Sascha Gerstner es sinceramente sublime, la química entre estos dos es explosiva, los temas que Sascha compone y que el otro escribe con tinta que sabe a reflexión, hacen que posiblemente el disco tenga unos de los significados más grandes vistos dentro de este mundo.La obra arranca con “The king for a 1000 years”, temazo conceptual en la línea de “Keeper of the seven keys”, 14 minutos dan para mucho tema, y las diferentes variantes que tiene, hacen que sea un tema de 10, sobresaliente la aportación del teclista que ha incorporado la banda.“The invisible man” es otro de los temas a destacar, el sonido del bajo, en este disco, es quizá de lo mejor que instrumentalmente que haya podido escuchar, aunque no me quiero olvidar de el resto.El disco aporta frescura contundencia, melodías de las que no se pueden dejar de cantar de la primera a la ultima canción, es decir, una pasada, en directo vamos a disfrutar seguro.“Born on Judgement Day” es uno de los temas que Weikath (del que luego quiero hablar) ha compuesto para el disco, dejando el listón muchísimo más alto que en las composiciones de sus 2 pasadas obras. Tema himno muy divertido para llegar a…“Pleasure Drone”, Sascha, como hizo en su disco debut de la banda de Hamburgo, deja constancia de sus composiciones, tanto instrumentales como liricas. Si podéis, traducir la letra, todo un mensaje de animo para los que andan desesperados por haber perdido al “amor” de su vida.“Mrs. God” es Helloween en estado puro, la canción chorra típica de un keeper, ahora, divertida y pegadiza como ella sola, aunque a mi ver, no da para single. La letra no tiene precio tampoco.Bueno hemos llegado a una de las canciones que más me han impactado, “Silent Rain”, como dice un gran amigo mio, a Deris le gusta pegar caña con las composiciones de Sascha.La primeras veces que escuche la canción no me enteraba mucho de la letra, hasta que me decidí a leerla y… dios mío… Lo happy de la canción no tiene nada que ver con la temática. Si “Mr. Torture” de su “The Dark Ride” hablada de las mujeres maltratadas, y “Open Your Life” de su “Rabbit…” hablaba de la manipulación de los medios informativos, “Silent Rain” habla de una realidad también muy dura, la pederastia, de un padre que abusa de su hija y como ella ve su propia vida. Punto y aparte en cuanto a las composiciones que he podido leer.Actualmente los grupos que estamos acostumbrados a englobar con Helloween, hablan de temáticas fantásticas (dragones y mazmorras) sin casi ningún tipo de significado, pues bien Helloween demuestra que no es powermetal. Es Helloween.Michael Weikath (gran compositor de la banda) ha demostrado que tanto Sascha, como Dani, es justo lo que Helloween necesitaba, sangre fresca. Por otro lado, Deris (siempre criticado) es de lo mejor que hay en el circo del heavy metal. Y Markus, quizá el mejor bajista en este estilo.En una entrevista reciente, Andi Deris explicó la división del album en dos discos, alegando que «el primero, al ser más clásico, gustará más a la gente que lleva escuchando heavy desde hace muchos años, mientras que el segundo, al ser más progresivo, gustará más a la gente de 15-25 años que les gusta tanto el heavy como grupos como Korn (o albums como ‘The Dark Ride’)».No habría mejor forma de definirlo, y es que ya con el primer tema nos damos cuenta de que éste disco tiene algo especial.«Occasion Avenue» es, a todas luces, una obra maestra. En muchos foros hay quien se atreve a decir que «es la mejor canción que Deris ha compuesto desde que está en Helloween. A mi parecer resulta un poco arriesgado, pero sea como sea se trata de un temazo de impresión, una verdadera declaración de intenciones por parte de una banda y un compositor que están dentro de ese grupo selecto de personas que hacen que hoy día sigamos vibrando con éste estilo de música.Justo después tenemos «Light the Universe», la única balada del disco, que cuenta con la colaboración de Candice Night (compañera sentimental y de grupo de Ritchie Blackmore) en el que es el primer dueto de Andi desde que está en Helloween. Lo cierto es que la voz de Candice no deja de ser un mero acompañamiento, ya que es el germano el que lleva todo el peso de la línea vocal (por cierto, el tono del estribillo recuerda mucho a «Goodbye Jenny», de su primer disco en solitario). A todas luces, un grandísimo tema.Del resto de temas, aunque quizá sea un poco triste, decir que destacan los de Deris (en especial «Shade in the Shadow», aunque las otras dos merecen también muchísimo la pena), y los de Weikath dejan un saber algo agridulce.Y es que, si alguna pega podemos sacarle a este disco es que Weiki, al igual que en el «Rabbit Don´t Come Easy» y «The Dark Ride», no ha sabido estar a la altura de las composiciones de sus compañeros de grupo. ¿Qué le ocurre? ¿Ha perdido la chispa? Resulta curioso, pero es Gerstner quien, a pesar de no haber sido un fan de Helloween, ha sido capaz de crear las canciones que podemos definir como «más Keeper» y por ello están en el primer disco.Tras este pequeño tirón de orejas, ya sólo nos resta realizar un pequeño resumen de las virtudes del disco.«Keeper of the Seven Keys – The Legacy» es un disco sobresaliente en todos los sentidos. Mucho se jugaron «atreviéndose» a llamar el disco como tal, pero han cumplido las expectativas que se tenían con creces. Destacar la grandísima producción, una joya más del tandem Charlie Bauerfeind – Estudios Mi Sueño (además, Charlie se ha convertido en un «ojeador» de lujo, ya que recomendó a la banda la incorporación de Dani, al igual que hizo con sascha); el trabajo de Deris y Sascha a nivel musical y lírico (dedicadle un tiempo a leer las letras, os lo recomiendo) y, quizá por encima de todo, el excelente trato de las voces: no sólo Andi canta mejor que nunca, sino que los coros (cuentan con Olaf Senkbeil y Oliver Hartmann, ahí es nada) en canciones como «King of 1000 Years», «Invisible Man» o «My Life for One More Day» enriquecen muchísimo.
Pocas bandas han sufrido el maltrato y el desprecio de Helloween. Obligados a ocupar eternamente la segunda fila dentro de los grandes nombres del heavy metal, nunca han sido recompensados por la enorme influencia que han ejercido sobre dos generaciones: la de los grupos que crecieron en los noventa y que ahora están plenamente consolidados; y la de las formaciones actuales, que siguen bebiendo del grifo de los célebres “Keeper of the seven keys”, ignorando muchas veces los cimientos asentados en los maravillosamente ingenuos “Helloween” y “Walls of Jericho”.Por un motivo u otro, Helloween siempre han pasado de puntillas al lado de la popularidad y las masas. No importa en qué época. Sea con Kai al frente, Kiske en pleno apogeo vocal o Deris reviviendo a un enfermo casi en fase terminal, siempre ha sido así y siempre lo será. Ya no hay remedio. ¿Por qué ha ocurrido esto?. Quizás los seguidores de los germanos nunca han tenido suficiente y, si en los ochenta se debía a la dura competencia a la que se enfrentaban, ahora nada les conforma y todo es poco.Que introduzca el álbum de la manera en que lo he hecho no es más que porque es chocante e incluso insultante que las primeras críticas recibidas por este trabajo se vertieran sobre la ilegitimidad de la banda para regresar a la fórmula que ella misma inventó. Es como si a estas alturas hubiera que explicarle a Malcolm Young o a Lemmy cómo deben escribir canciones. En todo caso, se puede echar uno encima de Weikath, Deris, Grosskopft y Gerstner (el fichaje también contribuye en su debut) porque los temas no le transfieren el mismo sentimiento que obras anteriores o no llegan al nivel de las mismas, de lo cual sí adolecen. Pero negarle a Helloween el derecho a hacer lo suyo carece por completo de sentido.El giro aparente que parecía dar la banda se ha quedado en una intentona censurada por el “jefe” (al menos, a tenor de lo ofrecido aquí). Si alguien se espera salidas de tono del tipo de “Escalation 666”, “The departed (Sun is going down)” o “I live for you pain”, anda equivocado. Un single como “If I could fly” tiene contrarréplica en “Just a little sign”: doble bombo a cargo del animal Mikkey Dee (reclutado para grabar las partes de Cross tras su baja), ritmos netamente heavies de Michael Weikath y Sascha Gerstner, melodías “alegres” sobrevolando cada espacio del tema y estribillo facilón para retener. Nada que ver, vamos.El citado sencillo, “Open your life”, “Do you feel good”, “Hell was made in heaven” o “Listen to the flies” son de lo más estándar y, si no se les da la más mínima oportunidad, se hacen aborrecibles. Incluso “The tune” y el bonus “Far away” (de riffs afilados escuela Tipton-Downing) son tan inequívocamente Helloween que sin Hansen tienen poca salida. Gamma Ray podrían sacar mucha más tajada de composiciones así.Sin embargo, “Never be a star” (con una melodía principal muy similar a la de “Perfect gentleman”, aunque con tono dramático, y un texto que hace explícito lo que contaba unas líneas más arriba), “Liar” y “Back against the wall” (todavía capaces de avasallar y cuyos únicos defectos son unos estribillos rácanos), la rockera “Nothing to say” (con ese puente que tontea con el reggae), “Sun 4 the world” o el medio tiempo de turno, “Don’t stop being crazy” (más simplón que los que han firmado bajo la voz de Deris, pero con cierto encanto intacto) dejan en pañales a sus retoños con el mínimo esfuerzo (¿hablamos de Edguy?)Una vez más, Andi Deris da la nota de distinción, y ello se agradece en un género donde la presencia de idólatras de Rob Halford y de Michael Kiske aburre (originales sólo hay unos y a lo más que pueden llegar es a imitadores).Si entramos en las dichosas comparaciones, Grapow y Kusch le han ganado la partida a Weikath con “Masterplan”; no sé si por el toque hardrockero o la frescura de un Jorn Lande muy desenvuelto en esas lindes, que no por la creatividad puesta anteriormente de manifiesto en “The dark ride”.Puede que “Rabbit don’t come easy” padezca de poca ambición. Es más, dentro de la etapa que dio comienzo en “Master of the rings”, lo considero el más flojo. No obstante, mantiene el tipo y tranquilamente puede mirar por encima del hombro a “Pink bubbles go ape”. Por horas más bajas han pasado.
Encarar el nuevo milenio para muchas bandas fue un reto total, y más si eres una banda cuyas raíces vienen desde los 80´s . Helloween , al igual que otras bandas tuvo que enfrentar esta disyuntiva, y logró salir avante en este trance. Los 80´s fueron muy benéficos para la banda pero la década de los 90s trajo situaciones un tanto cuanto inciertas.La salida de Kai , 2 álbumes que si bien no son malos nos desconcertaron a muchos, la muerte de Ingo y una industria musical muy distinta a la que había conocido la banda en sus inicios. El grunge llegó de una manera apabullante (mercantilmente hablando) y para finales de los 90s el New metal estaba en excelente momento.“Master of the rings” (1994) ; “The time of the Oath” (1996) y “Better than raw” (1998) son los trabajos que presentó la banda en los 90s llevando en la voz a Andi Deris. En 1999 la banda lanza un cd de versiones , “Metal Jukebox” el cual sería la antesala de su obra del 2000 “Dark Ride”."Dark Ride", 20 años del álbum negro de HelloweenEste disco fue el último de Roland Grapow y Uli KuschLa competencia tampoco estaba amable en el inicio del milenio. Rhapsody venía afianzándose con “Dawn of victory”; Nightwish editó “Wishmaster”. Symphony X publicó el excelso “V: The new Mythology Suite”. After Forever debutaba con “Prision of desire”. Halford lanzaba su disco homónimo producido por Roy Z quien como veremos se cruza en el camino de Helloween.Dickinson retorna a Maiden y lanzan “New brave World”. En el progresivo Spock´s Beard, Porcupine Tree se estaban consolidando y bandas como Children of bodom, In flames, Stratovarius, Haggard, The Gathering, Dark tranquility, Hammerfall, entre otros seguían en su lucha por superar sus logros de la década anterior.En este contexto, el 30 de Octubre del 2000 , Helloween publica “Dark Ride” producido , como ya mencioné por Roy Z (Halford, Dickinson) quien trae una nueva propuesta sónica al sonido de los teutones."Dark Ride", 20 años del álbum negro de HelloweenPor sus 20 años, Nuclear Blast lanzó la reedición del disco en viniloEl disco inicia con la instrumental “ Beyond the portal” quien crea un ambiente sónico para presentar la primera pieza que es “ Mr. Torture” producto de la pluma de Uli Kusch quien deja notar grandes dotes en la composición aparte de excelente baterista. Y es de notar aquí como Weikath permite cada vez más la intervención de sus demás compañeros en la composición lo cual dota de un atractivo sónico extra a la producción del álbum.El tema aporta pasajes oscuros pero unos coros sumamente brillantes, lo cual da gran atractivo al tema. “All over the nation” es un tema de Weikath, el cual muestra de inmediato el sello distintivo de Helloween. Doble bombo potente y solos armonizados, eso es Helloween. “Escalation 666” un tema de Grapow muy orientado a los riffs de guitarra. Lento en momentos, ligeramente acelerado en otros, pesado y oscuro. La variedad en la composición de los temas es el gran atractivo del disco. “Mirror, mirror” tema de Deris incluye un momento de remanso en el disco, lenta , potente, energética, un coro sumamente recordable y potencia en las guitarras, todos los ingredientes para hacer de este, un excelente tema.“If I could fly” tema también de Deris, se convirtió en un clásico de la banda. No hay velocidad pero si una muy bella melodía y contenido lírico , lo cual le dio esa enorme valía. “Salvation” es otro tema de Weikath en donde de nuevo el doble bombo, la melodía, los solos individuales y armonizados nos recuerdan al Helloween de los 80s.Andi Deris llevaba ya 6 años en la banda tras la salida de Kiske“The departed” un tema de Deris/Kusch nos deja escuchar los caminos que estaba explorando la banda para ese momento. Hay riffs cortos, machacantes y pegajosos. Pero la melodía Helloweenesca es imperdonable. “I live for your pain” inicia con un excelente Groove de bajo a cargo de Markus, quien en mi opinión lleva el mayor peso del tema.El tema es también de Deris y deja escuchar sus influencias hard pero los solos de guitarra uffff formidables!!!! “Immortal” es un tema cuasi orquestado en su inicio. La base sencilla de la banda permite que la voz de Deris se eleve dando otro enfoque a la pieza.El tema, que también es de Deris, es aplastante y lento, lleno de energía. “We damn the night” vuelve a traer la velocidad al disco. El único tema que firma Markus en el disco junto con Deris. Y la verdad lo hace muy bien. Los riffs son muy precisos y armoniosos. La parte instrumental es muy interesante a nivel ejecución y creatividad. Un excelente tema."Dark Ride", 20 años del álbum negro de HelloweenLas dos ediciones del discoCerrando el disco tenemos “The dark ride” una obra épica de 9 minutos fruto de la creatividad de Roland Grapow. Evidentemente la guitarra tiene gran peso en la pieza.Pero el trabajo vocal y rítmico también ameritan una gran labor. Los cambios de ritmo también son notorios en la obra y el pasaje acústico del medio da otra dimensión al tema. El solo de guitarra con la poderosa guitarra rítmica debajo nos muestra otra faceta de la banda. Excelente tema.Definitivamente Helloween estaba pasando por un momento de transición pero fue muy bien sorteado y la prueba es que hoy , 20 años después el disco sigue sonando fresco y agresivo.
Hay cierta controversia sobre la fecha de publicación del disco que hoy rememoramos. Algunos dicen que se lanzó el 14 de abril, otros que el 4 de marzo. Al final, y por un tweet de la banda, decidimos sacar esta reseña cumpleañera hoy, no vayamos a ofender a las calabazas. Pero, por si acaso, queda dicho este desajuste de fecha.25 años, ¡un puto cuarto de siglo! Tendría yo 19 añitos cuando mi banda de cabecera volvía a reafirmarse tras su casi muerte con aquél interludio que va desde el Keeper 2 hasta el Master of the Rings (1994). Recuerdo leer revistas de la época (todos sabemos cuáles) y, en todas sin excepción, mencionaban lo increíble que era que los de Hamburgo sacasen este discazo cuando, unos años antes, casi habían desaparecido. Entonces, ¿es un discazo? Allmusic le da 4 estrellas sobre 5 posibles, igual que Discogs. En Metal Archives la nota más baja que he visto es de 81 sobre 100 y en Rate Your Music vuelven a las cuatro estrellas sobre 5. Así pues, podemos concluir en que, efectivamente, es un discazo, igual que todo lo que sacaron con Deris hasta el The Dark Ride (2001). Esto último sí es opinión personal.Recuerdo quedar fascinado por la portada, tan alejada a lo que nos tenían acostumbrados. Aquella bruja sexy distaba mucho de los encapuchados que tanto habían aparecido y ponía el foco, de nuevo, en una de las señas de identidad de Helloween: la diversión. Pero es que el layout iba más allá, mostrando unas calabazas, en el libreto, que eran la caña. Tanto que hasta llevo una tatuada en mi pierna izquerda, la boxeadora del «I Can». Recuerdo, también, quedar un poco noqueado al principio, pues aún guardando su estilo innegociable, este lanzamiento mostraba ciertos tintes que, anteriormente, estaban bien guardados y que temas como «Revelations» o «Push» ponen de manifiesto. Como será que, al principio, pensé que la segunda de las mencionadas estaba inacabada. Inocente de mí…Músicalmente, más allá de lo dicho, este disco es la perfecta unión entre lo que fueron y lo que serían. Tiene la melodía que les carcateriza, la rabía que empezaron a demostrar con el Master y se empieza a vislumbrar la oscuridad que se adueñaría de las calabazas en el mencioando Dark Ride. Helloween sabía que, por aquél entonces, no podía jugar la liga de la felicidad con plenas garantías, entre otras cosas porque su vocalista no era tan happy, así que la reinvención era necesaria. Quizá, al estar entre dos bestias como Time of the Oath (1996) y el oscurito, este álbum pase algo inadvertido, pero como veremos, el álbum tiene suficientes cartas ganadoras como para que no le arrinconemos.La cosa empieza extraña con la intro de nombre irrecordable «Deliberately Limited Preliminary Prelude Period in Z «, obra del batería Kusch. La primera vez que la escuché fue un WTF. ¿Qué leches era aquello? Y es lo que es, un corte que da paso al primer tema per se, el ya mencionadio «Push». Hace 25 años era un FF de manual, pero ya hace 24 que gana enteros, y hoy, tras escucharla, aún más. Me parecía una canción desmontada, desde el mismo inicio. Sí, parece un batiburrillo, pero con las escuchas se convierte en un temazo que, tristemente, ha sido olvidado. Aquí la agresividad de la que hemos hablado se hace palpable, especialmente en las estrofas y en las guitarras, y desenmboca en un estribillo que, apuesto, nos dejó a todos muy descolocados. Pero oye, ya está bien que un tema power, que suele ser sota, caballo y rey nos descoloque. Más tradicional es «Falling Higher», pero no por ello menos temazo. Siempre le he tenido mucho cariño, y me entristece que no haya pasado el corte del tiempo. La melodía inicial, muy bien secundada por la sección rítmica, es para corearla en directo (que no recuerdo si tocaron en aquella gira con los Maiden). El estribillo es puro Helloween, ¡qué maravilla!. «Hey Lord» se asoma como un medio tiempo algo más experimental y rockanrolero, mucho menos Helloween que casi cualquier otro tema del disco y con sabor a hard rock americano. Siempre me pareció un tema curioso.Y si hablamos de temas poco convencionales, «Don’t Spit on My Mind» se lleva la palma. Cuando salió el disco no me gustaba ni siquiera un poquito, y aún hoy me sorprende bastante. Aún sonando a Helloween, suena mucho a otras bandas (¿Ozzy? ¿Black Sabbath? No estoy seguro). Prefiero no dar más opinión y que seais vosotros los que digáis lo que os parece. Y esa honda más alejada al power tradicional nos llega «Revelations», que diría que puede tener algo, solo algo, de thrash en ella. Vuelve a ser un tema que, cuando salió, me hizo mirar raro al grupo, pero que gana con las escuchas. Helloween tienen, al menos, dos caras, y este tema representa muy bien una de ellas. En «Time» es el bajo de Grosskopf el que se adueña de la atmósfera. Vuelve a ser un tema extraño, muy poco del grupo. No sé si decir que empieza como balada o medio tiempo, pero va ganando intensidad y majestuosidad a medida que el metraje avanza, hasta convertirse en una pieza de «power rock» (término que me acabo de inventar, creo) muy curiosa.La normalidad, si eso es algo, llega con el primer single. «I Can» tiene todo lo que el estilo necesita: melodía, buenrollismo, letra desafiante y pegamento en cada una de sus notas. El inicio, con el hi hat a mil y el punteo de guitarra es tremendo, y el estribillo resuena por todo lo alto cada vez que la tocan en directo. El videoclip, aunque cutre, es una buena muestra de lo que es el grupo. Volvemos a esos tonos más experimentales y un poco depresivos, casi savatagianos, con «Handful of Pain». Si escuchas la voz del principio sin saber quien es, apuesto a que no adivinarías que se trata de Helloween. Nada mal, pero en 1998 me descolocó un huevo.Más directa, agresiva y sorpresiva es «Laudate Dominum», un padre nuestro a doble bombo. La batería incial es tremenda, y la guitarra muy loca. Deris parece poseído, a pesar del tema del que trata, pero al final tiene un regusto feliciano muy bueno. Recuerdo estar en casa de mis padres, con la visita de un cura amigo suyo, y estar traduciendo la letra, todos muy sorprendidos por encontrar semejante alegato cristiano en un grupo de heavy metal (ellos, no yo). Y así, pasito a pasito, llegamos al final con uno de los temas más destacados, sino el que más: «Midnight Sun». Es como si todo lo que había hecho el grupo desde sus inicios se concentrase en este temarral de la vida: melodía, agresividad, pomposidad, grandilocuencia y senillez. Guitarras del copón y una base rítmica apoteósica, este último corte lo tiene todo, y a pesar de ello, es otra de esas canciones que se ha olvidado, incomprensiblemente. De hecho, ¿la llegaron a tocar en directo? Colofón de oro al disco.25 años son muchos, y pueden dejar a un disco que te pareció genial en la ignomia. Pero no es el caso. De los Helloween clasicos, diría que es el que mejor ha envejecido. No porque sea mejor o peor que otros, sino porque tiene elementos que hace un cuarto de siglo eran impensables, y que hoy, en 2023, ganan en interés. ¡Muchas felicidades, calabazas!
The Time Of The Oath es el séptimo álbum de la agrupación alemana Helloween, publicado en 1996. El álbum está dedicado a la memoria del baterista anterior Ingo Schwichtenberg, quien se suicidó en 1995.12The Time Of The Oath está, según Andi Deris, basado en las profecías de Nostradamus, refiriéndose a las profecías hechas para los años 1994 a 2000. Los intérpretes de Nostradamus creen que él predijo una Tercera Guerra Mundial seguida por un milenio de paz, si los humanos hicieron las elecciones correctas. El álbum está compuesto para reflejar las elecciones de la humanidad.3 El guardián de las 7 llaves que aparece en este álbum, habiendo vuelto de Master of the Rings y para volver luego en The Legacy, podría representar a Dios, o en forma del séptimo soldado montado en la canción "Before The War".3Lista de cancionesEdición original"We Burn" (Deris) – 3:10"Steel Tormentor" (Weikath/Deris) – 5:52"Wake Up the Mountain" (Kusch/Deris) – 5:05"Power" (Weikath) – 3:33"Forever And One (Neverland)" (Deris) – 4:15"Before the War" (Deris) – 4:40"A Million to One" (Kusch/Deris) – 5:15"Anything My Mama Don't Like" (Deris/Kusch) – 3:50"Kings Will Be Kings" (Weikath) – 5:10"Mission Motherland" (Weikath/Helloween) – 9:00"If I Knew (Weikath)" – 5:30"The Time of the Oath" (Grapow/Deris) – 7:55
Master of the Rings es el sexto álbum de estudio del grupo de power metal alemán Helloween.Es el primer disco tras la expulsión de Michael Kiske e Ingo Schwichtenberg, y el primero con Andi Deris como cantante. Se considera este álbum como un regreso a las raíces del power metal, que fueron abandonados en los álbumes anteriores, Pink Bubbles Go Ape (de 1991) y Chameleon (de 1993).sus sencillos son "Where The Rain Glows","Mr.Ego","Perfect Gentleman","In The Middle Of HeartBeat" y "Why?"
Chameleon es el quinto álbum de Helloween, lanzado en 1993. Este álbum se convierte en un giro de 180 grados dentro de la carrera musical de Helloween. En este disco abandonan el power metal que les caracteriza, apostando por estilos más variados de rock, pop incluso funk, como sería el caso del tema In the night, con participación de coro infantil y músicos clásicos como Stefan Pintev y Axel Bergstedt. Siempre ha habido muchas discusiones acerca de la calidad de este disco, algunos opinan que es lamentable, otros que es una obra de arte.Este fue el último álbum que editaron con Michael Kiske, que fue expulsado de la banda ese mismo año, y con Ingo Schwichtenberg, que abandona la formación a causa de una enfermedad. El disco está compuesto por 12 canciones y se llegaron a editar hasta 7 temas inéditos. "First time", "When the sinner" y "Step out of hell" son algunos de los temas más populares.
Pink Bubbles Go Ape es el cuarto disco de la banda alemana de power metal Helloween.Es el primer disco con Roland Grapow.Este disco pasó algo más inadvertido que sus dos anteriores trabajos. Se puso a la venta en 1991, tras permanecer paralizados por 3 años a causa de unos asuntos judiciales contra su anterior sello discográfico.Lista de canciones"Pink Bubbles Go Ape" (Kiske) 00:37"Kids Of The Century" (Kiske) 03:52"Back On The Streets" (Grapow/Kiske) 03:23"Number One" (Weikath) 05:13"Heavy Metal Hamsters" (Weikath/Kiske) 03:28"Goin' Home" (Kiske) 03:51"Someone's Crying (Grapow)" 04:18"Mankind (Grapow/Kiske)" 06:18"I'm Doing Fine, Crazy Man" (Grosskopf/Grapow) 03:39"The Chance" (Grapow) 03:47"Your Turn" (Kiske) 05:38
Keeper of the Seven keys Part II es el tercer disco del grupo de power metal alemán Helloween. Uno de los discos más exitosos de su carrera. Alcanzó el disco de oro en Alemania 1Contiene algunas de sus más famosas canciones como Rise And Fall, Dr. Stein, March Of Time, I Want Out y las inigualables Eagle Fly Free y Keeper Of The Seven Keys.
Keeper Of The Seven Keys Part 1 es el segundo álbum del grupo alemán Helloween lanzado en 1987, su primer álbum a nivel internacional. Es a menudo considerado uno de sus mejores álbumes, también como el álbum que da inicio al power metal,[cita requerida] y que dio a conocer al joven vocalista Michael Kiske. Además del disco, sacaron el sencillo «Future World» y un vídeo de «Halloween». Helloween originalmente planeaba sacar un álbum doble con Keeper of the Seven Keys Part 1 y Keeper Of The Seven Keys Part 2 juntos, pero la discográfica insistió en que debían ser divididos y lanzados por separado.Twilight of the Gods, se caracteriza por la utilización de gran técnica en solos de guitarra, donde Kai Hansen incluye por primera vez en la historia del Power Metal la técnica del Barrido (Sweep Picking) entregando a este tema un sonido único en su melodía. Halloween con cerca de 17 solos de guitarra muchos a dúo se transforma en una obra maestra para la época y hasta la actualidad muy poco superada.
Walls of Jericho es el primer álbum de larga duración de la banda de power metal Helloween. El álbum fue publicado el 18 de noviembre de 1985 y jugó un rol importante en el desarrollo del power metal con un Speed Metal con más melodía que lo normal. En la reedición de 1988 y posteriores, el EP debut homónimo, el sencillo Judas y su contribución en el EP colectivo "Death Metal” (Oernst of Life), fueron añadidos a Walls Of Jericho, convirtiéndose así esas ediciones en una compilación de los primeros trabajos de la banda.
Master of the Moon —en español: Maestro de la Luna — es el décimo y último álbum de estudio de la banda Dio. Fue lanzado el 7 de septiembre de 2004 bajo el sello Sanctuary Records en América.Master of the Moon marca el retorno del guitarrista Craig Goldy, quien también participó en los discos Dream Evil (1987) y Magica (2000). También participan de la grabación del disco el bajista Jeff Pilson, el baterista Simon Wright y el teclista Scott Warren.Es el último trabajo de estudio de la banda, pues, luego de este, en 2006, su cantante, Ronnie James Dio, se unió a Heaven And Hell, agrupación conformada por la alineación de Black Sabbath de la era con Ronnie. Posteriormente, el vocalista falleció en 2010 víctima de un cáncer de estómago, dejando disuelta toda esperanza del retorno de la banda Dio.
Ronald James Padavona, más conocido como Ronnie James Dio, es uno de los cantantes más famosos del metal rock.Nacido en Portsmouth, New Hampshire (USA), Ronnie tuvo buena estrella desde sus inicios musicales*, debido a sus dotes vocales que lo encumbraron en ese sitial primero en la banda Elf, para pasar luego a Rainbow y Black Sabbath, dos referentes del género.La historia de Dio como banda se inicia una vez que Ronnie James abandona Black Sabbath, en octubre de 1982. Desde su álbum debut titulado Holy Diver, la banda pudo mantener un buen nivel gracias en gran parte a su joven guitarrista escocés Vivian Campbell, seleccionado para el puesto luego de arduas audiciones a ambos lados del Atlántico.Desafortunadamente, Vivian Campbell dejó la banda en 1986 alegando una falta de acuerdo económico con Ronnie, decisión que considero un grave error de éste, pues trajo consigo un notorio decaimiento de la calidad musical del grupo Dio.Es así que salvo el LP Dream Evil (1987) con Craig Goldy en la guitarra, los sucesivos lanzamientos de la banda no se acercan ni por asomo al talentoso nivel de la primera etapa con Vivian Campbell.En esta parte de la historia se sitúa el álbum bajo comentario, titulado Killing the Dragon (2002). Para este trabajo, Ronnie incorporó al buen guitarrista Doug Aldrich, un acierto desde todo punto de vista, toda vez que se trata de un músico curtido en las bandas Lion, Hurricane, House of Lords, Bad Moon Rising y Burning Rain (actualmente toca en Whitesnake).El resultado es este Killing the Dragon, estupendo disco de heavy metal que nos confirma rotundamente el retorno del inmortal sonido de la añorada banda Dio, aquella que perdiera el rumbo a fines de los '80 y que tibiamente lo recuperara con el disco Magica (2000).Efectivamente, desde el primer corte hasta el último, se nota el prolijo trabajo de Doug Aldrich en los riffs y solos de guitarra, muy superiores a las performances previas de sus antecesores Rowan Robertson y Tracy G, durante las etapas 1989-1993 y 1994-1999, respectivamente.El sonido de este álbum se podría calificar como un potente heavy metal armónico, aderezado con solos virtuosos e intensos.Los mejores temas:Killing the Dragon, Along Comes a Spider, Scream, Better in the Dark, Rock 'n Roll, Push, Guilty, Throw Away Children y Cold Feet.Comentarios de mis canciones favoritas:La potente Killing the Dragon merece estar al inicio por su calidad. Ese inicio in crescendo resulta atractivo, la voz de Ronnie vuelve a ser la de sus inicios mientras que el riff y solo son perfectos.Along Comes a Spider es otro gran tema, su ritmo es más acelerado pero igual de potente que su antecesor.Rock 'n Roll tiene un suave inicio que recuerda al estilo que desarrolló Ronnie en Black Sabbath. Luego el ritmo se transforma en un monolito de heavy metal auténtico, gracias a Doug Aldrich y demás instrumentos.Push tiene un estilo rock and roll, pero bajo la envoltura de un potente hard rock. El vídeo promocional es imaginativo e hilarante.Guilty me recuerda horrores a la banda Dio con Vivian Capbell en guitarra, ritmo acelerado y un riff - solo intenso.Throw Away Children tiene un ritmo más lento, destacan la melodía y también los coros infantiles del tramo final. El sentido solo de guitarra es otro de sus atractivos.Cold Feet se caracteriza por su melodía añeja pero efectiva, los teclados van muy bien con el ritmo predominante de la canción.En estas épocas en que la esposa de Ronnie ha anunciado al mundo que su esposo lucha contra un cáncer al estómago, cobra más vigencia el significado que Ronnie le dio a los "cuernos" que popularizó con sus manos:"Long Live Rock and Roll".
Magica fue el octavo álbum de estudio de la banda Dio, lanzado el 21 de marzo del 2000 por Spitfire Records. El disco marcó el retorno del guitarrista Craig Goldy, reemplazando a Tracy G. Goldy también aparece en los discos Dream Evil (1987) y Master of the Moon (2004). En él también participaron Jimmy Bain al bajo, Simon Wright a la batería y Scott Warren en los teclados.Lista de canciones«Discovery» (Dio) – 0:54«Magica Theme» (Dio) – 1:16«Lord of the Last Day» (Dio) – 4:04«Fever Dreams» (Dio) – 4:37«Turn to Stone» – 5:19«Feed My Head» – 5:39«Eriel» – 7:35«Challs» – 4:25«As Long as It's Not About Love» – 6:04«Losing My Insanity» – 5:04«Annica» (Bonus Track) – 3:46«Otherworld» – 4:56«Magica» (Reprise) – 1:53«Lord of the Last Day» (Reprise) (Dio) – 1:44«Magica - the Story» – 18:26
Angry Machines —en español: Máquinas furiosas— es el séptimo álbum de estudio de la banda de heavy metal Dio. Fue lanzado en 1996 bajo el sello Mayhem Records. Es el segundo disco de Dio en incluir al guitarrista Tracy G y al bajista ex-Dokken Jeff Pilson.Lista de canciones"Institutional Man" (Dio, Tracy Grijalva, Vinny Appice) – 5:00"Don't Tell the Kids" (Dio, Grijalva, Appice) – 4:13"Black" (Dio, Grijalva, Appice, Jeff Pilson) – 3:06"Hunter of the Heart" (Dio, Grijalva, Appice) – 4:06"Stay Out of My Mind" (Pilson) – 6:57"Big Sister" (Dio, Grijalva, Appice, Pilson) – 5:27"Double Monday" (Dio, Grijalva, Appice) – 2:50"Golden Rules" (Dio, Grijalva, Appice) – 4:46"Dying in America" (Dio, Grijalva, Appice, Pilson)– 4:31"God Hates Heavy Metal" (Bonus Track) – 3:45"This Is Your Life" (Dio, Grijalva)– 3:18
El último registro para Warner Bros., 'Strange Highways' es casi un regreso a las formas de principios de los 80 para un grupo que no había hecho nada particularmente inspirador desde el año 1984. Junto al vocalista Ronnie James Dio, una alineación de estrellas, incluyendo al batería Vinny Appice, el bajista Jeff Pilson y el guitarrista Tracy G. La voz de Dio es excelente, como de costumbre, sobre todo en 'HollywoodBlack' y la emotiva 'Jesus, Mary & the Holy Ghost'. Appice parece haber perdido algo de energía. Sin embargo, Dio todavia pueden establecer algunos riffs mortales, ya que canciones como 'Pain' y 'Firehead' mantienen un buen impulso.TEMAS1.- Jesus, Mary And The Holy Ghost2.- Fire Head3.- Strange Highways4.- Hollywood Black5.- Evilution6.- Pain7.- One Foot In The Grave8.- Give Her The Gun9.- Blood From A Stone10.- Here's To You11.- Bring Down The RainVinny Appice- BateriaRonnie James Dio- VocalTracy Grijalva- GuitarraJeff Pilson- Bajo, Teclados
Lock up the Wolves —en español: Encierra a los lobos— es el quinto álbum en estudio de la banda de heavy metal Dio, lanzado en 1990. Ronnie James Dio ya había sonado como uno de los mejores vocalistas de aquel género que se denominaba como heavy metal. Es el único disco de Dio en el que participó el guitarrista Rowan Robertson, de tan solo 19 años en ese entonces. Este disco es el primero con el baterista Simon Wright, procedente de la banda australiana AC/DC.Lista de canciones"Wild One" (Dio, Rowan Robertson) – 3:57"Born on the Sun" (Dio, Robertson, Jimmy Bain, Vinny Appice) – 5:30"Hey Angel" (Dio, Robertson) – 4:50"Between Two Hearts" (Dio, Robertson) – 6:16"Night Music" (Dio, Robertson, Bain) – 4:56"Lock up the Wolves" (Dio, Robertson, Bain) – 8:18"Evil on Queen Street" (Dio, Robertson, Teddy Cook) – 5:51"Walk on Water" (Dio, Robertson, Jens Johansson) – 3:36"Twisted" (Dio, Robertson, Bain, Appice) – 4:35"Why Are They Watching Me" (Dio, Robertson) – 5:00"My Eyes" (Dio, Robertson, Johansson) – 6:24ComponentesRonnie James Dio – VozRowan Robertson – GuitarraTeddy Cook – BajoJens Johansson - TecladosSimon Wright – Batería
Zarpazos intermitentes de teclado hacen de baquetas para dar la señal, Night People entra en presto son con nerviosos riffs, ”¿Te gusta la oscuridad, te gusta la forma en que se mueve?”, así te invita Ronnie James Dio, uno de los tres tenores del Metal, a su mundo de luces y sombras en un disco que tomó el espíritu de joyas como Holy Diver y The Last In Line y las pasó por un filtro más suave y optimista aún si cabe, para regalar a nuestras almas una obra llena de energía positiva y dinamismo impulsados por el torrente de su vena más rockera. Con clase desfila ante nosotros la magia de Dream Evil, pónganse cómodos.La espontaneidad del tema-título, que es trazado a mano alzada (y astada) por el genio que la canta, nos empuja con su garra a donde él quiere, con ese estribillo pegadizo. En Sunset Superman me invade su poder, su atmósfera y una cuestión: ¿Cómo es posible que una letra que no rime ni por asomo en ningún momento… ¡puede quedar tan bien!?, ¿será la melodía, será esa sabia flexibilidad de la métrica, será el idioma…. será el café :-D?. Quizá es que es Dio, que parece tener un pacto con el Diablo en el que todo lo que salga de su voz, a los oídos de los mortales suene y siente bien. Puede que ésa sea también la razón por la que aún hoy día dé la talla en el escenario. Quién sabe, la respuesta está ahí afuera….All The Fools Sailed Away es una balada al más puro estilo Dio, que después de tiernos registros de los suyos que paran el tiempo, entran las eléctricas entre hombro y hombro de nuestro rey, tornándose éste más bronco y tajante, “Estamos atrapados en mitad de la Locura, cazados por el león y el cordero”, y es que éste es uno de los mayores poetas que ha dado el género, capaz de “atraparnos en mitad de su locura”, de su reino de sueños y pesadillas, siempre con su tan personal interpretación, su elegancia, su pasión…El espíritu emotivo de Naked In The Rain, con ese sentimiento en el estribillo, tomando alma de los legendarios Rainbow, a cuya élite soñadora esa voz perteneció. Tras ésa, un veloz y complejo riff en escala pentatónica se presenta sólo, pero en acústico, pronto el último acorde se hace eléctrico, y tras un potente pie que da Vinny Appice en un barrido de baquetazos, entra el grupo a saco en el tema más raudo y enérgico del plástico, Overlove te enviste con sana furia, paseando su virtuosismo con el garbo de una gran banda que sabe transmitir buenas vibraciones desde la tralla.El facilón I Could Have Been A Dreamer, heredando la inocencia y suavidad del año que dejaron atrás, el mítico ’86, que unió a todo género en un mismo ambiente, dentro y fuera del Rock, glorioso año.Yo para el siguiente tema hago una reivindicación personal, defiendo su rango de gran clásico, pudiéndose perfectamente codear con Rainbow In The Dark pero siendo para mí incluso mejor que éste. Y es que no sé por qué hay ciertos temas que las masas olvidan y están ahí, con toda su pasión y calidad desbordantes… Estoy hablando de Faces In The Window.No sé ustedes, pero este tema me estremece de principio a fin, atesoro cada segundo de su vida desde que irrumpe hasta que se desvanece. Ese empuje, ese cabalgar, esa melodía y solos tan emotivos de Craig Goldy, esa entrega de Dio en cada sílaba, como por ejemplo en la línea ”…and we are all divine”, ese “we” me conmueve a cotas inexplicables, por la vibración que él le da, en una mezcla de ternura y fuerza que lo llena todo. Las frases sueltas cantadas al final mientras baja el volumen (sello Dio - calidad certificada) son ya para el éxtasis absoluto. Nunca un tema de este “pequeño gran hombre” me ha transmitido tanto.Un efecto nos orada el cerebro de babor a estribor como si un gusano curioseara en el interior de nuestro cráneo, no sin probar en el trayecto buena parte de nuestra masa gris. When A Woman Cries cierra el disco al más puro estilo de la banda, pero contagiada una vez más por los aires de aquel conjunto que montó un tal Blackmore. El insistente teclado de Claude nos acompaña en un ritmo vacilón y con un Dio muy a gusto, en su salsa. ¡Cómo te gusta, granuja!.Sin duda, este disco es de los mejores que ha hecho este duendecillo nuestro del Metal, siendo de los únicos que realmente merecen la pena, junto con sus dos primeros trabajos. Una obra llena de frescura y sin más pretensiones que mostrarse ellos mismos como son, al grano, aunque no exentos de una buena técnica y mucha imaginación, puesto que ese estribillo de Night People, que es abandonado por la música para quedarse flotando en nuestra cabeza, o algunos detalles más que enriquecen el disco, no son fruto de un descontrolado ansia por excretar temas a golpe de látigo, blandido por la discográfica (y si fue a golpe de fusta, la tensión les vino bien). Glorioso ecuador de los ’80, fuiste sencillo, humilde, pero con un espíritu único, siempre te recordaremos.Fin del sueño.Ronnie James Dio – VozCraig Goldy – GuitarraJimmy Bain – BajoClaude Schnell - TecladosVinny Appice – Batería
Nunca entendí muy bien como el enanito Ronnie grabó el regulero Sacred Heart después de descolgarse con dos obras maestras como fueron Holy Diver y The Last in LinePuede ser que a disco por año la creatividad se desgaste un poco y por ello, pese a contar con la misma banda de los primeros, los temas no suenan tan ''especiales'' o ''mágicos'' como en esos plásticos.Sin ser malos temas, considero que el corazón sagrado no es una obra redonda, ni mucho menos.Entrando en materia, el cd abre fuego con un tema grabado en directo, cosa ya de por sí algo extraña. El tema es King of rock and roll un tema directo y rápido, con la voz inconfundible y poderosa del gran Ronnie. Eso nunca falla, esa garra y esa furia desatada de las cuerdas vocales, otro fenómeno para el estudio, con 60 años o más lo bien que canta este pequeño gran hombre.El riff al estilo Stand up and shout bastante bueno y por supuesto la clase de Vivian Campbell uno de los mejores en las 6 cuerdas (siempre me ha recordado en su estilo a la agresividad y técnica de George Lynch o Jake E Lee un auténtico diablo del hacha).Con un halo de misterio se introduce el temazo del disco, el tema título con aires a lo The last in Line te deja pegado a la silla y mueve tu manita hacia el volumen de la cadena para subirlo un poco más. ¡¡Señores, como canta Dio en este gran corte!!!Excelente el estribillo y el ritmo del tema.El puente con teclados en 2.07 sublime , marca de la casa. Y ese grito final ¡¡ATTACK!! me pone la piel de gallinácea cada vez que cae sobre mí.Las letras por supuesto brujos, arco iris, dragones, etc... ya lo sabiamos no?Entra la rockera Another lie con su buen guitarreo, un medio tiempo en la linea de toda la vida de Dio, suena algo repetitiva pero está bien. El solo de Vivian muy heavy, las voces de contrapunto al final del corte, fenomenales.Los teclados anuncian la gran pista que viene a continuación, grandísima Rock and roll children una linea vocal tremenda acompañada con guitarra y teclas, desembocando en el estribillo apasionante, de los mejores de su carrera. Tema perfecto, junto con el tema título lo mejor de largo del disco.En esta ocasión el solo de Campbell no iba a ser menos y comenzando con melodía va cogiendo cuerpo hasta el grito de Ronnie...sin palabras.Coritos celestiales nos introducen en un regular tema Hungry for heaven con destellos de Rainbow in the dark me resulta demasiado previsible, no obstante la calidad del tema sin llegar a lo mejor de Dio, está presente. El solo muy bueno con ese Ronnie que introduce a su amigo....hungry...dicho con malicia y tono diabólico.El estribillo es repetido demasiadas veces para mi gusto.Like the beat of the heart claro toque a Straight to the heart o a Invisible del Holy Diver, también suena a ya escuchado en su discografía. El solo de un buen nivel es lo más potable del corte.A partir de aquí decae el nivel compositivo, con tres temas decentillos pero sin pasarse, la más rápida y animada Another day la sencilla Fallen Angels un tema muy de relleno y la moña moña Shoot Shoot con un estribillo muy tonto y simplón.Sin pasar a la historia del rock, Sacred Heart es un buen disco de Ronnie, con un par de temas claves ,buena actitud y voz como siempre excelente del pequeño vozarrón.Después de este plástico ya saldrían de la banda varios miembros, grabando el buen Dream Evil en 1987 ya con Craig Goldie que pondría su guitarra también en el Intermission, directo del 86.
Año 1984, año mítico en lanzamientos de heavy metal, Defenders, Powerslave, Balls to the Wall, Love at first sting…sigo??? No hace falta, Dio sacó este intenso y guapo “The last in line” su segundo disco en solitario tras el gran “Holy Diver” y con la misma formación, Bain al bajo, Appice en la batería, Campbell en la guitarra, ahí queda eso. El bueno de Claude Schnell se encargaría de los teclados.Ya en el buzo sagrado disfrutamos de piezas vertiginosas como “Stand up and shout”, temazos como el que titulaba el disco con claro sabor a “Heaven and hell” (se notaba el paso de Dio por Black Sabbath) o inmensas composiciones como “Don’t talk to strangers” o “Rainbow in the dark”, solo un par de temas bajaban un poco el listón, la que cerraba “Shame on the night” y la de “Invisible”, vamos que el 10 se quedaba cerquita en su nota, pero para mi no llega a tenerlo.Lo que sorprende y gusta de primeras es la portada, junto a la del debut son geniales, con el demonio haciendo los cuernos (que según la leyenda urbana los invento Ronnie, en una entrevista contaba que su abuela ya hacía el gesto “malocchio” (mal de ojo) y sin duda es un símbolo del movimiento). Toda una escena apocalíptica, , no te deja indiferente desde luego. Cover art fuera de serie, aunque yo personalmente me quedo con la de “Holy Diver”.Este último de la fila es mas Dio todavía que el anterior, coge lo mejor de su estilo y lo mejora, entrega piezas rápidas, con riffs vertiginosos de Campbell y unos punteos increíbles, como son “We Rock” (un himno, imprescindible, inmortal, tremendos esos “carry on” y como despedaza la palabra rock), “Breathless” (con esas melodías vocales del genio que tanto nos gustan), “I speed at night” (otro bombazo, trepidante guitarreo y estribillo cojonudo, el “Frewheel burning” de Dio)y “Evil Eyes” (con esos coros femeninos en su tramo final). Temas que escuchas una y otra vez, pasan los años y cada vez les sacas mas sabor.El momento de forma en el que estaba los miembros del grupo y la voz de Dio son insuperables, como ataca cada estrofa, como modula su voz, como pronuncia las palabras, increíble, una perfomance del pequeño Elfo memorable. Sin duda uno de los mas grandes de la historia del metal.Tampoco hay que olvidar el tema título, que comienza con acústica y va cogiendo fuerza, va subiendo la intensidad hasta el grito galáctico de Ronnie (0:53), como suena ese épico estribillo con el teclado dando empaque, el punteo de Vivian no tiene fisuras, buena muestra de su nivelazo en las seis cuerdas (este estilo tan George Lynch, Jake E Lee, afilado, salvaje, técnica y garra), canción estratosférica, de lo mejor que he escuchado nunca.Otra destacada es “One night in the city” con gran sonido, una parte central muy bonita con teclados bien puestos de Schnell y esa frase del estribillo para el recuerdo “one night in the city, one night looking pretty”, los coros finales con la voz distorsionada también mola mucho. Gran canción.En plan heavy directo y al mas puro estilo Dio de “Straight to the heart” o “Like a beat of the heart” suena potente “Eat your heart out”, con riff cañero de Vivian y sonido poderoso.Un par de temas nos queda por comentar de los nueve que lleva la obra, la discreta “Mystery” con un aire a “Rainbow in the dark” en los teclados, pero mas sencilla que aquella (del estilo que luego repetiría en “Hungry for heaven” del “Sacred Heart” posterior) y la épica “Egypt” de siete minutos de duración que vuelve a reflotar un aire Black Sabbath por el tempo y el riffeo, a mi particularmente no me mata pero reconozco su calidad, con el exotismo que respira y lo bien que canta nuestro ídolo.Un excelente disco en el que podemos disfrutar de 41 minutos del mejor Ronnie, con grandes temas y encomiable trabajo del sensacional Vivian Campbell, al cual pongo 9 Jalfords sin dudarlo.Ronnie, te echaremos de menos estés donde estés, tu legado permanecerá en nosotros siempre, genio.
Supone cierto riesto el catalogar al grupo Dio como el mejor de la historia del heavy metal. Quizá lo má atinado será dejar en que es uno de los mejores grupos con los que definir la esencia del sonido heavy metal, que no es poco. Como solista, no es nada exagerado colocar a Ronnie James Dio como la mejor voz del heavy metal. No lo digo yo. De hecho, lo llaman la voz del heavy metal.Holy Diver es otro de esos discos que me impidió seguir con la tarea o la actividad que estuviera haciendo aunque tengo que reconocer, en honor a la verdad, que tanto la primera obra de Dio en solitario como su segundo disco The last in line causaron la misma sensación en mí.De hecho, no les dedico apartados diferentes porque en mi memoria los mantengo unidos, como si los hubiera escuchado ambos seguidos, cosa que pudiera ser; ha pasado demasiado tiempo ya.En la primera escucha, el comienzo "Stand up and shout" es puro heavy metal. No es para menos con los nombres que formaban la banda, la voz de Dio y las guitarras del Vivian Campbell descargaban electricidad, a los que hay que añadir el talento de la base rítmica, Vinny Appice y Jimmy Bain.Desde la primera escucha del disco, ese guitarrista pasó a ser uno mis favoritos para siempre, aunque después de Dio, fue pasando sin pena ni gloria por otras formaciones, Whitesnake, Def Leppard, por nombrar las más conocidas… Dio, se convirtió en una banda emblemática dentro del heavy metal mundial, a pesar de que me costara asimilar la ausencia de Vivian durante años, en discos como Dream Evil al que le noté enseguida la ausencia del guitarrista o de la parafernalia que montó para su siguiente plástico, Lock up the wolves buscando en un gran casting y presentando después en un pedazo reportaje para Metal Hammer, el que yo leí, al jovencísimo talento Rowan Robertson. ... Después del trallazo de inicio el casete continuaba escupiendo heavy metal con esa intro que te envolvía en una total incertidumbre para presentarte un medio tiempo tan característico del sonido Dio “Holy diver” “mmmmmm…” y otra vez un solo impresionante de Vivian. “Don’t talk to stranger” vuelve a romper todos los esquemas, tras una intro lenta, el riff, heavy metal del bueno; me vuelve a seducir, otra maravilla de solo y de repente, “Rainbow in the dark” (¿quién dijo que al heavy metal no le pegaban los teclados?). Un riff único, unos teclados inolvidables, un tema cargado otra vez de esa magia que me hacía corretear de un lado a otro.Hasta nueve temas todos ellos convertidos en la banda sonora de aquellos tiempos heavys y del resto de mi vida, a los que se les sumarían otros tantos, "We rock", "King of rock and roll", "I speed at night", "Hungry for heaven", "Rock and roll children", "Egypt", "Dream Evil", "Wild one", "Killing the dragon" por mencionar algunos.La portada de Holy diver marcó especialmente a mi hermano. Tampoco la de The last in line tenía mal mensaje, que me explicaba cómo el que se ahogaba envuelto en cadenas era un cura, detalle del que yo no me había dado cuenta, mientras que el personaje que domina la escena es… ¿Murray? ¿El mismo diablo? Se compró una camiseta con la portada del disco impresa, camiseta que yo heredaría cuando iba camino de la basura y a la que le saqué otro verano más algún año mas tarde.
Como bien leí del gran Cesar Fuentes Rodriguez (una de mis grandes influencias en el periodismo musical ademas de ser alguien a quien aprecio y respeto mucho) en su pagina oficial de Facebook hablando de los supuestamente irónicos comentarios acerca del disco en cuestión diciendo que ¨ahora a estos viejitos se les da por hacer covers¨ cuando es algo que desde sus inicios han hecho. Obviamente esta en todo lo cierto en sus palabras. Sin ir más lejos ¨Kentucky woman¨ ¨River deep, mountain high¨ ¨Hey Joe¨ por citar algunos ejemplos son covers y aparecieron en los primeros discos de los ingleses y uno de los padres del rock duro Deep Purple. Están pasando cosas raras últimamente en algunas paginas referidas al rock y metal donde una en particular se la pasa posteando memes, no voy a nombrar a esa pagina para evitar problemas pero seguro varios por ahí saben a cual me refiero (Si ellos se hacen cargo es porque tienen cola de paja, como decimos en Argentina) donde se fomenta mas la cultura del trolleo y decir cosas a la ¨que me importa¨ que de la información y después la gente comenta burradas como la que remarco el bueno de Cesar. De hecho este año Saxon edito un disco de covers y no leí a nadie quejarse, pero bueno para que gastar pólvora en chimangos! Terminada esta disertación finalmente tenemos entre nosotros el anunciado disco ¨enteramente¨ de covers de Deep Purple y debo decir que la pase bastante bien escuchándolo!¨Turning to crime¨ dejando ya de lado de que se trata es el disco donde el legendario quinteto agrupa artistas disimiles de Blues, Folk, Country y hasta el Rock cosecha 50’ en versiones muy bien recreadas y de manera respetuosa acorde a las posibilidades de sus integrantes. El resultado al menos a mi me pareció disfrutable y satisfactorio que arranca al mango con 7 and 7 is de Love donde a Ian Gillan pese a notarlo un poco mas exigido sale airoso mientras el resto del grupo el guitarrista Steve Morse, el bajista Roger Glover, el Tecladista Don Airey y el baterista Ian Paice lo secunda muy bien, seguido de la onda cincuentosa de Rockin’ Pneumonia And The Boogie Woogie Flu de Huey ¨Piano¨ Smith donde Don Airey recrea de manera genial el piano divertido de Smith. Oh Well de Fleetwood Mac les sienta de maravillas la veta blusera sumado al sonido característico Purple. La onda folk rock de Watching the river flow de Bob Dylan aunque no les quedo muy cómoda que digamos en algunos pasajes la misma va para adelante y entretiene sin más. Let The Good Times Roll de Ray Charles & Quincy Jones me ha gustado cómo quedo esa onda jazz blusera del tema original con la onda Purple. Tal vez les costo un poco mas Dixie chicken de Little Feat en eso de trasladas la onda country/rock/blusera de la original, igual nada grave. Un poco mejor les va con Shapes of things de The Yardbirds (la primer banda de Jimmy Page) aunque no tenían que esforzarse mucho la misma zafa bastante. La rockera Lucifer de Bob Seger System les quedo bastante cómodo al grupo, lo suficiente para meter sus yeites tan características. Luego le toca el turno a la archi conocida White Room de Cream que aunque carece de la intensidad y la potencia que le dio Ace Frehley en ¨Origins pt 1¨ (2016) les ha quedado bastante bonita puesto que el lineamiento rockero y melódico de la original acá es enriquecido por las teclas dramáticas y en plan colchón de Airey. Para el final se guardan lo mejor: Caugh in the act un muy buen medley donde suenan fragmentos de ¨Green onions¨ de Booker T & The MG’s, algunos riffs de Allman Brothers band, Jeff Beck Group, una partecita de ¨Dazed and confused¨ de Led Zeppelin y cierra con ¨Gimme some lovin’¨ de The Spencer David Group que aunque Gillan acá canta en tonalidades bajas ha quedado muy bien y cierra el disco de muy buenas maneras.La producción del disco pese a ser bastante homogénea ha quedado bastante bien con las recreaciones disimiles en estilos que ha abordado la banda, logrando un producto que suena como parte de un todo. Deep Purple así homenajea a muchas de sus influencias y coetáneos de manera muy respetuosa y digna que a mí por lo menos me ha gustado bastante. Para los fans de este tipo de curiosidades y más viniendo de una leyenda como ellos merece sin dudas una o varias escuchas.¡LARGA VIDA A LA PURPURA PROFUNDA!Deep Purple:Ian Gillan: vozSteve Morse: guitarraDon Airey: tecladosRoger Glover: bajoIan Paice: bateriaTracklist: 01. 7 And 7 Is (LOVE)02. Rockin’ Pneumonia And The Boogie Woogie Flu (Huey «Piano» Smith)03. Oh Well (FLEETWOOD MAC)04. ¡Jenny Take A Ride! (MITCH RYDER & THE DETROIT WHEELS)05. Watching The River Flow (Bob Dylan)06. Let The Good Times Roll (Ray Charles & Quincy Jones)07. Dixie Chicken (LITTLE FEAT)08. Shapes Of Things (THE YARDBIRDS)09. The Battle Of New Orleans (Lonnie Donegan/Johnny Horton)10. Lucifer (BOB SEGER SYSTEM)11. White Room (CREAM)12. Caught In The Act (Medley)
Con una carrera de cincuenta años a sus espaldas, habiendo contribuido de manera inequívoca a la construcción, evolución y asentamiento de un género como es el rock duro, sin nada que demostrar a estas alturas, DEEP PURPLE siguen sacando grandes discos, ajenos a modas y sin ningún tipo de pudor ante las comparaciones que pueda haber entre la música de nuevo cuño y la de su glorioso pasado.Lo dije en 2017 y lo repito en 2020: ¡DEEP PURPLE han sacado un señor discazo! Sólo que en aquella ocasión el encabezado de la reseña ponía “Infinite” y en esta ocasión es “Whoosh!” Podemos perder tiempo diciendo que ya no son los mismos que en “Perfect Strangers” o “Made in Japan”, que Gillan no conserva los agudos de antaño o que sin Blackmore la magia se desvaneció. Pero sinceramente, yo prefiero concentrarme mis energías en disfrutar de lo que tenemos entre manos. Porque es realmente bueno. Propio de maestros. Sí, con un Gillan más comedido, pero a la vez usando sus cada vez más limitados -por la edad y los excesos de antaño- recursos de una manera sabia. Con un Don Airey que nos hace volar con sus teclados. Con esa magistral base rítmica compuesta por Ian Paice y Roger Glover dando a cada tema lo que éste requiere. Y con un Steve Morse a la guitarra pletórico, aunando técnica y sentimiento, como ha hecho siempre durante sus veintiséis años de carrera dentro de PURPLE.Ellos mismos comentan que el productor Bob Ezrin les dio como máxima el disfrutar del estudio, dejando que cada canción creciera por su propio camino. Gracias a ello, tenemos cincuenta y un minutos de disfrute, donde intuimos una banda detrás pasándoselo bien, disfrutando de tocar juntos, ejerciendo su trabajo con pasión.Y esto es ni más ni menos lo que encontramos en “Trough my Bones”, el rockero inicio repleto de buen gusto, elegancia y ese pique de solos entre guitarra y teclado tan marca de la casa, con un Gillan comedido pero dando a la vez lo que la canción le reclama. Más vacilona y bailonga es “Drop the Wagon”, con la que es difícil que los pies se te estén quietos a lo largo de su duración. Me encanta como entra el coro de voces en el estribillo, me suena muy a directo con los distintos timbres y tesituras de cada una de las voces que lo ejecuten. Su hammond tan de la escuela Jon Lord -¡que en paz descanses!- con ese gran solo a la mitad en el que Airey recoge toda la esencia del mítico teclista al que sucedió hace varios años. En una onda parecida, con un interesante riff la mar de dinámico tenemos “We’re all the same in the Dark”, aunque la que realmente me ha conquistado de este primer bloque de inicio es “Nothing at All” y su gracioso juego de figuras melódicas que se replican entre Don y Steve, demostrando que la velocidad a la hora de interpretar una escala no está reñida con el buen gusto y hacer que ésta pueda ser tarareada. La simpleza de la base rítmica, con un simple 4×4 llevado sin mayores artificios que el de atacar los platos cuando se cambia de registro y las tónicas dadas por el bajo, llevan al tema en volandas.Seguimos con las buenas sensaciones con un “No Need to Shout” que se mantiene en esa misma tónica rockera donde destaco por un lado las síncopas de dos notas que el teclado ejecuta tras cada vuelta de estrofa y por el otro esa voces panoramizadas que dan al color al estribillo junto a ese piano que tímidamente va entrando hasta que se desata del todo en otro pedazo de solo del señor Airey.Me ha llamado mucho la atención “Step by Step” con su órgano de iglesia aportando un aire lúgubre, la melodía de las estrofas con el coro a tres golpes, muy original y ese filler de teclado y más tarde de guitarra tras cada estribillo. Un tema curioso, con un contenido muy PURPLE aunque a la vez original.Con “What the What” no puedo hacer otra cosa que no sea imaginarme a la banda en un bar de carretera tocando ante una audiencia que está disfrutando tanto como los músicos, con ese rock&roll vacilón, donde el piano y la desenfadada manera de cantar de Gillan son protagonistas.Para “The Long Way Round” nos proponen un cambio de tuerca rítmico, pasando a un modelo más dinámico, casi atresillado, que le da un groove muy acertado al tema hasta que este rompe de registro abriendo su espectro y sus acordes cuando llega el coro y la coda en la que la melodía de guitarras le da la réplica al vocalista. ¡Sensacional! Rompe totalmente con el minimalista “The power of the Moon” en el que una sencilla base de Paice es casi protagonista absoluta, desnuda con el resto de instrumentos muy bajitos en la mezcla. Porque para lucirse ya tenemos el corto instrumental “Remission Impossible” donde los piques entre las seis cuerdas y las teclas están en su punto álgido durante el minuto y medio que dura.La recta final no baja el nivel un ápice. Desde la mística “Man Alive” con la que juegan a mezclar los pasajes más calmados, carente de base, con otros más animados, hasta la rockera “And the Address” en la que se marcan otra pedazo de instrumental alucinante donde Morse tiene su merecidísima parcela de esparcimiento guitarrero, hasta la final “Dancing in my Sleep” donde las bases sintetizadas se hacen con los mandos en un tema donde pareciera que PURPLE coquetearan con la idea de convertirse en David Bowie.Y no me dejo de lado la curiosa portada con el astronauta difuminándose mientras camina por desiertos parajes con el espacio sideral de fondo. Una figura a la que están sacando partido en sus videoclips realizados para este álbum y a la que se le pueden sacar multitud de interpretaciones que a la vez puedan ser tan acertadas o absurdas las unas como las otras; y desde aquí aprovecho para saludar a los que como yo sean fans de “Avengers: Infinity War”; ellos sabrán el por qué al ver el dibujo que ilustra este “Whoosh”.Poco más me queda por decir. Queda claro tras mi exposición que, para el que firma, uno de los discos del año tiene nombre de onomatopeya. ¡Disfrútenlo!J. José Jiménez – J_Jose_Jimenez@RafaBasa.com – www.twitch.tv/metal_dj_phoenixLista de Temas:Throw My BonesDrop The WeaponWe’re All The Same In The DarkNothing At AllNo Need To ShoutStep By StepWhat the WhatThe Long Way AroundThe Power of the MoonRemission PossibleMan AliveAnd the AddressDancing In My Sleep
Nuevo disco y posiblemente el epílogo de la banda más grande que ha dado el Hard-Rock en toda su historia, DEEP PURPLE, un álbum que cuenta con algunas joyas que se quedaran en nuestra vida ya de por vida como “The Surprising” o “Birds of Prey”. He leído que si han perdido las ideas, que si Gillan ya no canta como antes… Es verdad que no es un “Machine Head” ni un “In Rock”, pero es un disco más que decente de una banda que los componentes rondan los 70 años y que han sacado una maravilla en el año 2017. Que Ian Gillan no canta como antes vamos a dejarlo, dudo que exceptuando a Ronnie James Dio, que lo suyo no era normal, nadie canta como cuando tenía 30 o 40 años, pero vamos a analizar el disco que eso es lo que cuenta.“Infinite” comienza con el primer single adelanto que salió por el mes de enero, “Time For Bedlam”, canción que comienza con una voz robotizada y va entrando poco a poco hasta convertirse en un tema muy de la saga Purple de los últimos años, con un solo a medias entre Don Airey y Steve Morse que hará las delicias de los más fans. “Hips Boots” es posiblemente el tema más flojo del disco, rock’n’ roll setentero pero sin gancho, sigue sonando a Purple pero de esos temas de relleno que nos han acostumbrado en sus últimas obras, pero solo es un espejismo…El segundo single de “Infinite” es el que viene a continuación, “All I Got Is You”, tema que va entrando poco a poco y la primera vez que la escuchas te quedas un poco frio, pero que el tiempo gana y mucho, ya que lo tiene todo, es pegadizo, contiene grandes riffs y un gran Gillan. “One Night In Vegas” es uno de esos temas que tanto le gusta hacer a la banda, uniendo el rock’n’roll con el rock sinfónico, y Gillan cantando como si nos estuviese contando la historia de algo que le pasó en la famosa ciudad de Nevada, grandes melodías que se unen a la fuerza de una maquina más que engrasada.Un redoble de batería de Ian Paice nos va metiendo en “Get Me Outta Here”, con un sonido buscado para que los tambores suenen un poco por encima del resto, logrando que la base rítmica destaque sobre los demás instrumentos, y con un impresionante solo de teclados de Don Airey. A continuación llega la joya del disco sin duda, este tema no sé cuantas veces lo habré escuchado desde que me compré el disco, solo sé que cada vez que lo pongo, más me emociono, esto es Deep Purple en estado puro. Va entrando lento y subiendo poco a poco para convertir “The Surprising” en una obra maestra del año 2017, como bien he dicho antes Deep Purple en poco tiempo nos dejará, pero obras de arte como esta estarán siempre con nosotros. Si hay alguien que destaca en esta canción es el enorme Steve Morse, sus guitarras suenan a oro puro, es de otra galaxia este hombre.Llega el tercer single y video-clip de este álbum, “Johnny’s Band”, canción dedicada al desaparecido Johnny Clash, tema muy comercial al estilo de su anterior disco “Now What?!», otro tema a destacar de este “Infinite”, muy alegre y divertido (aunque la letra no lo sea), muy fiestera y de ese estilo que tanto nos gusta a los verdaderos fans de estos dioses ingleses.El otro tema que podríamos decir de relleno es “Top Of The World”, muy simplona para un disco tan redondo y con tanta calidad, no es mala ni mucho menos, pero tampoco me dice nada, evidentemente la música está ahí y suena a lo que tiene que sonar pero no la destacaría entre las mejores y menosaún viendo lo que viene a continuación.Y es que ahora es el turno de otra maravilla de “Infinite”, “Birds of Prey”, una canción que al igual que “The Surprising” sé que quedará como una de las últimas joyas que grabó Deep Purple. En este tema el que brilla sobremanera es Steve Morse, con un solo que deja en ridículo a más de uno de los llamados guitar-heros. Es sublime por dónde lo pilles, la suavidad y al mismo tiempo fuerza que tiene la canción es digna de todos los elogios habidos y por haber. Gracias por componer algo así, la estoy escuchando en este momento y sigo alucinando, como lo haré dentro de 10, 20 o los años que viva.El disco se cierra con una versión blues del “Roadhouse Blues” de The Doors, menos acelerada que la original, pero con mucha más harmónica, un tema que no es mejor que el original pero sí que es una bonita forma de cerrar el disco.En resumidas cuentas estamos hablando de un gran disco, quitando un par de temas, de una banda que tanto ha hecho por el Hard-Rock y el Heavy Metal. Son unos de los padres de nuestro rollo y solo por eso se merecen todo el respeto del mundo. Así como hay otras bandas que no voy a mencionar y que todos sabemos y conocemos que llevan viviendo del cuento y sin sacar álbumes en años e incluso décadas, ellos han apostado por un disco lleno de buen Hard-Rock y Rock’n’roll, y yo particularmente les estoy agradecido por ello, tenemos clásicos que perduraran por siempre en “Infinite” y que tenemos que abrazar con fuerza, pues estas canciones ya son parte de la historia de unos dinosaurios que tanto nos han dado.El disco trae un DVD muy interesante con subtítulos en español y en el que cuentan cosas del día a día de la banda e incluso cuando se fue Ritchie Blackmore o como afectó a Deep Purple la muerte de Jon Lord, solo por esto ya vale la pena comprarse el disco. La banda estará de gira por nuestro país a principios de Julio, con fechas en Madrid, Barcelona y Bilbao y yo por lo menos no pienso perderme su concierto en el Rock Fest Barcelona, está será la gira de despedida y si eres amante de la buena música no puedes perdértelos.
Now What?! —en español: ¡¿Y ahora qué?!— es el decimonoveno álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple y fue publicado el 26 de abril de 2013.4 El álbum fue producido por Bob Ezrin, las mezclas estuvieron a cargo del mismo Ezrin con Justin Cortelyou y la masterización la realizó Eike Freese. La banda habilitó un sitio web oficial para las novedades sobre el disco. Es el primer álbum de estudio de Deep Purple en más de siete años, desde que Rapture of the Deep fuera lanzado en noviembre de 2005.El 26 de febrero de 2013 fue anunciado el título del álbum.5 El 29 de marzo del mismo año fue lanzado un sencillo con los temas "All the Time in the World" y "Hell to Pay" en formato CD y disco de vinilo.
Rapture of the Deep es el decimoctavo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado el 1 de noviembre de 2005. Al igual que Bananas, el disco contó con una buena acogida entre público y crítica. Además, fue el primer álbum de la banda en entrar en las listas estadounidenses desde The Battle Rages On, alcanzando el puesto 43º. La canción "Wrong Man" fue escrita basándose en la vida de Wayne Williams, que fue culpado de asesinato de varios niños y encarcelado en los Estados Unidos.
Nos las pasamos perpetuamente alabando sus irrefutables obras maestras – “In Rock” de 1970, “Fireball” de 1971 y “Machine Head” de 1972–, porque son coronas incontestables del Rock pesado de siempre, pero es indudablemente sublime darse un repaso desde que el Púrpura Profundo nos venía como la más pura psicodelia, adosada entre Blues, sinfonías y compases vanguardistas, hasta el par de optimistas álbumes que nos despacharon en la recién acabada década. Con mayor o menor atino, todo lo que hubo rodeado al genio Jon Lord a lo largo de su vida –la auténtica cabeza del combo, que lamentablemente se nos fue en el 2012 al Olimpo del Rock– y los músicos que le acompañaron como sello inconfundible por décadas –el proverbial hombre de negro, Ritchie Blackmore; el corcel melenudo, David Coverdale; el hombre de las treinta mil voces, Ian Gillan, y los invencibles Roger Glover e Ian Paice, entre otras bestias como Glenn Hughes, Joe Lynn Turner y el injustamente infravalorado Tommy Bolin–, dejando una huella imborrable en cada producción, no es para ignorar o pasar por alto. No cuando abunda tanta calidad en cada una de las llamadas “Mark” –formaciones– que han desfilado bajo la bandera de DEEP PURPLE, no únicamente la más reconocida.Discazos como “The House of the Blue Light” –1987–, “The Battle Rages On…” –1992– o los degustables primeros con el señor Steve Morse –que a diferencia del misticismo y el clasicismo del señor Blackmore, nos ofreció un estilo más técnico y Heavy–, “Purpendicular” –1996– y “Abandon” –1998–, y que de una u otra forma nos avisaba de lo que estaba por avecinarse–, quizás no vengan sino a levantar algo de polvo de lo que ha sido una banda a todas costas imbatibles, pero dejo en claro que es difícil que quien se adentre en ellos no los acabe gozando como poco, pues la magia purpleniana se mantiene siempre allí, no se aleja en ningún momento.La llegada de Morse nos permitió apreciar a unos PURPLE más macizos y frescos, otorgándole una menor nostalgia a la despedida definitiva de quien fuese su guitarra ícono, pero el retiro de Lord nos cayó como balde de agua fría. ¿Quién podría compararse ante semejante compositor para ocupar su irremplazable lugar en la banda? Y, volviéndome a citar, es que nadie cercano a los PURPLE es cuando menos un positivo acierto. Con dolor nos despedimos de Lord hasta su posterior fallecimiento, pero nos dejó a nada menos que a Don Airey; tecladista tan mítico como el mismísimo antecesor. Y es, pues, con el señorón “Bananas” –2003– que se nos abre la última Mark de la agrupación, vigente hasta la actualidad, comunicando todo lo que se espera de una banda que no defrauda ninguna vez.“Bananas” nos ilustra con una portada y una temática algo melancólica, dado que desde “Purpendicular” los PURPLE se nos ponen más sociales e intelectuales, escribiendo líricas sobre intérpretes desafortunados, abandono, esposas malhumoradas y en ocasiones también de noches desequilibradas y la constante vida en el escenario… pero en lo musical se nos desvelan en un estado envidiable. Ian Gillan –el vocalista predilecto de quien les escribe– luce su poderosa garganta como si aún fuera un veinteañero que nos relataba la pasión por su automóvil o la idiotez de un fanático que ocasionó un incendio con una bengala, mientras Morse factura riffs sofisticados y muy gancheros, con respaldo de la imbatible dupla Glover-Paice que pasan de una excitante rítmica Blues a un Rock estridente y la clase de Airey, que se nos exhibe célebre y distinguido, nada preocupado por no estar a la altura de Lord, pues desde que le oímos soltarse sus primeros solos en el corte inicial, uno sabe bien que no dejará a nadie indiferente en su primera participación oficial con la banda.Y no sólo la flamante apertura con “House of Pain” sirve para engancharse inmediatamente con nada menos que el decimoséptimo trabajo de la banda, porque con inmensas apologías rockeras como “Razzle Dazzle”, “Silver Tounge”, “Picture of Innocence” y la homónima “Bananas” tenemos garantizado 100% el estilo purpleniano tradicional, con guiños a sus temas más representativos de los setenta pero a la vez erigiéndose como tramas muy sobresalientes en el nuevo milenio. “Silver Tounge”, por ejemplo, es fácil, fácil uno de los mejores performances con el que nos ha embestido el buen Morse en estos años, e imposible dejarnos de lado la dupla de solos entre él y el señor Airey en cada una de estas piezas, con un “Picture of Innocence” y un “Bananas” que nos resignan plácidamente al indispensable deleite de un Gillan travieso y pletórico, ofreciendo sus características melodías vocales en las parcelas donde jamás erra a sus anchas.Entre la docena de composiciones, además de los altísimos puntos altos mencionados, asimismo encontramos temas más reposados y armoniosos, como el apasionante “Sun Goes Down” –otro de los cortes más memorables del álbum–, la emotiva balada y sencillo “Haunted” –con un arreglo de cuerdas por parte de Paul Buckmaster y un enternecedor coro góspel socorrido por la preciosa Beth Hart– y un parsimonioso y heroico “Walk On” –que aparte de proporcionarnos en ocasiones la impresión de un Reggae sublime, cuenta con un ingenioso solo del guitarrista Michael Bradford–. Sin dudas, estas tres canciones son un excelente complemento al sentir más guitarrero y movido del disco, donde hallamos a DEEP PURPLE dando pie a multitud de terrenos donde surgen celebérrimos, pues entre baladas y temas sensibles para después ahondar en las típicas secciones Heavy Rock –aprovechando una de sus producciones más impecables en cuanto a sonido–, uno nota el perfecto equilibrio del que solemos enamorarnos en cada trabajo de esta agrupación.Sin embargo, ¿dónde dejarse una oda muy bien trabajada como “I Got Your Number”? Si bien hay temazos que superan a otros, todo el álbum está formidable. Aquí nos encontramos con canciones que cuestan más apreciarlas que las que anteriormente he desarrollado, pero no por ello faltas de gallardía y buena vibra. “Never a Word”, la más discreta del plástico, suele hacer el viaje hondo, con un panorama acústico y de cierta reminiscencia psicodélica que nos recordarán a su álbum debut. Con todo, “Doing It Tonight” arrasa con precipitación, dejando a Glover lucir un Slap que acompaña certeramente toda la pieza, como así Morse –pues este señor se roba el espectáculo por todo el álbum– nuevamente exporta solos voluptuosos y desenfrenados, como los que no podemos dejar de mencionar en los últimos años de DEEP PURPLE. Aunque el cierre con “Contact Lost” permite oír un instrumental muy apesadumbrado, compuesto por él mismo cuando escuchó la noticia de la muerte de los astronautas del Columbia. Un cierre un tanto desesperanzador, pero a la vez como un sentidísimo homenaje al que no puedo dejar de recalcar.“Bananas” incontestablemente es otro de los discos de los PURPLE a los que hay que tener siempre en cuenta, más allá de sus discos por excelencia. Un trabajo así no pasará a la historia como un clásico de la banda… pero es evidentemente imposible no encontrar, especialmente aquí, tanto para alabar como para disfrutar, con una variedad y algunas joyas menores que encarnan algo de lo más espectacular que los inmortales DEEP PURPLE nos han ido dejando como testamento en su perfecto ocaso, que lejos de irse moribundos y fracasados, dándonos una despedida mediocre e incauta, les permite dejar este mundo con la frente en alto, saliendo por la puerta grande hacia el paraíso de la música. Aunque este destacado “Bananas” nos presintió la que sería la ausencia definitiva del gigante Lord, éste permitió al simpático Airey tomar su lugar, y en ninguna ocasión pierde exhalación, como así la distinción del Gillan certero alegra cada tema, al igual que el bajista por excelencia del grupo –que nos regala notables líneas de bajo a lo largo de cincuenta minutos de disfrute– y un Paice que a punta de cencerro y luego una métrica perfecta explica muy bien sin palabras porque ha sido el único baterista después de tantas décadas.Puede que mañana ya te hayas olvidado de “Bananas”, pero recuerda que siempre estará por ahí, exhibiendo otro magno éxito de una de las agrupaciones más asombrosas de este extraordinario Rock nuestro. Junto a “Rapture of the Deep” –2005– y “Now What?!” –2013–, un discazo para disfrutar a esos PURPLE que tanto nos encantan en los últimos y enigmáticos veinte años.Y que en paz descanses, Jon Lord. Una de las figuras más representativas que hayamos conocido en el vasto mundo de la música. Maestro como pocos. Autor de composiciones inmortales, tanto así como el mismísimo Blackmore y sus riffs imperecederos. Pero gracias a Airey, aún sentimos al querido tecladista en cada canción que componen. Su alma vive en ellos, y “Bananas” es perfecta muestro de ello.
Abandon —en español: Abandonar— es el decimosexto álbum de estudio de la banda británica de Heavy Metal Deep Purple, y último con Jon Lord, publicado el 2 de junio de 1998.El título es un juego de palabras inventado por Ian Gillan (A band on). La canción "Don't Make me Happy" fue masterizada en formato monoaural debido a un error, pero no fue arreglada antes de la publicación del trabajo. Se rumorea que la letra de la canción "Fingers to the Bone" puede hacer referencia al antiguo guitarrista de la banda: Ritchie Blackmore.Presenta una canción regrabada del disco Deep Purple in Rock, "Bloodsucker", que aquí aparece como "Bludsucker".
Purpendicular es el decimoquinto álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado en febrero de 1996 en el Reino Unido y dos meses después (abril de 1996) en los Estados Unidos. El título es un juego de palabras entre el nombre del grupo y la palabra "perpendicular", de idéntica escritura en inglés.Es el primer álbum con el guitarrista Steve Morse, antiguo guitarrista de Dixie Dregs, quien había sustituido a Ritchie Blackmore en 1993. En consecuencia, este álbum marca un punto de inflexión en el sonido del grupo debido al estilo de Morse, diferenciándose entre la era Blackmore y la era Morse. La música se centra más en el sonido de la guitarra y relega a un segundo plano el teclado de Lord.Durante la gira de 2002 ejecutan el tema «The Aviator» con la novedad que Roger Glover y Steve Morse le agregan coros.1 Esto es una rareza ya que la banda no acostumbra a incluir voces de apoyo en sus presentaciones en vivo.
The Battle Rages On... —en español: La batalla continúa...— es el decimocuarto álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado en julio de 1993, siendo el primero con el vocalista Ian Gillan después de su salida del grupo en 1989.Grabación y contenidoEste disco marcó un cambio importante para Deep Purple, dado que es el último álbum con Ritchie Blackmore, quien abandonó la banda en noviembre de 1993 debido a sus diferencias con Gillan y el resto del grupo. Durante la grabación de las pistas básicas, Joe Lynn Turner aún permanecía siendo parte de Purple, pero dada la inconformidad del resto de los integrantes por el nuevo trabajo de estudio a cargo de Ritchie Blackmore, Turner fue despedido y en abril de 1992 Ian Gillan se reincorporó, pero sin la aprobación de Blackmore. Las canciones fueron reescritas por Gillan y las voces fueron agregadas en Nueva York, en donde también fueron mezcladas las cintas.
Slaves & Masters —en español: Esclavos y amos— es el decimotercer álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado en octubre de 1990. Es el único álbum que incluye a Joe Lynn Turner como cantante, después de que Ian Gillan fuera despedido en 1989. Las ediciones del disco en Vinilo y en CD presentan un distinto orden en sus canciones. Las canciones "King of Dreams" y "Love Conquers All" fueron editadas en videoclips para apoyar la promoción del disco.Durante la gira mundial también se incluyeron "Burn", un fragmento de "Long Live Rock 'n' Roll" y "Hey Joe", las cuales habían sido vetadas por Gillan, desde la reunión de la banda en 1984.La canción "Too Much Is Not Enough", fue regrabada luego por Joe Lynn Turner en su disco solista Hurry Up And Wait.
The House of Blue Light —en español: La casa de luz azul— es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado en 1987. Es el segundo disco publicado por la formación clásica de la banda (Blackmore, Gillan, Lord, Paice y Glover) desde la reconciliación del grupo en 1984.La creación de este álbum fue un proceso largo y dificultoso. Ritchie Blackmore señaló que la mayoría de las canciones habían sido grabadas más de una vez debido en parte a las constantes discusiones de los miembros sobre cuestiones musicales. Esto fue remarcado por Gillan quien dijo que no sentía el espíritu de la banda en este trabajo. Los temas "Call of the Wild" y "Bad Attitude" fueron editados en videoclips para apoyar la difusión del álbum.En su versión en LP, varias de las canciones son más cortas que en el CD. La reedición de 1999 incluyó las versiones del LP, con la correspondiente reducción en el tiempo total.
Perfect Strangers —en español: Perfectos extraños— es el undécimo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado el 29 de octubre de 1984. Es el primer álbum del grupo después de su separación en 1976 y el quinto de la formación clásica (Gillan, Blackmore, Paice, Lord y Glover) desde Who Do We Think We Are en 1973.
Las versiones en LP y Casete presentan 8 temas mientras el CD del disco contiene la canción extra "Not Responsible". Perfect Strangers fue remasterizado y reeditado el 22 de junio de 1999 esta vez con los 9 temas y además con otra canción extra, "Son of Alerik", que había sido publicada anteriormente como cara-B del sencillo "Perfect Strangers".
El disco alcanzó el 5º puesto en Gran Bretaña y el 17º en el Billboard 200 de los Estados Unidos. "Knocking at Your Back Door" ha sido la canción con más cambios tonales que ha sufrido cuando se ha tocado en vivo. "Perfect Strangers", "Knocking at Your Back Door", "Under the Gun" y "Nobody's Home" fueron editadas en videoclips para apoyar la promoción del álbum.
Come Taste the Band es la bisagra entre Stormbringer de 1974 y Perfect Strangers de 1984 y punto final de los años clásicos de la agrupación que para entonces estaba conformada por Dave Coverdale en la voz, Glenn Hughes al bajo, Ian Paice en la batería, Jon Lord (†) en las teclas y Tommy Bolin (†) en la voz y guitarra, encarnación púrpura conocida como Mark IV.
Bolin había sustituido a Ritchie Blackmore tras su sorpresiva partida del grupo que ayudó a fundar, para darle vida a Rainbow, cuyo álbum debut fue publicado varios meses antes que éste.
Son los protagonistas de nuestro celebrado disco que fue grabado en Musicland Studios de Munich, Alemania, para el sello Purple bajo la producción de Martin Birch y Deep Purple. En sus 37’16”, la banda desgrana nueve composiciones. El preámbulo de este emblemático disco es una copa de vino con los rostros de los integrantes de Deep Purple.
Inicia el repertorio con “Comin’ Home”, canción escrita por Bolin, Paice y Coverdale. El explosivo comienzo antecede la letra que en parte de sus versos nos dice: “Mamá me enseñó a mecerme en la cuna pero yo aprendí a rodar al mismo tiempo, mi papá decía, hijo debes divertirte, porque cuando estés viejo no será así, llevas tiempo sin escuchar mi canción, tomaré mi guitarra y tocaré, me sentí tan mal cuando te dejé, pero supe que regresaría algún día.”
Stormbringer es el noveno álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado en noviembre de 1974. En esta obra se explora el funk y el soul de un modo más amplio que en Burn.
En el proceso de creación del disco el guitarrista Ritchie Blackmore nunca pudo concentrarse completamente en ayudar a sus compañeros debido a que se encontraba profundamente afectado por su reciente ruptura matrimonial. Por esta razón, el bajista Glenn Hughes influye notablemente en el sonido del álbum con ideas funk y soul. Esto terminó por afectar la convivencia entre los integrantes del grupo ya que Blackmore mostró total disconformidad con el nuevo sonido de la banda llegando a calificar al álbum como "una reverenda porquería". Ritchie dejó la banda poco después de la edición de este disco.
El título de la canción proviene de una espada ficticia llamada Stormbringer y presente en la obra fantástica del escritor Michael Moorcock.
La portada del álbum procede de una fotografía tomada por Lucille Handberg. Handberg se encontraba el 8 de julio de 1927 en el pueblo de Jasper, Minnesota, EE. UU., cuando un tornado cruzó los alrededores y ella lo fotografió. Esta imagen se hizo famosa con el paso de los años. La banda tomó esta foto, la editó y luego la utilizó como portada del disco.1
Stormbringer estuvo más de veinte años descatalogado en los Estados Unidos, pero se editó una nueva versión remasterizada y con temas extra en la primavera de 2008. La canción "Soldier of Fortune" fue versionada por artistas como Opeth, Whitesnake, Black Majesty y Blackmore's Night, mientras que Turmion Kätilöt hizo lo propio con "Stormbringer".
Burn —en español: quemar— es el octavo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, grabado en Montreux, Suiza, en noviembre de 1973 con el estudio móvil de los Rolling Stones y publicado en febrero de 1974. Es el primer álbum de la banda con el vocalista David Coverdale y el bajista y vocalista Glenn Hughes, en sustitución de Ian Gillan y Roger Glover respectivamente. Con estas incorporaciones, el sonido de la banda evolucionó hacia el boogie, incorporando elementos del funk y el soul que se harían más patentes en el siguiente disco, Stormbringer. Fue uno de los primeros álbumes de la historia en ser anunciado por televisión.
Who Do We Think We Are? —en español: Quién Nos Creemos Que Somos?— es el séptimo álbum de estudio de la banda británica de hard rock Deep Purple, grabado en Frankfurt y Roma en el estudio móvil de los Rolling Stones entre julio y octubre de 1972. Fue el último álbum en presentar al vocalista Ian Gillan y al bajista Roger Glover hasta su regreso en el disco Perfect Strangers en 1984.1
Aunque el sencillo "Woman From Tokyo" fue un éxito importante, el grupo no consiguió alcanzar las cotas de calidad que habían tocado en sus discos anteriores a causa de las continuas discusiones en su seno, que acabarían con la marcha de Gillan y Glover. De este modo, el disco fue duramente criticado por los entendidos musicales, y en el ámbito comercial no alcanzó las cotas previstas, a pesar de haber llegado al cuarto puesto en Gran Bretaña y al decimoquinto en los Estados Unidos.23
Las únicas dos canciones grabadas en Roma fueron "Woman From Tokyo" y "Painted Horse", mientras que el resto fueron grabadas en la ciudad alemana de Frankfurt después de intercalar por medio una pequeña gira por Japón.4
En el año 2000 se publicó una versión de este disco remasterizada digitalmente con varias canciones extra, entre las que se encuentra el instrumental inédito "First Day Jam". En esta canción aparece Blackmore tocando el bajo, y Lord y Paice ejerciendo sus papeles habituales. Esto fue así porque Roger Glover, el bajista original del grupo, no pudo comparecer en la sesión de grabación del tema a causa del tráfico en el que estaba inmerso.
Made in Japan es un doble álbum en directo de la banda Deep Purple, grabado durante su primera gira en Japón, en agosto de 1972. Este trabajo, publicado en Reino Unido en diciembre de ese mismo año y en los Estados Unidos en abril de 1973, supuso uno de sus mayores éxitos comerciales y recibió principalmente buenas críticas.
La banda, conocida por sus bien reseñadas actuaciones, había retransmitido alguno de sus conciertos en la radio, pero no estaba entusiasmada con el hecho de grabar un disco en vivo hasta que la división japonesa de su discográfica remarcó que sería positivo para generar publicidad. El grupo, que aunque insistió en supervisar la producción y de contratar para tal tarea al ingeniero Martin Birch, no mostró particular interés en el lanzamiento del álbum, ni siquiera tras su grabación. La gira por el país nipón fue un éxito, con un fuerte interés de los medios y una respuesta positiva por parte de los aficionados.
El disco tuvo una buena acogida comercial, incluso en los Estados Unidos, donde le acompañó la buena recepción del sencillo «Smoke on the Water» que alcanzó el top 5 del Billboard Hot 100 y mantuvo unas ventas constantes a lo largo de la década de 1970. A pesar de su longevidad, el disco continuó recibiendo elogios y una encuesta a los lectores de la revista Rolling Stone en 2012 lo situó como el sexto mejor trabajo en directo de todos los tiempos.
Machine Head es el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de hard rock Deep Purple, grabado en diciembre de 1971 en Montreux, Suiza, y publicado el 25 de marzo de 1972 a través de Purple Records.
Debido a que con anterioridad el grupo había grabado sus trabajos en el tiempo libre entre sus conciertos, en esta ocasión quiso disponer de más tiempo para grabar fuera del entorno típico de estudio, con la esperanza de obtener un sonido más cercano al de sus actuaciones en directo. Por ese motivo alquiló el estudio móvil de The Rolling Stones y reservó el casino de Montreux, sin embargo, durante un espectáculo de Frank Zappa el edificio ardió hasta los cimientos. El conjunto tuvo que recurrir al Grand Hôtel, cerrado durante el invierno, y lo convirtió en un local apto para grabaciones. Estos hechos, en especial el incendio del casino, sirvieron de inspiración para la canción «Smoke on the Water».
Machine Head es uno de los álbumes más comercialmente exitosos de la banda y llegó a la primera posición en países como Reino Unido, Francia o Alemania. Con el paso del tiempo sigue recibiendo reseñas favorables y varias publicaciones lo han situado como uno de los mejores de su género.
Fireball —en español: Bola de fuego— es el quinto álbum de la banda británica de hard rock Deep Purple, publicado el 15 de septiembre de 1971. Alcanzó el primer puesto de la lista de éxitos británica, siendo el primer disco de los tres que situaría la banda en esta posición.
La canción "Strange Kind of Woman" fue editada como sencillo y adelanto del disco, que alcanzó el octavo puesto en la lista de singles británica y que se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y una de las canciones fijas en sus conciertos. Esta canción, junto con "The Mule", son los dos temas del disco que aparecen en el clásico Made in Japan de 1972.
La mezcla de este disco quedó a cargo de Martin Birch, sonidista habitual de la banda. Además, el sonido de esta grabación busca volver a las influencias de la banda como el folk de "Anyone's Daughter", el blues de "No No No" y "Demon's Eye" y la música sinfónica de "Fools". A pesar del éxito, los integrantes de Purple (a excepción de Ian Gillan y Jon Lord) no consideran a Fireball como un gran disco. Durante la fiesta de los 25 años de Deep Purple y desde la partida de Ritchie Blackmore, en 1993, la banda ha incluido varias canciones en la lista de temas que ejecutan en sus conciertos.
El grupo alemán de rock progresivo Anyone's Daughter debe su nombre al tema homónimo presente en este disco.
Ritchie Blackmore lo dijo en su momento, nunca quiso ser el líder de ninguna banda; le dejó esa tarea a Jon Lord, cuando menos en la primera etapa, y el impulso del tecladista marca el sonido de esos tres primeros discos; el olvidado Mk I, una mezcla de pop, algo de música clásica y mucha furia contenida. La banda se estaba inclinando en una dirección en la cual Blackmore no se sentía muy cómodo; el estilo anticuado de Nick Simper y el registro vocal limitado de Rod Evans, fueron las primeras trabas en ser surcadas. Ian Gillan, podía llegar a notas jamás imaginadas y Roger Glover, impresionó tanto a la banda con sus arreglos y sugerencias, que prácticamente dio paso a un nuevo estilo, el sonido que Ritchie Blackmore estaba buscando.
Cuando la banda se formó, en 1968, la idea era tener un éxito radial, una gira y muchas chicas; y lo consiguieron, pero no tenían un estilo musical definido. Cuando salió el Led Zeppelin I, a Ritchie Blackmore se le prendió el foquito. Son bandas muy similares, y ese primer disco de Led Zeppelin tiene su toque pop, algo de psicodelia y mucho blues. Deep Purple, podía virar hacia un sonido más agresivo, algo que iban construyendo en los escenarios; la banda era casi instrumental, con un Rod Evans rebasado por las circunstancias, y relegado a un costado del escenario. La base del set-list entre 1968 y 1971, eran dos canciones largas, y los hits del disco de turno. Evans era una piedra en el zapato, y el vocalista tampoco se sentía muy cómodo, esperando pacientemente, a que termine la sección instrumental; muchas veces se limitaba a balbucear, en lugar de cantar. No tenía presencia escénica y finalmente, su salida de la banda fue un acuerdo de mutuo interés.
Mick Undewood, viejo amigo de Blackmore, juntos tocaron en The Outlaws, sugirió el nombre de Gillan, como un posible reemplazo para Rod Evans. En ese entonces Gillan ya tenía una sólida amistad con Roger Glover, y ambos pasaban gran parte de su tiempo componiendo canciones juntos. Le hicieron una audición, de esa sesión surgió un single: Hallelujah. Como no había otro bajista disponible, Glover asumió el rol, y él lo cuenta muy bien, se sintió tan cómodo tocando con ellos, que decidió unirse a la banda y fue la pieza decisiva en el disco, sentenciado de muerte a Episode Six, la banda en la cual Underwood, Gillan y Glover tocaban. Del deliro hippie al hard rock; el Mk II, resueltos todos los problemas legales ante el cambio de personal, la banda encontró un espacio en un centro comunitario y comenzaron a ensayar. Las canciones fueron un esfuerzo grupal y en conjunto decidieron repartir las regalías entre los cinco miembros de la banda.
De esas primeras sesiones, salieron dos canciones Kneel & Pray, la versión prototípica de Speed King y Child in Time, casi en su formato final. Lo que le faltaba a Deep Purple era una canción para abrir los conciertos, Kneel & Pray fue diseñada con esa intención, era una canción ruidosa, rápida y cruda, desplegando el poder de la banda. En estudio hay dos versiones, una primera toma, en la que destaca el piano, y la versión archiconocida que abre el In Rock, con una larga sección instrumental al inicio, bastante estridente y que fue omitida en la versión US. Es un clásico de todos los tiempos y la banda la siguió tocando, generalmente como un encore, hasta que Gillan se dio cuenta que ya no podía cantarla. Exige mucho a nivel vocal y representa muy bien todo lo que es Deep Purple: la eterna batalla entre la guitarra y los teclados.
Este disco, en teoría lo produjo la banda, en realidad lo hizo Roger Glover, y por eso tiene un sonido más sucio. Es parte de la santa trinidad del metal, porque este sonido, tendrá una repercusión cardinal en la música. Son cincuenta años, y un poquito, más; suena ligeramente arcaico, pero las canciones tienen mucha fuerza. La distorsión en la guitarra y en los tecleados, de por sí hacen una diferencia enorme con cualquier otra banda; sonido analógico, ya lo hemos olvidado, hoy todo suena a lo mismo lo empareja el ordenador. Bloodsucker, es proto-metal, adoro como Gillan canta, adoro como suena la batería, hay algo de psicodelia en el fondo, y esos solos que se van intercalando, es lo que define mi propia existencia. Siempre le voy a reprochar a la banda, nunca haber tocado estas canciones durante esa gira, tenía mucho potencial en vivo. La banda la volverá a grabar para el Abandon, y entró al repertorio habitual de canciones.
Child in Time es uno de los himnos de los años setenta, es de esas canciones que todo el mundo ha escuchando, por lo menos una vez, en su vida, y es prácticamente un plagio. Lo que siempre me fascinó de esta canción es la manera como Gillan canta, solo él la puede cantar y es ofensivo que lo haga alguien más, solo él llega a esas notas, y la cantó mientras pudo. En la gira del Stormbringer, Coverdale cantó algunos versos y también los hizo Joe Lynn Turner en la gira del controvertido Slaves and Masters. Es la guerra fría, la amenaza del desastre nuclear, la intervención en Vietnam; muchas canciones de ese momento reflejan lo mismo, es el caso de War Pigs de Black Sabbath, y Gillan también la cantó en su momento. La leyenda cuenta, que en esos primeros ensayos, en aquel centro comunitario, Jon Lord comenzó a tocar las primeras notas de Bombay Calling, canción del grupo It’s a Beautiful Day, le cambiaron el tempo y Gillan hizo el resto.
El lado B comienza con Flight of the Rat, que pudo funcionar muy bien en vivo, y este disco restituye a la perfección la fuerza bruta de la banda; tiene los mejores solos de Jon Lord. Esta canción se asemeja a una versión corta, de una de esas largas improvisaciones, por las cuales el grupo cimentó su reputación. Que yo sepa nunca la tocaron en vivo y es una verdadera pena, todavía sigo impresionado por lo ruidosa que es, con un solo de batería incluido, es una de esas canciones que escucho con bastante frecuencia. Después de todo, para ser un disco tan icónico, con una de las portadas más representativas de una era, estas canciones no son tan conocidas.
Aachen 1970
Into the Fire, es de las pocas canciones que entró al set, y la tocaron de manera regular, es doom; muy similar al estilo de Black Sabbath. Es un disco muy orgánico, fluye de manera muy natural y es una forma de condensar la furia escénica en estudio. Desde luego, uno de los aspectos más destacados, es la voz de Gillan, y la siguen tocando aunque Gillan ya no la logra, sigue siendo un gran vocalista y escribe muy bien, pero su rango vocal ahora es muy limitado. La banda ha cambiado mucho con los años, pero sigue siendo una atracción en vivo.
Living Wreck, es otra de esas canciones en las cuales Gillan muestra muy bien su versatilidad, fue el mejor vocalista, esta fue la mejor banda y dominaron el mundo. De esta canción existe una versión en vivo que grabaron para Top of the Pops y suena brutal, la guitarra salvaje de Ritchie Blackmore, dice el Dj, y ni hablar de los teclados demenciales de Jon Lord, la mejor dupla en la historia del rock. Realmente no deja de ser una pena, que sea una versión corta que termina en fade-out. Lo mismo podemos decir de Hard Lovin’ Man, grabada para un programa similar, y es la canción que cierra el disco.
Comienza un riff bestial, y el heavy metal se inspira bastante de todo esto; es una de las canciones más pesadas que tiene Deep Purple, y solo de Jon Lord es una verdadera brutalidad, muy parecido a todo lo que hacia en vivo, rara vez interpretada volvió al set para la gira del Rapture of the Deep, al igual que Living Wreck, en versiones no tan salvajes. Esto es metal, y no puedo definirlo de otra manera; es el disco más crudo y violento que tiene la banda, el Fireball ya tiene elementos progresivos y en el Machine Head predomina el blues, con ese sonido cristalino, que solo Martin Birch podía acuñar, y que define el estilo de toda la música que me gusta.
Black Night, la otra canción super conocida de la banda, no entró en el disco y la grabaron a pedido del sello discográfico, que necesitaba un single para promocionar. En todas las versiones ulteriores, la restituyen como parte del disco, y el In Rock, fue el primer álbum en ser remasterizado, en 1995, en medio de las conmemoraciones del 25 aniversario de la banda. Para esa ocasión añadieron todas las canciones que quedaron fuera: la primera versión de Speed King, Cry Free, una canción que grabaron y regrabaron hasta el cansancio y finalmente la descartaron porque a Blackmore nunca le gustó el resultado final; otra canción descartada fue la instrumental Jam Strew, que finalmente se transformó en Bullfrog, que figura el único disco grabado por Green Bullfrog.
New Live & Rare
1970 fue un año muy activo, mientras Gillan le daba los toques finales a Jesus Christ Superstar, Ritchie Blackmore, Ian Paice y otros destacados músicos de la escena, en dos sesiones, grabaron un disco por diversión. Es una verdadera rareza, tanto así que muchos pensaron que era un mito; y la susodicha canción tiene su lugar en la vasta colección de Deep Purple. En 1995, Roger Glover ayudó con la remasterización y remezcló tres temas: Flight of the Rat, Speed King y Black Night, restituyendo algunos diálogos en el estudio, dándole una atmósfera intimista al disco, un toque que aprecio en demasía.
El In Rock, es la piedra angular del metal; aquí comienza una historia, que narramos con cierta efusión. Es mi fascinación y nuestra pasión compartida; es uno de los mejores disco de Deep Purple, y el único del Mk II en el cual todo funciona a la perfección. En el Fireball, comienzan las rencillas y ya habrá tiempo contar todo eso.
Deep Purple, también conocido como Deep Purple III, es el tercer álbum de estudio de la banda inglesa de rock Deep Purple, publicado en junio de 1969 a través de Tetragrammaton Records en los Estados Unidos y en septiembre por Harvest Records en el Reino Unido. A su lanzamiento le precedió el sencillo «Emmaretta» y una gira por Inglaterra, cuyas fechas se intercalaron con las sesiones de grabación.
La música de este trabajo es principalmente una combinación de rock progresivo, hard rock y rock psicodélico, pero con un toque más pesado y con las partes de guitarra más pronunciadas que en el pasado, debido al incremento de composiciones del guitarrista Ritchie Blackmore y a la discrepancia sobre la fusión de música clásica y rock propuesta por el teclista Jon Lord.
El grupo comenzó su segunda gira por los Estados Unidos en abril de 1969 con poco apoyo de Tetragrammaton, casi en bancarrota, y sin un disco que promocionar, debido a un retraso en su fabricación. Durante los conciertos, el quinteto mostró un notable progreso como intérpretes y una dirección musical orientada hacia un sonido más pesado y fuerte que antes, sin embargo, las dudas sobre la compatibilidad del vocalista Rod Evans con la música hard rock provocaron que los otros músicos decidieran buscar un sustituto.
Este fue el menos exitoso de los tres álbumes grabados por la formación original y fue ignorado por los críticos tras su publicación, aunque reseñas posteriores fueron generalmente positivas y destacaron la variedad de estilos y los arreglos de las canciones.
The Book of Taliesyn es el segundo álbum de estudio de la banda inglesa de rock Deep Purple, grabado solo tres meses después del lanzamiento de su debut Shades of Deep Purple y publicado originalmente por Tetragrammaton Records en octubre de 1968, justo antes del comienzo de su primera gira por los Estados Unidos. Su nombre proviene del escrito del siglo XIV Libro de Taliesin.
Su estructura es similar a la de su antecesor, con cuatro canciones originales y tres versiones de otros artistas, sin embargo, aquí las pistas tienen mayor duración, los arreglos son más complejos y el sonido es más pulido. El estilo musical es una mezcla de rock psicodélico, rock progresivo y hard rock, con varias inserciones de música clásica arregladas por el teclista Jon Lord.
Tetragrammaton orientó su publicación hacia el mercado hippie, que en aquellos momentos era muy influyente en los Estados Unidos, aunque las ventas del disco y sus sencillos no fueron tan altas como esperaba. Este revés no impidió el éxito de la gira estadounidense, en la cual el grupo tocó en recintos y festivales de importancia, y que recibió buenos comentarios por parte de público y prensa. Por otra parte, en su país de origen el conjunto era desconocido y tocaba en pequeños clubes y universidades, y estaba ignorado por los medios. EMI no lanzó el álbum en el Reino Unido hasta junio de 1969, a través de su subsidiaria Harvest Records y a pesar de una gira en verano, sus ventas no aumentaron en el archipiélago.
Shades of Deep Purple es el primer álbum de estudio de la banda de rock inglesa Deep Purple, publicado en los Estados Unidos en julio de 1968 a través de Tetragrammaton, y dos meses después en Reino Unido por Parlophone. El álbum contiene cuatro canciones originales y cuatro versiones, y fue grabado en solo tres días. La música está orientada hacia el rock psicodélico y el progresivo, dos géneros en auge a finales de la década de 1960.
El álbum no tuvo una buena acogida en Reino Unido, donde se vendieron muy pocas copias que no le permitieron posicionarse en el UK Albums Chart. Por otra parte, en los Estados Unidos tuvo una buena acogida comercial gracias al sencillo «Hush», un tema compuesto por Joe South que alcanzó el cuarto puesto del Billboard Hot 100
Cuando la primera formación de Deep Purple se unió en 1967, la escena musical británica se encontraba en un momento de transición.2 La música beat todavía era popular, pero los gustos de los jóvenes que compraban discos y llenaban los clubes fue cambiando rápidamente en beneficio del blues rock, el rock progresivo y el rock psicodélico.2 En aquel tiempo surgieron bandas como The Moody Blues, Procol Harum y The Nice, pioneras en la combinación de música clásica con rock, con complejos y osados arreglos.2 Al mismo tiempo, la psicodelia estaba haciendo progresos en la hedonista sociedad del Swinging London, donde grupos como Pink Floyd, The Pretty Things, The Jimi Hendrix Experience, Traffic y Cream experimentaron con diferentes formas de música rock inducidos por la droga,3 similar a la subcultura hippie proveniente de los Estados Unidos.4
En el verano de 1967, Chris Curtis, exbatería de The Searchers, aprovechó el momento de gran productividad en la escena musical británica para contactar al empresario londinense Tony Edwards con el objetivo de encontrar los recursos económicos para formar un nuevo proyecto al que llamaría Roundabout.5 El nombre, traducido como "rotonda" o "calesita", significaba que el grupo estaría compuesto por miembros no permanentes con Curtis como vocalista y pilar central.6 Edwards, impresionado por la idea, aceptó financiar y gestionar el proyecto con la ayuda de dos socios, Ron Hire y John Coletta; y fundaron para ello la empresa Hire-Edwards-Coletta (HEC).5
En septiembre fue contratado el primer fichaje de Roundabout; Jon Lord, un organista de formación clásica que compartía piso con Curtis y que había sido integrante de The Artwoods.7 Por aquellos momentos, Lord participaba con el grupo The Flower Pot Men, del que también formaban parte el bajista Nick Simper y el batería Carlo Little.8 Lord le dijo a Simper y Little que se le unieran para alguna intervención eventual.9 Ambos recomendaron la contratación del guitarrista Ritchie Blackmore,10 cuya manera de tocar había impresionado a Curtis cuando The Searchers actuaron en Hamburgo, Alemania.11 Blackmore había sido miembro de The Oulaws y participaba como músico de sesión con artistas pop y rock como Screaming Lord Sutch,12 a través del cual conoció a Little. Curtis contactó con el guitarrista para que hiciera una audición y le persuadió para que regresara de Hamburgo, donde actuaba en pequeños locales.13 Este retornó a Inglaterra para unirse a la agrupación en diciembre.9 Mientras tanto, el comportamiento errático de Curtis y su repentino desinterés para el proyecto que había comenzado frenaron cualquier desarrollo,9 lo que obligó a HEC en confiar a Lord y a Blackmore la tarea de encontrar a los restantes miembros para completar la formación.14
Lord contrató a Simper como bajista oficial,15 mientras que Blackmore reclutó al batería Bobby Woodman.16 Este último recomendó al vocalista Dave Curtiss, quien rechazó la oferta debido al cumplimiento de otros compromisos.14 Según Simper, también Ian Gillan, cantante de Episode Six y futuro integrante de Deep Purple, fue contactado para una audición, pero la declinó.
A estas alturas ya todos sabéis que el pasado viernes 13 se publicó en el mundo el nuevo disco de AC/DC, Power Up (o PWR/UP, que aun no lo tengo claro). Absolutamente todos los medios de comunicación musicales, pero también generalistas, se han hecho eco de la noticia estos días. Y es que si lo piensas un poquito, hace tres o cuatro años, con la muerte de Malcom Young, la sordera de Brian Johnson y su sorprendente sustitución por Axl Rose, la retirada de Cliff Williams tras la gira de Rock Or Bust, y los problemas con la justicia del batería Phil Rudd, parecía que AC/DC eran ya historia para siempre.
Pero no, la mala hierba nunca muere. AC/DC han vuelto, por la puerta grande, y para darnos por fin una buena noticia a todos los rockeros en el final de este infausto año 2020.
Las canciones:
Pues las canciones ni las voy a diseccionar ni las voy a comentar una a una. Simplemente tenemos 12 nuevas canciones de AC/DC, que suenan exactamente a lo que tienen que sonar las canciones de AC/DC, con la misma aparente sencillez de los últimos casi 45 años. La voz cazallera de Brian Johnson se muestra en plena forma a sus setenta y tantos años (el estudio casi todo lo resiste, veremos si salen de gira….). La pareja formada por Cliff Williams y Phil Rudd sigue marcando el ritmo con sus sempiternos compases de cuatro tiempos; tan básicos como siempre pero contundentes como nunca. Al tristemente fallecido Malcom Young le sustituye de nuevo “el sobrino Stevie”. Y como siempre, a las guitarras y al baile del pato (yo creo que este hombre ya anda así por la calle), tenemos al incombustible líder supremo, Angus Young, que firma junto a su difunto hermano la autoría de todos los temas del disco.
La cuestión es que cuando escuchas las primeras notas de Realize el chute de adrenalina hardrockera y buen rollo es instantáneo. Cuarenta y pocos minutos después, cuando has acabado de escuchar Code Red, canción que cierra el disco, no tienes más remedio que volver a pulsar el Play y repetir la experiencia.
Cada cual tendrá sus temas favoritos. Los míos son Realize, Shoot In The Dark, Demon Fire, No Man’s Land y sobretodo Through The Mists Of Time ‒no sé cuántas veces habré escuchado ya esta canción desde que el disco se filtró unos 10 días antes de la fecha oficial de lanzamiento‒.
El caso es que el disco se pasa volando, se hace ameno, y te deja con ganas de más, que es de lo que se trata.
Power Up fue grabado en los estudios Warehouse de Vancouver, propiedad de Bryan Adams, durante la segunda mitad de 2018, y fue producido por Brendan O’Brien. Tanto él, como el ingeniero Mike Fraser, se hicieron cargo de la mezcla. Tenemos pues exactamente el mismo line up, el mismo estudio y al mismo equipo técnico que grabó Rock Or Bust en el 2014, y con la excepción de la obligada sustitución del malogrado Malcom, también el mismo elenco que grabó Black Ice en 2008. Yo creo que este disco está claramente por encima de ambos.
La presentación de la edición que yo he comprado, que es la standard que verás en la mayoría de tiendas, es eso que ahora llaman un softpack. Es decir, una funda desplegable de cartón, en la que en un lado encontrarás el Cd y en el otro un libreto de 20 páginas bastante bonito y repleto de fotos de la banda. Eso sí, las letras brillan por su ausencia, aunque ya sabemos todos que las letras de los AC/DC actuales no encierran ningún misterio, así que no me parece un problema.
En resumen: Nunca ha sido AC/DC de mis grupos de cabecera, ni soy ningún experto en la discografía de la banda, así que básicamente yo me tomo este disco como un buen augurio; si cuando todo parecía estar en su contra, AC/DC han vuelto, y precisamente lo han hecho en este aciago 2020 ¿Por qué no pensar que dentro de unos meses todos podremos volver a la vida que llevábamos no hace tanto? Te imaginas querido amigo/querida amiga, que dentro de un par de veranos nos podamos reunir en los estadios de todo el mundo para volver a oír el tañido de las Campanas del Infierno, a sentir el saludo de los cañones o a cantar y bailar al ritmo de Highway To Hell o Shook Me All Night Long??? Pues este Cd es el primer paso para que eso suceda; un paso bien firme y en la dirección correcta.
Rock or Bust es el decimosexto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC. Fue lanzado internacionalmente como decimoquinto álbum de estudio de la banda y el decimosexto que se publica en Australia. Es el álbum de estudio más corto jamás lanzado por la banda; con menos de 35 minutos.
Rock or Bust alcanzó el puesto # 1 en 12 países, incluyendo Australia, Canadá, Alemania y Suecia. Alcanzó el top 5 en otros 12 países, incluyendo Nueva Zelanda, el Reino Unido, los Estados Unidos e Italia, Y se estima a día de hoy más de 8 millones de ventas
Este fue el último álbum de la banda con su vocalista Brian Johnson debido a su problema de audición siendo reemplazado en la gira por Axl Rose,el bajista Cliff Williams debido a su retiro y el baterista Phil Rudd que fue sustituido debido a problemas judiciales, esto hasta el regreso de los tres en 2020 para grabar el álbum Power Up.
Black Ice (En español: Hielo Negro), es el decimoquinto álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC, publicado en 2008.1
Supone el primer álbum en ocho años tras la publicación de Stiff Upper Lip en 2000, así como la mayor diferencia entre dos álbumes de estudio hasta la fecha. El álbum fue producido por Brendan O'Brien2 y grabado y mezclado por Mike Fraser en The Warehouse Studio de Vancouver, Canadá.3
El álbum ha tenido una gran aceptación y éxito entre los fanáticos y ha vendido 10 millones de álbumes en el mundo.
Stiff Upper Lip es el decimocuarto álbum de estudio realizado en el año 2000 por la banda australiana de hard rock AC/DC donde destacan canciones como Stiff Upper Lip (que le da nombre al disco), Give It Up y Can't Stop Rock n' Roll. Fue así su vuelta a los estudios de grabación después de años de ausencia. Se publicó el mismo día que e Standing On The Shoulder Of Giants de Oasis. Precediendo al disco de Black Ice, este no obtuvo el éxito esperado con tan solo 2 millones de discos vendidos en todo el mundo a pesar de haber sido disco de platino en los Estados Unidos.
Ballbreaker es el decimotercer álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC lanzado en 1995. Fue el primer álbum de estudio en cinco años desde The Razors Edge (1990). El álbum representa también el retorno del baterista inicial Phil Rudd, quien había dejado la banda en 1983.
El álbum alcanzó los puestos 4º en Estados Unidos y 6º en el Reino Unido.
The Razors Edge —en español: El filo de las navajas— es el duodécimo álbum de estudio de la banda de Hard Rock AC/DC editado en septiembre de 1990. Con la producción de Bruce Fairbairn y la nueva incorporación del baterista Chris Slade, significó el regreso del conjunto a los primeros puestos de las listas de ventas.
Musicalmente el disco supuso cierta innovación dentro del siempre definido sonido de la banda, con una producción mucho más sofisticada de lo habitual y una mayor potenciación de ciertos aspectos como las voces de apoyo. Los temas en general presentan una orientación más comercial de lo habitual en el grupo y al mismo tiempo un barniz más cercano al Metal standard. Fue un álbum muy exitoso pero discutido debido a este lavado de cara que experimentó el sonido habitual del grupo
Blow Up your Video es el undécimo álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC, publicado por primera vez el 18 de enero de 1988. El álbum fue grabado en el Miraval Studio en Le Val (Francia) durante el verano de 1987.
El álbum fue producido por Harry Vanda y George Young, el equipo de producción de los primeros álbumes de la banda. Brian Johnson escribió todas las letras de las canciones y es hasta el momento la última vez que lo ha hecho. Fue el disco más vendido entre el material nuevo de la banda desde la publicación de For Those About To Rock, We Salute You. Sin embargo, el grupo tocó sólo tres canciones en el tour subsecuente. El LP alcanzó el número 2 en las listas británicas y su primer sencillo "Heatseeker" llegó al Top 20 también en el Reino Unido.
El álbum fue lanzado de nuevo en 2003 como parte de la serie de Remasters de AC/DC.
Who Made Who es un álbum de hard rock de la banda australiana AC/DC. Fue lanzado al mercado en 1986, como la banda de sonido de la película Maximum Overdrive (traducida al español hispanoamericano como Ocho días de terror o La rebelión de las máquinas), dirigida por Stephen King. Únicamente las canciones "Who Made Who", "D.T" y "Chase the Ace" (estas dos últimas instrumentales) fueron grabadas especialmente para este disco, el resto ya aparecía en discos anteriores.12
El disco vendió más de cinco millones de copias en los Estados Unidos.2
Flick of the Switch es el noveno álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC, grabado en Bahamas, poco después del tour europeo de principios de 1983. El álbum lo produjeron ellos mismos y llegó al n.º 4 en el Reino Unido y n.º 15 en Estados Unidos.
Después de tener algunos problemas con el guitarrista Malcolm Young debido al alcohol, el baterista Phil Rudd fue despedido en mitad de la grabación ya que no soportaba la muerte de Bon Scott, (exvocalista de este mismo grupo) y se metió en las drogas, aunque ya había terminado de grabar su parte. Se llamó al baterista B.J. Wilson para acabar la grabación, aunque después no se usó nada de lo que grabó. Rudd, al final fue sustituido por el que después sería baterista de Dio, Simon Wright. Wright, además apareció en los videoclips "Flick of the switch" y "Nervous Shakedown".3
El álbum fue publicado originalmente en Estados Unidos el 15 de agosto de 1983. Fue relanzado en 2003 como parte de la serie de remasterizaciones de sus álbumes. Este álbum de estudio se iba a llamar I Like To Rock volviendo al sonido primigenio y al rock and roll clásico. Pero al final, decidieron tocar riffs duros y reacios, con un álbum llamado Flick Of The Switch.
Para los fans más nostálgicos de la era Bon Scott (por no enunciarlos como los más despectivos hacia la era Brian Johnson), For Those About To Rock, pero sobre todo Flick of the Switch de 1983 marcaron el comienzo del fin de esta grandiosa banda. Esta visión apocalíptica suele estar endeblemente fundamentada en una supuesta falta de evolución, o peor aún, en una peligrosa repetición y escasez de ideas que experimentaron los hermanos Young en esa década (y que en teoría se extiende hasta la fecha). Para muchos otros, y aquí es donde me incluyo, todos los discos de ACDC contienen en mayor o menor medida un mínimo de calidad que hace que valga la pena escucharlos, y por ende disfrutarlos. Fly on the wall de 1984 no es la excepción, se trata de otro gran trabajo de hard rock que contiene algunas joyas y características propias que lo distinguen agraciadamente del resto de sus obras.
La producción estuvo nuevamente a cargo de la propia banda, al igual que en Flick of the Switch, aunque con una salvedad, pues en esta oportunidad los créditos corresponden exclusivamente a los hermanos Young, y no a ACDC en su totalidad. Con solo escuchar los primeros acordes de la inicial Fly on the Wall ya se percibe algo distinto del resto de sus trabajos. Las guitarras crujen de una manera distinta, se las escucha más crudas que en sus dos trabajos previos (y que en los posteriores también), con una marcada intención de recuperar cierta crudeza de antaño. Pero como todo lo bueno tiene algo malo, hay que reconocer también que el bajo de Cliff Williams presenta un sonido bastante diluido, que mucho dista de ese excelente papel secundario que supo ejercer en discos como Powerage o Highway to Hell.
Shake Your Foundations fue uno de los singles del lp, y no hace falta preguntarse porque, ya que lo tiene todo dar la cara por este trabajo: tremendo riff inicial, mejor estribillo, buen solo y un curioso video clip. Sink the Pink, otro de los enormes single-hits del álbum redobla la apuesta y consigue crear un himno aún más memorable, que contagia desde la clásica e irresistible intro de Angus, que se desvanece ante otro contundente riff marca de la casa, de esos que invitan a poner a tope el volumen del reproductor, pues el buen rock and roll mientras más fuerte se escuche mejor.
Danger es el infaltable tema seductor destinado a enaltecer todo buen disco de ACDC, una rola que hace de su pausado desarrollo y notable feeling sus mayores atributos, seguida muy de cerca por Stand Up, que completa la faceta más calma de esta electrizante placa, que si por algo no se caracteriza es por sonar calma, ya que estamos en presencia de un enérgico y vigoroso trabajo de rock ´n´ roll.
¿Adivinen que tiene en común los cinco temas abordados hasta aquí (además de que son una autentica pasada, claro)? Que todos ellos dan vida al homónimo video oficial de Fly on the Wall, que contiene 5 video clips visualmente emparentados bajo un mismo concepto. Todos transcurren en un bar de NY (Crystal Ballroom) en donde se puede ver tocando en vivo a ACDC mientras se suceden las distintas tramas y personajes que protagonizan cada una de las historias. Para una banda que nunca se ha caracterizado por hacer videos originales, este dato me parece que vale la pena que sea rescatado y resaltado.
Retomo nuevamente el concepto vertido párrafo de por medio, pues me gustaría remarcar que si bien este lp no contiene la calidad ni cantidad de himnos que si poseen sus emblemáticas obras de los 70, al menos recupera mucha de la fuerza y crudeza de esos trabajos. Los solos de First Blood (2:10) y Play With Girl (2:22) nos retrotraen al Angus Young más salvaje y electrificado que supimos conocer, ese que se revolcaba por el suelo como un autentico maniático poseído por el demonio que lleva dentro. No digo que sean las mejores canciones del lp, pero si que irradian una fuerza y energía que con el correr de los años y de los logros se fueron apaciguado lentamente.
El disco finaliza con dos grandes aciertos: Back in Business, un acelerado rock ´n´roll de raices boggies-blueseras y Send For The Man, que retoma la fórmula más clásica e infalible del disco (y de ACDC): riff básico y letal, melodía pegadiza, bateria simple pero efectiva (esta vez a cargo del debutante Simon Wright) y nuevamente un solo sanguíneo y rockandrollero.
Por más que la propuesta sea siempre la misma (rock ´n´ roll de alto voltaje, ¿que otra cosa se puede esperar de esta banda?), el resultado final va a depender de que tan inspiradas sean las composiciones de turno, y en este sentido Fly on the Wall contiene varias joyas que todo fan ya no de ACDC, si no del rock en general, seguramente disfrutará,... salvo aquellos que continúen atrapados en el eterno laberinto de la nostalgia.
For Those About to Rock (We Salute You) es el octavo álbum de hard rock de la banda australiana AC/DC. Salió al mercado en 1981 después del retorno de la banda con Back in Black. For Those About to Rock ha vendido más de 4 millones de copias en Estados Unidos.
El nombre del álbum está inspirado en un libro que Angus Young leyó, titulado For Those About To Die, We Salute You, (A aquellos que van a morir, los saludamos) sobre gladiadores romanos. Se refiere a las palabras que decían los gladiadores al emperador antes de luchar: morituri te salutant (los que van a morir te saludan).
El álbum fue relanzado en 2003 como parte de la serie de Remasters de AC/DC.
For Those About To Rock fue el primer álbum de AC/DC en llegar al número 100 en la tabla de la revista Billboard, donde se quedó por tres semanas. Hasta la fecha, en los Estados Unidos ha logrado cuatro millones de ventas. En el Reino Unido, los sencillos "Let's Get It Up" y "For Those About To Rock" llegaron al número 12 y 15 respectivamente. El álbum logró vender estimadamente unos siete millones de copias alrededor del mundo, haciéndolo uno de los álbumes más vendidos de AC/DC En el lanzamiento inicial se adjuntaba un llavero con un cañón de regalo
Back in Black es el séptimo álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC, lanzado en 1980. Fue grabado en Bahamas y, por segunda vez, producido por Robert "Mutt" Lange, siendo Highway to Hell la primera ocasión
En este disco figura por primera vez como vocalista Brian Johnson, quien sustituyó a Bon Scott tras su trágica muerte. Las ventas mundiales del disco ascienden a más de 50 millones de copias,11 Lo que lo convierte en el tercero más vendido de la historia de la música detrás de Thriller de Michael Jackson a pesar de nunca haber llegado al número 1 del Billboard 200. El álbum está dedicado a Bon Scott, la portada del disco (el logo de AC/DC sobre un fondo negro) es un claro homenaje al cantante fallecido.
En el 2020 el álbum fue ubicado en el puesto 84 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, de la revista Rolling Stone.
Amigos de Dioses del Metal, llevaba ya algún tiempo rumiando la idea de reseñar un disco 10, entendiendo este término, más como aquel que significa mucho para mí, que el hecho de que los expertos y críticos musicales lo consideren merecedor de ese galardón. Por las fechas de mi nacimiento, del 67 y la de salida al mercado del disco, habréis observado que es imposible que el Rock, Hard o Metal ya recorrieran mis venas, pues estaba más pendiente de futbolear con los amigos que otra cosa.
Siendo sincero, tampoco fue el primero de los australianos, porque este honor lo tiene “el del cañón”, tapa negra. No me preguntéis porqué, quizás la súbita muerte de Bon con 33 años me impactó, pero siempre he sentido una atracción especial por éste vinilo. Tanto, que lo he escuchado cientos de veces, lo llevo de tono en el móvil y le he “ordenado” a mi sufrida esposa que me lo ponga cuando me desparramen entre el polvo. Veremos si me hace caso o tengo que decirle a Caronte que dé media vuelta a la barca para recordárselo.
¿Qué podría contaros yo que no conozcáis ya de los AC/DC?, tan solo algunas pinceladas de la que considero fue su primera etapa, hasta el fallecimiento de Bon Scott, cantante y excelente compositor, el 19 de Febrero de 1980, ya sabéis como. Formados en Noviembre de 1973 en Sidney (Australia) y liderados por los hermanos Young, tuvieron a la Diosa fortuna de su lado cuando integraron en Septiembre del 74 a Bon Scott como vocalista, tras desprenderse del problemático Dave Evans o tal vez las hilanderas del destino, tejiendo sus comunes orígenes escoceses, los unieran.
Fueron seis los trabajos hasta que concibieron esta joya intemporalde 35 años,concretamente el 27 de Julio del 79 para Europa, de la que se han vendido ya unas seis millones de copias. Estamos hablando de un álbum que fue el primero de la banda en entrar en el Top 100 de Estados Unidos, aupándose hasta el 17, el 13 en Australia y el 8 en el Reino Unido.
De entre todos los motivos para elegir el título de Highway to Hell, tan sugerente aún hoy en día, me quedaré con el más objetivo. El de un lugar de Australia, Canning Highway, donde estaba la taberna preferida de Bon y los caminos serpenteaban tanto que muchos lo llamaban “la carretera al infierno”.
Atlantic Records, sello del grupo, iba a por todas con ellos y querían una super banda de Rock que rompiera el mercado americano. A tal fin, contrataron a Eddie Kramer dejando a un lado a sus productores habituales, Harry Vanda y George Young. Kramer, gran ingeniero de sonido, era incompatible con el espíritu de los hermanos Young y Bon Scott, hasta pretendía incluir teclados en el sonido, ¡¡Dioses del Metal, menos mal!!. Al final, el que estuvo con ellos al pie del cañón en los estudios londinenses de Roadhouse durante casi tres meses, fue Robert John «Mutt» Lange, a piñón fijo con un único día de descanso por la boda de Malcolm. Esta elección fue un acierto total, pues mejoró la técnica vocal de Bon y dio al conjunto más protagonismo a los coros.
El sonido de este disco es mucho más maduro y pulido pero igual de enérgico que los anteriores. Sumamente nítido y claro, lo que significa para mí que puedo elegir a voluntad cualquier instrumento y deleitarme con él, sobre todo cuando las guitarras de Angus y Malcolm se complementan, duplicando los riffs.Que decir de las letras, pura ambrosía del incorformismo callejero, directas, simples y atrevidas, muy atrevidas a veces diría yo.
De la portada siempre me atrajo la ropa colegial con cuernos y cola diabólica con toda la banda directa a la retina. Pura imagen del Rock and Roll y por eso cuelga enmarcada como “Espada de Damocles” en mi cueva. Curioso de que no fuera la misma en todo el mundo, en su tierra natal aparecían envueltos en llamascon un bajo proyectándose en perspectiva, demasiado recargada.
Y sabéis que mejoraría, pues que hubieran metido más canciones, muchas más, hasta la eternidad en el infinito.
Comienza Highway to Hell. Un himno generacional con acordes sacados de la nada por el propio Malcom, parece la punta angulosa de un iceberg emergiendo. Cada vez que suena esa guitarra entro en trance, nada que esconder en un mazazo de Rock. Es, para mí, una de las mejores de todos los tiempos.
Que buen ritmo de comerte el barrio en Girls Got Rhythm, ese agradecido guiño al sexo “fuerte” en el estribillo es magnífico, ¿notáis como Cliff cubre a Phil?, un bajo rompe ventanales. Una pausada y poderosa entrada hay en Walk All Over You, con Phil Rudd astillando palos para luego bajar al Hades con ese ritmo de cabeceo de finales de los 70. Me derrito con ese estribillo lento y sentido. Touch Too Much posee uno de los ritmos más embriagadores de todo el disco y como anécdota contaré que, en plena pubertad, con pensamientos y hormonas a reventar, traducíamos fonéticamente el estribillo en nuestras quedadas de Metal como “machturchbeichon” a pleno pulmón, ¡qué tiempos!.
Beating Around the Bush comienza demencial, solitarios acordes de seis cuerdas hacia el infinito, luego a dueto, batería y bajo a por todas, vamos, que me está costando escribir porque no puedo parar de moverme. Enciendo una hoguera para luego ser un torbellino de fuego en Shot Down in Flames, esos riffs son lo más, cortos y precisos y Angus a solas está leónido. Caliente, muy caliente con Get It Hot, me maravilla esta melodía y como el ritmo se va acompasando con Bon, milimétrico, de láser, para terminar de menos a más.
Yo si ofrecería ahora mi sangre para estar con ellos cantando If You Want Blood (You’ve Got It). Lo mejor es cuando se va deteniendo la canción a ritmo de Phil Rudd y Bon me pone los pelos como escarpias con ese grito interminable ¡¡¡¡“…..you got it”!!!!. Con apetito animal de AC/DC entra Love Hungry Man, ¡¡como me masajea el tímpano Cliff, acordes de maroma de barco!!, muy, muy pegadiza. Lástima que todo tenga un final, llega Night Prowler. Sugerente balada que recrea un ambiente nocturno, donde Bon da lo mejor de sí en un tema lento, ¡¡qué voz!!.
Con el puño en alto y mano astada, rujo a la tempestad ¡¡no des la vuelta Caronte, porque se han acordado, feliz voy a mi destino entonando Highway to Hell!!. Ya descanso en paz junto a Bon Scott. Un saludo metálico a todos.
Powerage es el quinto álbum de estudio de la banda de hard rock australiana AC/DC, publicado en mayo de 1978. Es también el cuarto álbum de estudio internacional del grupo. Todas las canciones están compuestas por Angus Young, Malcolm Young y Bon Scott, entre las que se destacan "Riff Raff", "Sin City", "Rock 'n' Roll Damnation" y "Gone Shootin'".
Powerage es el primer álbum de AC/DC que fue publicado casi simultáneamente en los mercados australianos e internacionales y el primero que utiliza la misma cubierta para ambos, es también la primera vez que tiene las mismas canciones en todas las versiones con la excepción de los vinilos europeos que incluían "Cold Hearted Man," una canción que no se ha publicado oficialmente en ningún otro álbum de AC/DC, algunos también omitían la canción "Rock 'n' Roll Damnation."
En Powerage debuta el bajista Cliff Williams, quien se mantuvo en la banda hasta 2016, regresando en 2020. Muchos fans consideran que Williams, los hermanos Young y el batería Phil Rudd constituyen la formación clásica de AC/DC. Es el primer álbum de AC/DC coproducido por Angus Young, en estudio producido por Harry Vanda y George Young. El álbum fue publicado de nuevo en 2003 como parte de la serie de Remasters del grupo.
El álbum llegó al #133 en Billboard's Pop Albums en Estados Unidos, eventualmente siendo certificado platino.
Let There Be Rock (en español - Hágase el Rock) es el cuarto álbum de estudio de la banda australiana de hard rock AC/DC, publicado en Australia en marzo de 1977.1 De este álbum destacan las canciones «Bad Boy Boogie», «Hell ain't a Bad Place to Be», «Let There Be Rock» y «Whole Lotta Rosie», que lograron repercusión radial y han sido tocadas en concierto de manera frecuente.2 Todas las canciones fueron escritas por Angus Young, Malcolm Young y Bon Scott.
El disco fue originalmente publicado por el sello discográfico Albert Records. Una edición modificada fue publicada por el sello Atlantic Records en julio de 1977.3
Let There Be Rock fue el último álbum de AC/DC en tener como bajista a Mark Evans, quien previamente había grabado con la banda los álbumes T.N.T. (1975) y Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976). El 3 de abril de 1977, AC/DC filmó una actuación en vivo de «Dog Eat Dog» para Countdown, un programa televisivo australiano.4
En julio de 1977, la banda filmó un vídeo musical promoviendo la canción «Let There Be Rock» del álbum del mismo nombre. El vídeo fue grabado en una iglesia de Perth (Australia), y en él aparece Bon Scott vestido como un sacerdote y el resto de la banda vestidos de acólitos. Esta edición fue eventualmente reempacada con la portada para la versión internacional, presentando una vez más diferencias entra la portada de la versión australiana con su correspondiente versión internacional. En la portada de "Let There Be Rock" de la edición mundial se usó por primera vez el logotipo oficial de la banda, creado por el diseñador gráfico Gerard Huerta.5
En 1980, AC/DC lanzó una videograbación en vivo llamada AC/DC: Let There Be Rock. En 1997, el audio de este concierto fue publicado en un CD, en los discos 2 y 3 del álbum Bonfire, que contenía material inédito y actuaciones de la banda junto a Bon Scott y gran cantidad de materiales extras.6
Dirty Deeds Done Dirt Cheap (en español: Actos Sucios Se Hacen Muy Baratos), es el tercer álbum de estudio de la banda australiana de hard rock, AC/DC, y el segundo lanzado internacionalmente en diciembre de 1976 en Europa y en abril de 1981 en Estados Unidos. A la fecha ha vendido alrededor de seis millones de copias en todo el mundo. De este álbum destacan las canciones "Dirty Deeds Done Dirt Cheap", "Problem Child", "Ride On" y "Jailbreak". [cita requerida] La portada del álbum es obra de Hipgnosis.
T.N.T. es el segundo álbum de la banda de hard rock australiana AC/DC publicado en diciembre de 1975. Siete de las nueve canciones fueron compuestas por Angus Young, Malcolm Young y Bon Scott. Can I Sit Next to You Girl la compusieron los hermanos Young, y School Days es una versión de la canción de Chuck Berry.
AC/DC es una banda de hard rock británica-australiana, formada en 1973 en Australia por los hermanos escoceses Malcolm Young y Angus Young. Sus álbumes se han vendido en un total estimado de 200 millones de copias,34 embarcándose en giras multitudinarias por todo el mundo y sus éxitos han musicalizado varias producciones cinematográficas sobresalientes.5678 Son famosas sus actuaciones en vivo, resultando vibrantes y exultantes espectáculos de primer orden.9 Mucho de ello se debe al extravagante estilo de su guitarrista principal y símbolo visual, Angus Young, quien asume el rol de guitarrista principal durante los conciertos, gracias a sus dinámicos y adrenalínicos despliegues escénicos uniformado de colegial callejero.10 Al comienzo, los conciertos y tiempos por los cuales sufrieron diversos cambios en su alineación.1112 En 1974, la llegada del cantante Bon Scott se convertiría en una pieza clave del éxito del grupo. Su presencia en escena, lo convirtió en uno de los personajes más carismáticos de la historia del hard rock.131415 La formación se estabilizaría con Cliff Williams (bajo) y Phil Rudd (baterista).
En 1974 incursionaron por primera vez fuera de los conciertos en bandas de punk rock locales, que ofrecían un contrapunto sonoro a las ampulosidades y la fastuosidad de las bandas que triunfaron en el mercado de la época.161718 Ese mismo año se trasladaron a Glasgow, de donde procedían Desembarcaron en pleno auge del punk rock, lo que contribuyó a que, en poco tiempo, obtuvieran una enorme aceptación del público, ocupando inmediatamente los primeros puestos en ventas.
La carrera triunfal del grupo, sustentada por la rudeza carismática y la potencia rítmica del dominio guitarrero, proseguirá con el multimillonario Highway to Hell, uno de los discos más emblemáticos de la historia del hard rock y del que se vendieron millones de copias,1920 que los catapultó hacia la fama y los solidificó al estatus de superestrellas.2122
Cuando se encontraban en su mejor momento, tanto a nivel comercial como artístico, la desgracia se cruzó en sus caminos, cuando en el 19 de febrero de 1980, el vocalista Bon Scott falleció por intoxicación etílica.2324 No obstante, pese a que se encontraron al borde de la separación, el grupo depositó su destino en la voz de Brian Johnson, exvocalista del grupo Geordie.
Malcolm, el mayor de los Young, y exmentor de la banda, durante su última gira (2010).
Estatua en homenaje a Scott, voz original del grupo, en la ciudad de Fremantle. Back in Black (1980), el disco homenaje al fallecimiento del mítico cantante original y el cual, a la postre, terminaría convertido en el tercer álbum más vendido en la historia de la música con más de 45 millones de unidades en el mundo, encajaría la figura de Johnson a la perfección en la imagen de AC/DC.252627 El éxito de este trabajo disparó las ventas de todos los discos anteriores desatando el fervor popular por la banda. Para mediados de 1981, todos los álbumes anteriores habían superado el millón de copias.2829
En la segunda mitad de la década de 1980, una serie de acontecimientos personales hicieron creer que el grupo ya había pasado sus mejores momentos. LP como Fly on the wall (1985), Who Made Who (1986) o Blow Up Your Video (1988) reiteraban los sonidos de pasadas entregas, hecho mal visto por un sector de la crítica.3031 A pesar de ello, sus discos se mantuvieron en las listas de éxitos hasta la siguiente década.32 The Razors Edge (1990), que contenía la enérgica «Thunderstruck», y el sencillo «Big Gun» (1993), elegida por Arnold Schwarzenegger para la banda sonora de su película El Último Gran Héroe,33 posicionándolos en las listas de los más vendidos de principios de los 90.343536 Posteriormente, Ballbreaker (1995) y Stiff Upper Lip (2000) los mantendrían en los primeros planos de la industria musical.3738 Después de varios años de pausa creativa, lanzaron Black Ice (2008), en el cual se destaca el primer sencillo, «Rock 'n' Roll Train», lanzado a la radio un mes antes, siendo todo un éxito. Con este disco alcanzaron los 10 millones de copias en el mundo.394041
Cuando afloraron los años de satisfacciones y reconocimientos, en septiembre de 2014, y después de varios meses de hermetismo y sospechas en torno al grave estado de salud que padecía uno de los integrantes, AC/DC confirma la retirada del guitarrista Malcolm Young debido a un cuadro de demencia.424344 No obstante, pese a la sensible baja de su mentor, la banda informó que continuaría haciendo música. Tanto para un nuevo disco, Rock or Bust, como para giras posteriores, la guitarra rítmica fue ocupada por el sobrino de los Young, Stevie Young.45En febrero de 2016, Brian Johnson tuvo que retirarse de la gira ante el riesgo de una pérdida auditiva completa, por lo que fue temporalmente sustituido por Axl Rose, líder y cantante de Guns N' Roses, hasta el final de la gira Rock or Bust.4647Recientemente, el bajista desde 1977 Cliff Williams ha anunciado que dejará la banda al terminar la actual gira.48
Con cuatro décadas de trayectoria, la banda ha superado los cambios en la alineación, la pérdida de históricos miembros, la controversia sobre su imagen y letras, y el constante cambio de las tendencias musicales, para convertirse en la actualidad en una de las bandas más importantes e influyentes de la historia y con mayor capacidad de convocatoria.495051 Hasta la fecha son una de las bandas más taquilleras de todos los tiempos.5253 Desde marzo de 2003, el grupo está incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.5455 Aunque están comúnmente clasificados como hard rock, y considerados uno de los grandes influyentes del heavy metal, siempre han clasificado su música simplemente como rock and roll.
Accept es una banda alemana de heavy metal fundada en la ciudad de Solingen en 1976, por el vocalista Udo Dirkschneider y el guitarrista Wolf Hoffmann. Después de algunos cambios en su formación, en la que ingresó el bajista Peter Baltes, debutaron con Accept en 1979, a través de Brain Records. Durante la primera parte de los años 1980 obtuvieron un importante reconocimiento en los mercados europeos, Estados Unidos y Japón, gracias a las producciones Breaker (1981), Restless and Wild (1982), Balls to the Wall (1983) y Metal Heart (1985). En 1987, tras la gira promocional de Russian Roulette de 1986, Udo renunció a la banda para iniciar una carrera como solista con su propia agrupación U.D.O. Para sustituirlo contrataron al estadounidense David Reece, con el cual grabaron el álbum Eat the Heat en 1989, pero debido a las malas críticas y a la escasa acogida por parte de sus seguidores, la banda optó por separarse a fines del mismo año.
En 1992, Accept regresó a los escenarios como un cuarteto, en cuya tercera etapa publicaron tres álbumes de estudio Objection Overruled (1993), Death Row (1994) y Predator (1996). No obstante, las constantes discusiones internas conllevó a su segunda separación, que se oficializó a mediados de 1997. Durante varios años la banda estuvo ausente de los mercados mundiales, hasta que en 2005 realizaron una breve gira de reunión por algunos festivales de música europeos y en Japón, pero debido a su éxito no se consagró un regreso. Finalmente, en 2009, Hoffmann y Baltes anunciaron el regreso definitivo del grupo con el exvocalista de TT Quick, Mark Tornillo, en reemplazo de Dirkschneider. Desde entonces, han lanzado al mercado los discos Blood of the Nations (2010), Stalingrad (2012), Blind Rage (2014) y The Rise of Chaos (2017); que han colocado a Accept nuevamente en las listas musicales, a tal punto que el ya mencionado álbum Blind Rage se convirtió en su primera producción en lograr el primer puesto en Alemania.
Accept es considerada como una de las mejores bandas de heavy metal de la primera mitad de los años ochenta, además es nombrado como uno de los principales contribuyentes del desarrollo del speed metal y uno de los grupos más influyentes para el thrash metal y el power metal.
Tanto el título como su portada fueron anunciados a principios de abril de 2014, en el que además se confirmó su lanzamiento para el 18 de julio del mismo año.5 No obstante, por razones desconocidas, finalmente su publicación ocurrió el 15 de agosto para Europa y el 18 de agosto para los Estados Unidos, ambos a través de Nuclear Blast.6 Por su parte, el 1 de julio del mismo año se publicó como primer sencillo «Stampede», que a su vez fue promocionado con un videoclip. Su grabación se realizó en la formación de arenisca de Devil's Punchbowl, ubicado en el desierto de California y cuya dirección estuvo a cargo de Greg Aronowitz.7 De igual manera, el 13 de agosto se publicó el video lírico de «Final Journey».8
Recepción Tras su lanzamiento recibió muy buenas reseñas de la crítica especializada. Gregory Heaney de Allmusic consideró: «(...) incluso con la voz de Tornillo, Accept aún suena de la misma manera como uno lo recuerda cuando estaban en el apogeo de su poder».1 El sitio Blabbermouth le dio ocho y medio puntos de un total de diez, destacando la calidad de la voz de Tornillo y el éxito consecutivo de sus tres últimas producciones.2 Mark Gromen de la revista canadiense Brave Words & Bloody Knuckles le dio nueve puntos de un total de diez y destacó el tema inicial «Stampede», que consideró como una sabia elección.3 Por su parte, el sitio Metalholic comentó: «El resultado final se presenta como una estructura de conjunto y no como un grupo de identidades individuales, (...) el álbum reúne todo lo que Accept ha mantenido y todavía lo representa».4
Junto a las buenas críticas, el álbum ingresó en varias listas musicales del mundo obteniendo incluso mejores posiciones que sus predecesores. En Alemania alcanzó el primer puesto de los Media Control Charts, convirtiéndose en su primera producción de su carrera en lograr dicho puesto en su propio país.9 Por su parte, logró la posición 35 en la lista Billboard 200 de los Estados Unidos tras vender más de 6400 copias durante la primera semana de su publicación, siendo el puesto más alto para uno de sus álbumes en dicho conteo.
Stalingrad —subtitulado Brothers in Death— es el decimotercer álbum de estudio de la banda de heavy metal Accept, publicado en 2012 por Nuclear Blast. Al igual que su antecesor Blood of the Nations fue producido por Andy Sneap y tras su lanzamiento, recibió muy buenas críticas de la prensa especializada y muy buenos lugares en las listas musicales de varios países.
Tras su publicación recibió buenas reseñas por parte de la crítica especializada. James Christopher Monger de Allmusic lo consideró como un buen sucesor de Blood of the Nations y mencionó: «Accept del siglo XXI sigue siendo el mismo como lo fue en los ochenta; el empleo de una fórmula simple de oscuridad, melodías melódicas, imágenes de guerra y voces potentes. Lo sorprendente, es lo bien que todavía funciona».1 El sitio Thrash Hits le dio cinco y media estrellas de un total de seis y definió al álbum simplemente como «increíble».2 Por su parte, el sitio Blabbermouth consideró lo siguiente: «No hay trucos aquí; solo es otro producto de calidad, no tan robusto como Blood of the Nations, pero se acerca bastante».
Junto a las buenas críticas, el álbum entró en varias listas musicales obteniendo posiciones similares a su anterior producción, como por ejemplo en Alemania, donde obtuvo el puesto 6 en los Media Control Charts.4 Por su parte, en los Estados Unidos alcanzó el puesto 81 en los Billboard 200, siendo el primer álbum desde Metal Heart de 1985 en entrar en los top 100 de aquel país, tras vender más de 5400 copias durante la primera semana de su publicación.
Blood of the Nations es el duodécimo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 2010 por Nuclear Blast. Es la primera producción desde Predator de 1996 y el primero con el vocalista Mark Tornillo, que a su vez lo convierte en el primer disco sin Udo Dirkschneider desde Eat the Heat de 1989. De igual manera, su publicación marcó el regreso de la banda ya que en 1997 se disolvieron.
A mediados de 2009, la banda informó su regreso al mercado musical con Hoffmann y Frank como guitarristas, Baltes en el bajo y Schwarzmann en la batería. No obstante, Dirkschneider no llegó a un acuerdo con el resto de la banda y debido a ello contrataron al estadounidense Mark Tornillo de TT Quick como nuevo vocalista. En el mismo año publicaron vía streaming dos samples de «Balls to the Wall» y «Flash Rocking Man», que fueron registradas el 26 de abril en los Shorefire Recording Studios de Nueva Jersey y que fueron los primeras grabaciones hechas por esta nueva alineación.9
Blood of the Nations fue anunciado en febrero de 2010 y en mayo se publicó el video del tema «Teutonic Terror», con el objetivo de promocionar su nuevo álbum de estudio. El 21 de mayo de 2010 el video logró el puesto 5 en la lista mundial de videos en Myspace y alcanzó el primer lugar en la lista global de metal del mismo sitio.10 Además, cabe señalar que «Teutonic Terror» ganó en la categoría mejor himno de metal, entregado por la edición alemana de Metal Hammer en 2011.11
Recepción Tras su publicación recibió reseñas positivas de la prensa especializada. En la revisión realizada por el sitio Blabbermouth se comentó: «Blood of the Nations es la inyección de energía que los fanáticos del heavy metal tradicional necesitábamos» e incluso, lo consideraron como uno de los mejores discos de 2010.7 Greg Prato de Allmusic lo nombró como el gran retorno de la banda y mencionó: «El grupo ha creado un álbum que sin duda está a la altura de sus días de gloria, entre el principio y mediados de los ochenta».2 Por su parte, uno de los editores del sitio Metal Underground consideró: «con Blood of the Nations, Accept ha creado un álbum más que aceptable, es fenomenal».5 Sumado a las buenas críticas, fue votado como el mejor álbum de regreso del año según una votación realizada por los televidentes del programa That Metal Show de VH1. Por su parte, la revista finlandesa Metal Schock lo nombró como el mejor álbum de regreso de toda la historia del heavy metal.10
Junto a las buenas críticas que recibió, el álbum logró ingresar en varias listas musicales del mundo generalmente dentro de los top 100. En Alemania alcanzó el cuarto lugar en el conteo musical, que lo convirtió en su álbum mejor posicionado en la lista de su propio país hasta entonces.12 Por su parte, se ubicó en el puesto 187 en los Billboard 200 de los Estados Unidos tras vender más de 2900 copias durante la primera semana de su publicación, posicionándose como el primer disco de la banda en ingresar en dicha lista desde Eat the Heat de 1989
Predator es el undécimo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1996 por RCA Records para Europa y por el sello Mayhem para los Estados Unidos. La producción marcó el regreso de Peter Baltes como vocalista principal en algunas canciones y a su vez, fue el primero y único disco grabado con el baterista Michael Cartellone de Damn Yankees. Por su parte, fue el último álbum con el vocalista Udo Dirkschneider y como banda, ya que en 1997 decidieron separarse de manera definitiva.
Death Row es el décimo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1994 por RCA Records para Europa y por el sello Pavement para los Estados Unidos. Es la última producción con el baterista Stefan Kaufmann, ya que durante el proceso de grabación sufrió serios dolores de espalda que le impidieron tocar bien la batería. Por ello, las canciones «Bad Habits Die Hard» y «Prejudice» fueron grabadas con el también alemán Stefan Schwarzmann, quien asumió la batería de manera temporal durante la gira promocional.
A pesar de poseer un sonido más agresivo que sus anteriores álbumes, fue criticado por la prensa especializada por su débil producción y poco dinamismo en las canciones.1 Por otro lado, el tema instrumental «Drifting Apart» fue titulado en algunas ediciones como «Drifting Away», mientras que en la canción «Sodom & Gomorra» incluye 1:29 minutos del movimiento «Danza del sable», escrita por el compositor armenio Aram Jachaturián en 1942. De igual manera, se incluye una versión instrumental de la marcha «Pompa y circunstancia» compuesta por el sir Edward Elgar.
Objection Overruled es el noveno álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1993 por RCA Records para el mercado europeo y por CMC International para los Estados Unidos. Es el primer disco grabado con Udo Dirkschneider desde Russian Roulette de 1986 y el primero como agrupación desde Eat the Heat de 1989.
En 1992, Wolf tomó la iniciativa y se trasladó a Alemania para conversar con Udo y Stefan, que junto con Peter, acordaron reunir la clásica formación después de un poco más de tres años de inactividad. Al respecto, Wolf comentó en una entrevista: «Fue genial. Es decir, constituirse y tener reuniones siempre es genial de alguna manera, porque se siente ese tipo de espíritu o de viento fresco de nuevo. Fue grandioso». En la misma entrevista conversó sobre la grabación del disco y mencionó: «En realidad lo hicimos más o menos como siempre lo hacíamos y sentimos que debíamos utilizar las mismas fórmulas».
A diferencia de sus anteriores álbumes con Udo, no se incluyó un segundo guitarrista, siendo todas las partes de la guitarra grabadas por Wolf. En 2004, Udo comentó sobre ello en una entrevista y mencionó que durante las grabaciones de las maquetas había participado Mathias Dieth, guitarrista de los primeros álbumes de U.D.O., «Wolf Hoffmann dijo que quería ser el único guitarrista de la banda. Realmente no me gustó pero sucedió de todos modos... Pensé que él podría ser nuestro segundo guitarrista, pero Wolf se opuso a la idea»
Eat the Heat es el octavo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1989 por RCA Records para el mercado europeo y por el sello Epic para los Estados Unidos. Es el único disco con el cantante estadounidense David Reece tras la salida de Udo Dirkschneider y también el único donde se acredita al guitarrista británico Jim Stacey, aunque todas las partes de guitarra fueron grabadas por Wolf Hoffmann.
Cuando se puso a la venta, el orden de las canciones de la edición europea difirió de la norteamericana, al igual que la portada fue distinta.
En 1988 y tras algunas audiciones contrataron al estadounidense David Reece para ser el reemplazante de Udo, que renunció a la banda luego de haber iniciado su carrera en solitario con U.D.O. En el mismo año y antes de comenzar las grabaciones, Jörg Fischer renunció una vez más a Accept y para reemplazarlo se escogió a Jim Stacey, que a pesar de figurar en los créditos no grabó ninguna parte de la guitarra, siendo todas ellas registradas por Hoffmann.
A diferencia de sus anteriores trabajos, su sonido estaba más enfocado en el hard rock y glam metal con el fin de llamar la atención del mercado estadounidense. Sin embargo, solo logró el puesto 139 en la lista Billboard 200, la posición más baja para una de sus producciones hasta entonces.3 Por su parte, dicho cambio de sonido no fue bien recibido por sus fanáticos ni tampoco por la crítica, quienes lo clasifican como el álbum más débil de su discografía. Al respecto, en una entrevista dada por Hoffmann en 2016 a la radio chilena Futuro comentó: «Me gusta la forma en que compusimos las canciones, no me gusta el resultado final. Y todos saben que no anduvo muy bien, pero en realidad hay algunas joyitas ocultas en ese álbum que merecen otra oportunidad. Y quizá algún día hacer algo con ellas, hasta ahora no hemos tenido el tiempo».
Russian Roulette es el séptimo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1986 por RCA Records para el mercado europeo y por el sello Portrait para los Estados Unidos. Con esta nueva producción retornaron a los sonidos oscuros y pesados de sus anteriores álbumes como Breaker y Restless and Wild, que les significó recibir una variedad de críticas a diferencia de su disco anterior.
Por su parte, es la última producción de estudio con el guitarrista Jörg Fischer y con el vocalista Udo Dirkschneider, hasta su regreso en 1993 con Objection Overruled.
En Russian Roulette la banda retornó a su sonido oscuro y pesado de sus producciones anteriores y decidieron ellos mismos producirlo a diferencia de Metal Heart. Esta decisión fue explicada en una entrevista por Wolf Hoffmann: «Tal vez estábamos regresando al sonido natural y no pulido de Accept en ese disco. No estábamos realmente contentos con el sonido limpio y claro de Metal Heart. Yo me sentía feliz tocando la guitarra en ese disco y estaba contento con mis partes, pero recuerdo que la sensación de la banda en ese momento era que no queríamos pasar de nuevo por eso con Dieter Dierks, que había producido Metal Heart».
Por otro lado, Peter Baltes en una entrevista a Metal Forces en 1986 habló sobre el título, donde mencionó que era una expresión antiguerra, haciendo alusión a que la guerra era un juego tan tonto como la ruleta rusa. Por dicha razón, en la portada aparecen vestidos de cosacos jugando este mortal juego de azar.
Metal Heart es el sexto álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1985 por RCA Records para el mercado europeo y por el sello Portrait para los Estados Unidos. Es el primer disco de la banda en ser producido por Dieter Dierks, dueño de los Dierks Studios donde habían grabado sus dos producciones anteriores. Por otro lado, marcó el retorno del guitarrista Jörg Fischer a la banda tras haber renunciado en 1981.
A diferencia de su predecesor incluyó canciones con letras más comerciales con el objetivo de conseguir mayor radiodifusión en el mercado estadounidense, sin embargo, solo ingresó en los top 100 de la lista Billboard 200.3 No obstante, logró muy buenas posiciones en Europa y recibió muy buenas críticas, a tal punto que se considera como uno de los mejores álbumes de su carrera.
A principios del 2000, Wolf Hoffmann comentó que el concepto del álbum nació tras leer un artículo de tecnología: «Habíamos leído un artículo sobre que un hombre estaba fabricando un corazón artificial y que un día todo el mundo iba a tener un corazón computarizado. En términos generales, se habló acerca de como la humanidad cada vez iba ser absorbida y que cada vez iba ser sustituida por las máquinas. Ahora no es nada nuevo, pero en aquel entonces si lo era». Por esa razón el disco iba ser una holografía de un corazón de metal que había sido hecha específicamente para el álbum, pero debido al alto costo que implicaría su fabricación se incluyó solo la imagen del corazón como portada.4
Por su parte, la producción de canciones comenzó solo semanas después de haber culminado la gira de Balls to the Wall, cuyas ideas originales se escribieron en una casa de veraneo de Vermont en los Estados Unidos. En total 24 canciones fueron preproducidas y con ellas se trasladaron a los Dierks Studios de Colonia (Alemania) donde Dieter Dierks —dueño del estudio de grabación— fue escogido para producir el álbum. Según Hoffmann, Dieter era extremadamente exigente y revisaba una y otra vez cada enfoque de las canciones, incluso mencionó: «Él era duro, pero los resultados fueron geniales». Cabe señalar que Metal Heart fue el primer disco de Accept en ser grabado digitalmente.4
Balls to the Wall es el quinto álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1983 por RCA Records para el mercado europeo y al año siguiente en los Estados Unidos por el sello Portrait. Es su primer disco que llamó la atención de los mercados norteamericanos y se convirtió en uno de los más vendidos de su carrera, debido a que es el único que ha sido certificado con disco de oro en los Estados Unidos y Canadá.
Tras su lanzamiento generó algunas controversias en algunos países, principalmente por el mensaje de ciertas canciones referidas a la homosexualidad y la represión política, como también por su sugerente portada. Aun así, recibió buenas reseñas de la crítica que lo posicionan como uno de los álbumes más vendidos de su carrera.
Luego que se puso a la venta generó algunas controversias en los Estados Unidos por su sugerente portada y su título, así como también por las letras de «London Leatherboys» y «Love Child», que significó que la crítica y los distribuidores de música de aquel entonces lo tildaran como un disco homoerótico y homosexual.1 En cierta medida, dicha controversia generó una buena publicidad en dicho país y ante ello el guitarrista Wolf Hoffmann comentó en una entrevista: «Ustedes los estadounidenses son tan tenso ante eso. En Europa nunca fue un gran problema... queríamos ser controvertidos, diferentes y tocar estos temas delicados, porque nos dio prensa y funcionó maravillosamente».2
Al respecto, el baterista Stefan Kaufmann explicó que muchos de los temas del disco tratan sobre las minorías oprimidas en general. «London Leatherboys» trata sobre los clubes de moteros: «Son gente normal, que solo se ven diferentes y se comportan de manera distinta, pero son gente normal, otra minoría más. Y «Love Child» trata sobre los gays, es verdad, pero se trata básicamente de personas que son oprimidas».1 Por aquellos años el tema de la homosexualidad era prácticamente un tabú, que generaba cierta oposición en la gente y en la industria musical. En una entrevista realizada por la revista francesa Enfer a Kauffmann, sobre por qué incluir estos temas en sus canciones comentó: «Es un fenómeno que debe ser considerado. Debido a que existe en una amplia escala y debe ser desmitificado...Durante mucho tiempo estas personas han sido consideradas como enfermas o locas. Sin embargo, es el momento de respetar a estas personas, abrir nuestras mentes que a menudo están cerradas».
Balls to the Wall marcó un antes y un después en la carrera de Accept, ya que logró muy buenas reseñas de la crítica como también una buena acogida en los mercados mundiales, superando así lo conseguido con sus anteriores producciones. Eduardo Rivadavia de Allmusic lo consideró como su disco más notorio y su mayor éxito comercial. Además, mencionó que era más melódico y menos potente que su antecesor, pero que en esencia es un álbum de heavy metal. Con respecto a su canción homónima dijo que era una obra maestra irresistible.4 El crítico canadiense Martin Popoff consideró que la complejidad de las letras combinadas con los riffs limpios y sobrios, le dan al disco una sutil sofisticación y un propósito singular. En una de las listas realizadas por el canadiense situó a Balls to the Wall en el primer lugar de los 100 mejores álbumes de metal de la década de 1980.1 Pierre Bégin de la revista en línea The Metal Crypt lo tildó de obra maestra y como un disco simplemente de heavy metal puro. Además, comentó que cuando HammerFall comenzó a grabar Renegade de 2000 con la ayuda de Michael Wagener, estaban inspirados en Balls to the Wall.5
Junto con las buenas críticas que recibió por parte de la prensa, también ingresó en algunas listas musicales de ciertos países. En Alemania logró el puesto 59 de los Media Control Charts, convirtiéndose en la primera producción de la banda en entrar en una lista de su país.6 De igual manera, fue su primer álbum en llamar la atención de las listas musicales norteamericanas, ya que ingresó en el puesto 74 en los Estados Unidos y llegó hasta la posición 43 en la lista de álbumes de Canadá.78 Adicional a ello, Balls to the Wall es el único álbum de Accept que ha recibido disco de oro tanto en los Estados Unidos como en Canadá
Restless and Wild es el cuarto álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1982 en el mercado europeo por Brain Records y al año siguiente en los Estados Unidos por el sello Portrait. Es el primer disco en ser grabado en los Dierks Studios de propiedad del productor Dieter Dierks, conocido por su trabajo con Scorpions, y a su vez el primero donde Udo Dirkschneider canta todas las canciones del álbum. Por su parte, es la primera producción donde su mánager Gaby Hauke colabora en la composición de canciones bajo el seudónimo de Deaffy.
Tras su lanzamiento logró muy buenas críticas de la prensa y además se convirtió en su primera producción en ingresar en algunas listas musicales europeas.
Breaker es el tercer álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1981 por Brain Records. Este disco marcó el regreso de Michael Wagener a la banda, pero esta vez como ingeniero de sonido y además, fue la última producción donde Peter Baltes interpreta la voz en una de sus canciones. Por su parte, fue la última grabación con el guitarrista Jörg Fischer ya que tras la gira promocional se alejó de Accept. No obstante, en 1985 volvería a la banda para las grabaciones de Metal Heart.
I'm a Rebel es el segundo álbum de estudio de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1980 por Brain Records. Es la primera producción con el baterista Stefan Kaufmann, que ingresó tras la salida de Frank Friedrich antes que su álbum anterior saliera a la venta.
Cabe señalar que fue la primera producción de la banda en ser lanzada en otros países por intermedio de diferentes sellos discográficos. En el caso de los Estados Unidos lo puso a la venta Passport Records y en el Reino Unido lo publicó Logo Records. En estas ediciones la portada fue cambiada por una enorme espada y fue titulado como Accept, debido a que su primer álbum no fue publicado en dichos países hasta años más tarde.
Accept es el álbum debut de la banda alemana de heavy metal Accept, publicado en 1979 por Brain Records solo para Alemania Occidental. Durante la década posterior la discográfica lo puso a la venta en otros países y en los últimos años ha sido remasterizado y lanzado por diversos sellos. Por otro lado, es la única producción donde participó el baterista Frank Friedrich, ya que antes de su lanzamiento renunció a la banda siendo reemplazado por Stefan Kaufmann
Shake is the ninth studio album by the Italian blues rock singer-songwriter Zucchero Fornaciari, released on 14 September 2001.[1] The album was mostly recorded in 2001 at The Plan Studios in Hollywood with producer Corrado Rustici, and previewed near Rovigo, on 9 September 2001.
- "Sento le campane" Zucchero, Isaac Hayes & David Porter 3:26
- "Music In Me" Zucchero, Robyx 3:21
- "Porca l'oca" 3:28
- "Ali d'oro" Zucchero, L. Luisi 4:57
- "Ahum" Zucchero, Robyx 4:44
- "Scintille" 5:15
- "Baila (Sexy Thing)" Zucchero, Robyx Zucchero, Robyx 3:57
- "Dindondio" Zucchero, Pasquale Panella 4:37
- "Rossa mela della sera" Zucchero, Pasquale Panella 5:05
- "Shake" 3:55
- "Tobia" Zucchero, Francesco De Gregori Zucchero, L. Luisi 4:58
El 17 de mayo de 2008, Papa Roach realizó una actuación en Nashville donde interpretó dos nuevas canciones, "Hangin On" y "Change Or Die". "Hangin On" se convertiría en "Lifeline" después de que Shaddix decidiera cambiar parte de la letra. Una tercera canción del álbum fue interpretada el 1 de julio en Florida en el Anfiteatro de Cruzan, llamada "I Almost Told You That I Loved You". Fue entonces que el vocalista Jacoby Shaddix anunció la fecha planeada del lanzamiento del álbum para el 26 de agosto. Sin embargo, un tiempo después Shaddix dijo en Pusle Radio que la fecha había sido cambiada al 24 de agosto de 2009.
"Hollywood Whore", el primer sencillo del álbum, estuvo disponible para la descarga como canción y como videoclip en el sitio web oficial del club de fanes de la banda el 25 de noviembre de 2008, antes de ser lanzado en Canadá dos días después. En otras regiones del mundo el sencillo está disponible digitalmente en iTunes.
"Lifeline", el segundo sencillo del álbum, fue lanzado el 27 de enero de 2009 en iTunes en formato digital. Tendría un lanzamiento físico el 10 de febrero, que incluía una versión en directo de "Getting Away With Murder" del DVD Live & Murderous In Chicago.
"I Almost Told You That I Loved You" es el tercer sencillo del disco. Sacaron dos trailers del videoclip el 18 y 27 de mayo de 2009. El sencillo fue puesto a la venta el 1 de junio de 2009. La versión censurada del video fue publicada el 12 de junio y la versión íntegra, el 15 de junio.
Pearl Jam es el octavo álbum de estudio lanzado por la banda de rock alternativo y grunge Pearl Jam. Salió a la venta en mayo de 2006. Fue grabado por Adam Kasper y Pearl Jam en el Studio X en la ciudad de Seattle en Washington. Este álbum destaca por la potencia de sus canciones, recordando la fuerza de sus primeros álbumes, tales como Ten, Vs y Vitalogy.
Vices & Virtues —en español: Vicios y virtudes— es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Panic! at the Disco, lanzado el 22 de marzo de 2011 por Fueled by Ramen.1 Producido por Butch Walker y John Feldmann, el álbum marca el debut de la banda con solo dos integrantes, Brendon Urie (vocalista y multiinstrumentista) y Spencer Smith (baterista), esto fue tras la partida del guitarrista principal, Ryan Ross, y el bajista Jon Walker, el 6 de julio de 2009.
Si bien la salida de Walker y Ross dejó un agujero en el régimen de escritura y composición de Panic! at the Disco, la experiencia se convirtió en un catalizador para Urie, encontrando su propia voz y confianza para ocupar el puesto de escritor principal. La lírica del álbum fue descrita como «el estudio del comportamiento humano», llegando a temas como la manipulación y confusión. La creación de Vices & Virtues tardó más de dos años, eso los llevó a una nueva experimentación musical debido al largo tiempo en el estudio.
Tras su lanzamiento, el álbum recibió críticas generalmente positivas. Los críticos alabaron la amplia variedad de estilos musicales en el álbum, mientras que citan la sencillez de la composición y el detallado lirismo de Urie como detractor. Precedido por el primer sencillo «The Ballad of Mona Lisa», el álbum debutó en la posición número siete del Billboard 200, vendiendo 56 000 copias en su primera semana.
Radiohead es una banda británica de rock alternativo originaria de Abingdon-on-Thames, Inglaterra, formada en 1985 inicialmente como una banda de versiones. Está integrada por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Colin Greenwood y Phil Selway. Radiohead lanzó su primer sencillo, «Creep», en 1992.
Roxette fue un dúo sueco de pop rock formado por la cantante Marie Fredriksson y el cantante y compositor Per Gessle. 1El dúo es considerado uno de los grupos suecos más importantes y de mayor éxito desde los tiempos de ABBA. Sobre la comparación del grupo con ABBA, Per Gessle afirma: «Pienso que la gran diferencia entre Roxette y ABBA es que nosotros estamos mucho más orientados a la música rock de lo que ABBA fue...». 2
Han vendido 75 millones de discos y sencillos, cuatro de sus sencillos llegaron al número 1 en el Billboard de Estados Unidos y fueron la primera banda de habla no inglesa en grabar un unplugged para MTV. Su trayectoria se extiende por más de dos décadas, tiempo en el cual han ganado diversos premios de la música tales como el World Music Award, premios MTV, los BMI de Inglaterra y varios Grammys suecos.
En cuestión de voces: la voz de Marie Fredriksson era muy personal y llena de matices, en su última etapa su tesitura en tipo de voz sería de Soprano. Como cantante solista, en alguna que otra canción, en fragmentos sus interpretaciones también podría definirse como voz casi contralto; pero en general, en la gran mayoría de sus interpretaciones (como solista, y en Roxette) su tipo de voz se puede calificar de mezzosoprano, pasando por mezzosoprano Falcon (Soprano Falcon, casi equivalente a mezzosoprano ligera) o mezzosoprano lírica. Una voz bastante potente, con graves completos y agilidad en agudos; capacitada para resolver ornamentos virtuosistas; voz bastante completa. Cuenta con grandes interpretaciones, tanto como cantante solista, como con Roxette. La voz de Per Gessle es considerada en la tesitura de tenor, con matices de rock.
Si bien el grupo se fundó en 1986, la fama internacional llegó en 1989 cuando la canción «The Look» los elevó al tope de las principales listas musicales de los Estados Unidos y luego por su participación en Pretty Woman con su canción «It Must Have Been Love», en su segunda versión editada especialmente para esta película. Además escribieron canciones para películas como «Almost Unreal», Super Mario Bros y «Stupid» (re-editada) para Spun.
Nació en Manhattan, Nueva York como hijo único de la actriz afroamericana de ascendencia bahameña Roxie Roker (1929-1995) y su marido el boina verde, promotor de jazz y productor televisivo de ascendencia judía ucraniana Sy Kravitz. Se le dio el nombre de su tío Leonard M. Kravitz, muerto a los 19 años en la Guerra de Corea. Desde los cinco años Lenny ya quería ser músico y tocaba la batería. Sus padres, amantes del jazz y el blues, le apoyaron en sus aspiraciones. En 1974 la familia se trasladó a Los Ángeles al obtener la madre un papel en la serie The Jeffersons. Allí Lenny cantó en un coro, descubrió el rock y en el instituto aprendió a tocar el piano y el bajo.
En busca del éxito musical, adopta el sobrenombre de "Romeo Blue", dada su admiración por el también cantante Prince, pero no consiguió ningún contrato musical con ninguna casa discográfica, que le decían que su música "no era lo suficientemente negra" o "lo suficientemente blanca", y decide volver a Nueva York.
Virgin Records En 1987 se casa con la actriz Lisa Bonet, con la que tiene una hija llamada Zoë Kravitz. El matrimonio se rompió cuatro años después, y la custodia de Zoe quedó en manos de Lenny. Meses más tarde de divorciarse de Lisa inició una relación de cinco años con la cantante francesa Vanessa Paradis; la pareja terminó en agosto de 1997.
Durante el tiempo que duró su matrimonio, Lenny Kravitz decide abandonar el look Prince y busca inspiración en grandes roqueros y músicos de los 70, como Led Zeppelin, Queen, Jimi Hendrix, Stevie Wonder, Curtis Mayfield y Kiss.
Es entonces cuando Virgin se fija en él y edita su primer álbum Let Love Rule, consiguiendo todo un número uno en las listas de éxitos e iniciando una prometedora carrera, que continúa en la actualidad.
1991-2006 Popularidad En 1991, su éxito musical más grande hasta el momento, It Ain't Over 'til It's Over alcanzó el número 2 en el Billboard Hot 100. En 1993 apareció su canción Are You Gonna Go My Way que fue un éxito rotundo y le catapultó a la fama. En 2001 este tema fue incluido como canción principal en Gran Turismo 3 formato NTSC.
En 2003 Metallica hizo tributo a unos cuantos famosos de la música, entre ellos: Lenny Kravitz con Are You Gonna Go My Way, Nirvana con Smells Like Teen Spirit, White Stripes con Seven Nation Army y Michael Jackson con Beat It.
En el 2004, recibió su sexta nominación a los Grammy en esa categoría por "If I Could Fall In Love" de su sexto álbum de estudio, Lenny. El atractivo de Kravitz ha sido reconocido también por sus colegas de profesión; sus colaboraciones son tan variadas como sus propias influencias, habiendo trabajado con Madonna, Slash, Aerosmith, Jay-Z, N.E.R.D, Mick Jagger, P. Diddy y Alicia Keys.
2006 - Presente. Revolución de amor y los juegos del hambre En 2008 publica el disco It's time for a Love Revolution que ha conseguido cosechar varios Discos de Oro en distintos puntos del globo, como en España, Estados Unidos y Reino Unido. Su hit más famoso del álbum es I'll be Waiting. Aunque durante su carrera se ha mantenido con Virgin entre los cinco primeros de cada ranking en todos sus sencillos comerciales editados para televisión. Ese mismo año en el lanzamiento de Guitar Hero World Tour apareció Are You Gonna Go My Way.
El día 5 de julio actuó en Bilbao en el festival BBK live, y el 7 de julio de 2008 en Madrid, cerrando el festival Rock in Rio.
El 30 de agosto de 2011, lanzó su noveno álbum de estudio, Black and White America. Grabado entre Bahamas y París. Su sencillo promocional antes del lanzamiento el disco fue Rockstar city life Banda sonora de la liga de baloncesto americana NBA. Más tarde lanzaría singles como Stand, Black and white America y "Push" (Actual)
El 30 de septiembre de 2011 actuó en el festival más importante de Sudamérica Rock In Rio. Luego se presenta en Buenos Aires, Argentina. en la apertura del festival Personal Fest ante unas 20 000 personas. En el mes de octubre comienza su gira Black and White Tour, que embarca ciudades como París, Róterdam, Londres, Luxemburgo, entre otras.
En marzo de 2012, Lenny Kravitz realizó su aparición cinematografíca en la película "Los juegos del hambre" (The Hunger Games), una película basada en una trilogía de libros (The Hunger Games, Catching Fire, y Mockingjay) escrita por Suzanne Collins. En esta película interpreta el papel de Cinna, el estilista de un "tributo" Katniss Everdeen. El 23 de noviembre de 2013 reapareció en su papel de Cinna, en la secuela de la saga de Los Juegos del Hambre: "Los juegos del hambre: en llamas" (The Hunger Games: Catching Fire).
En agosto de 2015, durante un solo de guitarra en un concierto en Estocolmo, Kravitz se sentó en cuclillas abajo, causando que el cuero de sus pantalones se rasgara. Debido a que Kravitz no llevaba ropa interior, sus genitales fueron brevemente expuestos a la audiencia.2 Él no enfrentó ninguna repercusión legal por el incidente.3 Posteriormente en 2017, Kravitz reveló que aún después de lo sucedido en Estocolmo él seguía manteniendo la costumbre de no usar ropa interior.
En julio del 2016 participó en la fiesta de clausura de la convención del partido demócrata en Filadelfia dando apoyo a la candidata a la presidencia de Estados Unidos de América, Hillary Clinton.
Discografía
Krezip fue una banda holandesa de Tilburg, Holanda, formada en 1997.
Miembros: Jacqueline Govaert Anne Govaert Annelies Kuijsters Joost van Haaren Bram van den Berg JanPeter Hoekstra
Albums: Run Around (1999) Nothing Less (2000) Days Like This (2002) That'll Be Unplugged (Also released as a DVD) (2003) What Are You Waiting For? (2005) Plug It In (2007) Best Of (2008)
http://www.krezip.com/
Origen: Países Bajos, Tilburg Componentes: Jacqueline Govaert, Anne Govaert, Annelies Kuijsters, Joost van Haaren and Thijs Romeijn
Perfect Symmetry (Simetría Perfecta en español), es el tercer álbum de estudio de la banda británica de rock alternativo Keane. Fue publicado el 13 de octubre de 2008.2 El título del álbum fue anunciado el 31 de julio del mismo año. La banda ha cambiado totalmente su aspecto y se dice que su nuevo disco sería "muy inesperado".
Keane comenzó a grabar su nuevo disco después del término del Under The Iron Sea Tour. Los primeros títulos de las nuevas canciones fueron revelados en una edición de principios de 2008 en la revista Q.
Hasta la fecha el álbum ha vendido 752.000 copias, resultando ser un disco no tan vendido en comparación con sus trabajos anteriores.
Yours Truly, Angry Mobes el segundo álbum de la banda británica Kaiser Chiefs. Fue lanzado el 23 de febrero de 2007 en Bélgica y Holanda, y el 26 del mismo mes en el resto del mundo excepto en los Estados Unidos, donde fue lanzado a fines de marzo de ese año. El lanzamiento de este álbum estuvo precedido por el lanzamiento de Ruby, el primer single del álbum, el cual fue lanzado el 19 de febrero de 2007. Este álbum fue el primero de la banda (y el único hasta la fecha) en alcanzar el número 1 del chart británico. Además fue certificado con el disco de platino en el Reino Unido y disco de oro en Australia.
alohacriticón.com, saben escribir briosas y melódicas canciones, con riffs fuzzy incisivos (herencia de su pasado garajero) y pegagojos estribillos-himnos en textos de rememoraciones de tiempos pasados, algún comentario social y/o vinculaciones amoroso-sexuales. En ocasiones su derivación y falta de madurez en la escritura les lleva a emplear trucajes líricos sin demasiado enfoque pero lo que permanece es su avivado sentido del ritmo y un artesanal y apreciable sentido de la composición pop. Algunos de los cortes más destacados del disco son las dos canciones de apertura, el single “Ruby”, enérgica píldora pop con intenso riff guitarrero ornado por “lalalas” y “aaas” vocales que acentúa su adherencia con un contagioso y simple estribillo, y “The Angry Mob”, una pieza con un intenso tramo-himno final en donde se critica la delincuencia y violencia urbana, además de la manipulación de la prensa y la idiotez de los atontados e ignorantes maniqueos que solamente ven cosas buenas y malas, querencias y odios. También resultan muy escuchables “Heat Dies Down”, otro corte pujante de pop nuevaolero, “Highroyds”, jaranera pieza a lo Blur de recuerdos adolescentes, “Love’s Not a Competition (But I’ll Winning)”, balada acústica que aplaca los agitados ritmos previos y que cuenta con logrados juegos vocales que subrayan las emociones de la canción, “Everything is Average Nowadays”, pop-punk a lo Buzzcocks, “Thank You Very Much”, potente tema con distorsión guitarrera y ligamento entre Blur y Bowie, “I Can Do Without You”, medio tiempo pop de construcción intachable, o “My Kind of Guy”, pieza con un tono más teatral-siniestro en donde se dan la mano algunas de sus referencias sónicas más palpables, como es el pop de la new wave y el glam-rock.
Al igual que el álbum debut de la banda, Employment, Yours Truly, Angry Mobfue producido, una vez más por Stephen Street, siendo este disco, con respecto a las letras, más oscuro y con más conciencia social que el anterior, con canciones que tratan de temas tales como los crímenes, la violencia y la fama. La respuesta crítica en Yours Truly, Angry Mob fue en general positiva. En Metacritic , que asigna una normalizado calificación de 100 a los comentarios de los críticos principales, el álbum ha recibido una media de puntuación de 61, basado en 29 críticas.
Fischerspooner fue un dúo musical estadounidense de electroclash formado en 1998 en la ciudad de Nueva York. El nombre viene directamente de los apellidos de los fundadores, Warren Fischer y Casey Spooner. Combinando tendencias extremas del electropop (Kraftwerk, Depeche Mode en sus inicios, Gary Numan, entre otros) con un moderno acercamiento a la programación, Fischerspooner produce un estilo de música dance con características robóticas y estrafalarias. Sus álbumes se pueden considerar como la banda sonora para sus actos en el escenario, en lugar de como simples grabaciones para ser interpretadas en vivo.
Originalmente un dúo formado por el músico clásicamente entrenado Warren Fischer y el video-artista y actor de teatro experimental Casey Spooner, el grupo creció hasta 20 hombres en escena, muchos de los cuales son bailarines y vocalistas invitados.
Su álbum debut, #1, originalmente llamado Best Album Ever, ha sido lanzado con diferentes discográficas, incluyendo International DJ Gigolo, Ministry of Sound y Capitol Records, e incluye los hit-sencillos "Sweetness", "Emerge", y la versión de "the 15th", de Wire. En 2001, se les rindió homenaje por un acto de tributo llamado "Fishyspoon", liderados por el artista Casey Wilder (alias 20faces).
En los últimos meses de 2004, Fischerspooner abrió su propio estudio llamado FS Studio en Nueva York, abierto al público por unas horas a la semana, permitiendo a la gente conocer a la banda y equipo de producción, así como previsualizar nuevos vídeos, y nuevos proyectos de música y danza en los que han estado trabajando.
En 2005 fue lanzado el segundo álbum de la banda, titulado Odyssey. El álbum presenta canciones más estructuradas que no son en realidad electroclash, si no más precisamente, electropop. El sencillo guía "Just Let Go", presenta sonidos de guitarra y batería en vivo, un sonido muy diferente al escuchado en su primer álbum. Fue presentada en el episodio 15 de la segunda temporada de la serie norteamericana de televisión: Nip/Tuck. El segundo sencillo "Never Win" se convirtió en el éxito más grande de la banda, bien recibido en clubes nocturnos y en radio.
A principios de 2008 el grupo editó dos sencillos, "The Best Revenge" y "Danse en France". Así sacaron su tercer álbum largo de estudio Entertainment en 2009, que incluía los anteriores singles, y que dio lugar a una gira internacional, siendo "Money can't dance" su as en la manga en todos los conciertos.
El cuarto álbum de estudio titulado SIR, está producido por Michael Stipe de R.E.M. y coproducido por Boots. Inicialmente su lanzamiento estaba programado para el 22 de septiembre de 2017, pero se retrasó al 16 de febrero de 2018. Está editado a través de Ultra. El primer sencillo del álbum "Have Fun Tonight" se lanzó en junio de 2017.1 Para promocionar la publicación el álbum, en enero de 2018 lanzan el video musical de "TopBrazil".2
En 2019, el dúo anunció su separación a través de un post en Instagram
Hoy voy a hablaros de un disco que, a pesar de la buena acogida que tuvo en su día entre crítica y público, poca gente parece recordar en la actualidad. Tal vez sea por lo poco en serio que esta banda se tomaba a sí misma (lo digo en el aspecto de ser una banda eminentemente festiva y cachonda), pero este disco podría aparecer perfectamente en mi lista de discos favoritos de todos los tiempos.
Fire es el disco de debut de la banda de Detroit Electric 6, y lo publicaron en 2003. En él encontramos 13 pelotazos donde se funden a la perfección un hard rock que raya el metal y el hardcore con la música disco, funk, punk, garage y new wave, creando una colección de canciones que son ideales para hacer mover el esqueleto hasta a un euskaldun de pura cepa! Y es que Electric 6 han seguido ampliando su discografía frecuentemente desde entonces, y en ella encontramos muy buenos momentos (Señor Smoke es un buen disco, Switzerland tiene canciones realmente pegadizas…) pero nunca han vuelto a llegar a los niveles de este Fire.
Fire llegó al puesto nº 7 en las listas de ventas del Reino Unido y de él se extrajeron 3 singles: Danger, High Voltage! (nº 2 en UK y nº 10 en US), Gay Bar (nº 5 en UK) y Dance Commander. De todos estos singles se hicieron unos vídeos a cada cual más cachondo, cuyos enlaces os dejo a continuación para que os echéis unas risas. Merecen mucho la pena.
Not Now Music Records reedita el primer LP de Elvis Presley, el homónimo “Elvis Presley” (1956), un álbum editado en RCA con producción de Steve Sholes que añadió vario temas grabados con Sam Philips en Sun.
El disco está compuesto casi en su totalidad por versiones, desde el “Tutti Frutti” de Little Richard al “Blue Suede Shoes” de Carl Perkins, pasando por el “I Got a Woman” de Ray Charles o el clásico “Blue Moon” de Rodgers/Hart.
De las pocas piezas originales de este LP escritas para Elvis son… La balada romántica “I’m Counting On You”, composición de Don Robertson con Floyd Cramer en el piano.
One-Sided Love Affair”, rítmico rock and roll boogie-woogie escrito por Bill Campbell.
Pues el primer capítulo del regreso de la legendaria banda británica/neozelandesa ya está escrito. ‘Elemental‘ es el primer EP de temas originales por parte de Pendulum en toda su historia, ya que solo habían lanzado sencillos y singles durante los 2000. Aparte de la nueva colaboración junto a Hybrid Minds, el EP estaría compuesto por ‘Driver‘, ‘Nothing For Free‘ y ‘Come Alive’, temas cuya reseña os dejamos abajo.
Pendulum regresa tras diez años con ‘Driver‘ y ‘Nothing For Free‘
Pendulum continúa trayendo nueva música tras su regreso con ‘Come Alive‘
Pero vamos a lo realmente importante. Este ‘Louder Than Words‘ que Pendulum nos trae junto a Hybrid Minds es un auténtico pelotazo. Teniendo en cuenta que estamos fusionando una de las bandas más legendarias de la escena drum and bass (si no la que más) con el dúo referencia del sonido melódico y la increíble voz de Rob Swire… ¿De verdad podría salir algo que no fuera sobresaliente? Es prácticamente imposible.
‘Louder Than Words‘ es serio candidato a ser el tema más sonado de la escena drum and bass en 2021 y, sin duda alguna, uno de los temas del año del panorama electrónico mainstream en países como el Reino Unido. Tiene todos los ingredientes para ser un tema que perdurará a lo largo de los años y que nos da esperanza de un regreso de Pendulum a la altura de las expectativas. Podemos decir sin tapujos que, en nuestra opinión, es el mejor tema de ‘Elemental‘, y con bastante diferencia.
En cuanto a lo que Pendulum nos tiene reservado, solo el futuro lo dirá… Pero estamos seguros de que Rob, Gareth, KJ, Hornet y Perry traerán más música a lo largo del 2021.
Sabemos que vienes buscando más drum and bass, así que no te preocupes. Nuestra mejor manera de dártelo es con ‘Sounds of Drum & Bass‘, la playlist exclusiva del género que renovamos cada mes con novedades, clásicos y lo mejor de nuestros artistas y sellos nacionales.
El álbum recibió atención crítica muy positiva tanto en Australia y el Reino Unido, convirtiéndose en uno de los mejores discos de drum and bass de todos los tiempos, junto con New Forms de Roni Size. 225.000 copias de Hold Your Colour se vendieron en el Reino Unido. El 25 de mayo de 2008 entró en el top 40 de las listas británicas, por primera vez, alcanzando el número 29 el 16 de agosto. "Slam" apareció en la banda sonora del videojuego MotorStorm de la consola PlayStation 3, y el bipolar remix de "Hold Your Colour" fue incluido en FIFA Street 2, Dance Dance Revolution Universe en la consola Xbox 360 y en el episodio estreno de la serie de Sky 1 Gladiators. También ha aparecido en el relanzamiento de Nine's Wide World of Sports como un outro al espectáculo y como un precursor de las interrupciones publicitarias. La canción "Tarantula" apareció en la serie dramática australiana de televisión Underbelly, en un episodio de la serie británica Skins y CSI: Miami, y en la banda sonora del videojuego MotorStorm: Pacific Rift.
Immersion es el tercer álbum de estudio lanzado por la banda australiana de Drum & Bass y Rock electrónico Pendulum. Fue anunciado a principios del año 2009, siendo confirmado en diciembre de ese mismo año. El álbum fue lanzado en Australia e Irlanda el 21 de mayo de 2010, y 24 de mayo en el resto del mundo, seguido de un tour en el Reino Unido para promocionar el mismo.
La producción del álbum finalizó el 18 de abril de 2010 y fue masterizado por Brian Gardner en 'Bernie Grundman Mastering Studios' en Los Ángeles, California.
Immersion se posicionó número 1 en las listas oficiales del Reino Unido en su primera semana de lanzamiento. El álbum contiene una variedad de estilos musicales, más que todo electrónicos. A pesar de que su base principal es el Drum & Bass, también mezcla Electro house, Dubstep, y Metal en él. Son aproximadamente 67 minutos de audio en total.
El álbum contiene colaboraciones con Liam Howlett, Steven Wilson y la banda de Death metal In Flames.
Los sencillos del álbum fueron Watercolour, Witchcraft, The Island y Crush.
Iniciando con una idea en común e influencia de varios estilos musicales Rob Swire, Gareth McGrillen y el DJ pionero Paul ‘El Hornet’ Harding en 2002 decidieron realizar su primer trabajo que fue Vault el cual se convirtió en un éxito para el 2003. Con lo cual trajo una serie de Sencillos como "Trail of Sevens", "Spiral", "Ulterior Motive", "Back to You" y "Still Grey". Esto llama la atención del renombrado DJ Fresh, quien con su reciente sello Breakbeat Kaos invita a Pendulum a unirse con la intención de formar un equipo de músicos visionarios; dando de esta manera la oportunidad de tocar en directo, por lo que se mudan al Reino Unido para tener una intensa gira por dicho país. Editan sus primeros sencillos "Another Planet" y "Voyager" bajo el sello Breakbeat Kaos, haciendo que sea el número 1 en el UK’s National Dance Chart.
Para el 2005, Pendulum saca su aclamado álbum debut "Hold Your Colour", con el cual ganan más popularidad en Europa y la adición del guitarrista Perry Ap Gwynedd, el baterista Kodish y el MC Verse, con lo cual dan una nueva imagen musical al grupo y cierran tratos con Warner Bros. Records y EarStorm. Pronto después de una serie de conciertos, lanzan el sencillo de "Granite", presentan en radio "Propane Nightmares" y anuncian su segundo álbum "In Silico"; el cual fue recibido muy bien por las críticas, junto a los videos de "Propane Nightmares" y "Granite". Para después del lanzamiento del álbum, inician giras en festivales y con grupos como Linkin Park y Jay-Z’s Projekt Revolution, Download, Creamfields, Reading/Leeds and T in the Park aumentando su popularidad y mejorando la ejecución y ambiente de sus conciertos.
Hacia el 2008, inician su gira por América, pasando por Estados Unidos, Canadá, México y Brasil, generando buenas críticas y sensación con el nuevo público, terminando así en eventos televisados y tocando en el Miami’s Ultra Music Festival. Regresando al Reino Unido, graban los videos musicales de "The other Side", "Showdown" y el concierto en Brixton Academy, con el cual para el 2009 dan a conocer su propuesta de Hard Rock Electrónico en vivo en versiones de DVD y CD, además de otra serie de conciertos por el Reino Unido.
Para inicios del 2010, anuncian a su nuevo baterista KJ Sawka, el sencillo de "Watercolour" y su próximo nuevo álbum "Immersion". Con lo cual tienen una mayor colaboración al punto de lanzar el primer video en 360° con la canción "Salt In The Wounds" y un nuevo concepto visual (además con los fanes) en el video de "Watercolour".
Para inicios del 2011, anuncian un convenio con la banda musical Linkin Park para actuar con ellos en la promoción del nuevo disco de Linkin Park A Thousand Suns: World Tour 2011. Pendulum asistirá de invitado oficial en la gira de Estados Unidos.
El 3 de enero de 2012, Pendulum anunció a través de Twitter, que se tomarían un descanso después de la gira y aprovechó para agradecer a sus fanes por los últimos años. Dejó la puerta entreabierta para un nuevo lanzamiento en el año 2013. Por su parte, Swire manifestó en su Twitter personal que la banda estará en un ínterin, y que se centrará en Knife Party, el cual es ahora, su proyecto principal.1
En enero de 2017 Pendulum vía redes sociales y su página web, Pendulum hace oficial el regreso una vez más de la banda mediante 3 videos, todo indica que será para dar un concierto en Londres el 26 de agosto de 2017, pero esto no garantiza próximos álbumes o trabajos.
In Silico es el segundo álbum de estudio hecho por la banda australiana de Drum And Bass Pendulum, lanzado en Australia y Europa el 12 de mayo de 2008 por Warner Bros Records y en los Estados Unidos un día después por Atlantic Records. El álbum presenta un cambio de sonido para la banda desde su primer álbum Hold Your Colour lejos del Drum And Bass, incorporando más influencia de la música rock y electrónica. El álbum llegó al rango número 2 en el UK album chart el 18 de mayo de 2008. Varios sencillos fueron incluidos en el álbum, tales como "Granite", "Propane Nightmares", "The Other Side" y "Showdown". Pequeños discos de la canción "The Tempest" fueron llevados a la audiencia del programa en vivo "Project Rev".
La expresión In Silico de la que el álbum deriva su nombre, significa hecho en computadora o vía una simulación de computadora. Sin embargo el guitarrista de Pendulum Gareth McGrillen comentó que el nombre se refiere a un álbum de Nirvana llamado In Utero (que significa nacer de forma natural o en el útero) y por eso lleva doble sentido con "nacer de forma sintética", además eso explica el diseño de la carátula del álbum donde se ve un bebé dentro del logo de Pendulum representando en síntesis un óvulo.
Procurare no extenderme demasiado para esta reseña, y no por cuestiones de merecimientos, si no simplemente porque para apreciar este disco no hace falta hacer un analisis muy profundo, el estilo de Chevelle fue patentado desde su album debut, 'Point #1', que ya tiene sus ayeres, pero que desde entonces se ganó el reconocimiento para los que gustan del genero.
La evolución de Chevelle nunca se ha visto reflejada en cambio de estilo y mucho menos genero, sin embargo no por ello dejan de mostrar algo distinto en cada trabajo, 'Sci-Fi Crimes' pierde agresividad con respecto a 'Vena Sera', pero gana en melodía y manipulación de la voz por parte de Pete Loeffler, haciendolo superior en calidad y solidez con respecto a su antecesor, pero aqui es donde no debemos exagerar, pues si bien el disco cuenta con algunos tracks que seguramente estarán en el top 10 de las mejores canciones de la banda, el resto del album podría quedar en un estandar de "bueno", sin ir mas alla.
'Jars', el primer single del album, la verdad es, que no pudo haber mejor opción para lanzarla como sencillo, ojo, no quiero decir que sea la mejor canción, porque no es asi, pero cuenta no solo con el estilo necesario para ser tocado en la radio, si no con un coro lo suficientemente bueno y solido para que la canción no se perciba tan comercial.
'Highland's Apparition' track acústico que marca uno de los mejores momentos del disco, con buena composición lyrica e instrumental, con todo y la tematica que la banda quiso manejar para este trabajo, la limpieza de esta canción en cuanto a ideas y manejo de los tiempos es de aplaudirse, porque en ningun momento te aburre como suele pasar con estilos de música que no cuentan con solos de guitarra o 'momentums' instrumentales.
'This Circus', sin duda el mejor track de 'Sci - Fi Crimes', al menos para un servidor, y que seguro estará en el top 3 de cualquiera que ya haya escuchado el album, pero que además otorga un cierre espectacular al ser el último track, dejandote una buena sensación en general, y desde los primeros 5 segundos de entrada de la canción tienes esa sensación que te encuentras escuchando una pequeña joya de entre todas las composiciones de la banda.
Otro par de tracks que creo son de los mejores son: 'Sleep Apnea' y 'A New Momentum', este es un album que sin duda adoraran los fans, aunque no marca ningún cambio o experimentación por parte de la banda, continua con su estilo muy marcado, con algunas joyitas y otras canciones que se quedan en un estandar medio que no trasciende, pero tampoco perjudican al disco, y de hecho en general es un trabajo muy disfrutable.
Dentro de unos días, el 8 de junio, Californication (1999) cumplirá sus veinte años. Vaya… cómo ha pasado el tiempo, ¿verdad, compañeros?
Californication se trata de nada menos que un disco generacional que marcó a millones, durante los últimos coletazos del siglo XX. Un álbum que, para bien o mal, realmente es la definición más pura del momento. Un apogeo. El trono de la droga, los abusos, el desenfreno y el sol en la playa.
Estoy completamente seguro de que a más de uno de nosotros el nombre Californication (o el de RED HOT CHILI PEPPERS) le trae un montón de recuerdos, y hasta una lagrimilla nos saldrá. Por supuesto; aquí tenemos presente a un disco, repito, que marcó a una generación enterita. Un álbum donde encontraríamos lo mejor y lo loco de una de las agrupaciones más interesantes de aquellos años.
Por supuesto, Californication no es ni de asomo lo mejor de los PEPPERS, teniendo en cuenta grandísimos trabajos como Blood Sugar Sex Magik (1991) o Mother’s Milk (1989), merecedores de las máximas puntuaciones. Sin embargo, la californicación es la definición más pura de estos hombres. El cénit. El canto de cisne... antes de apagarse para siempre.
Californication es un disco que nos trae al presente una sensación curiosa en el pecho. Esas melodías relajadas que terminan estallando en riffs más ácidos, o de plano continúan con esos toques bluseros (cortesía del ingenioso Frusciante), hasta convertirse en lo que realmente nos hace valorarlo. Un álbum que muy ingeniosamente se nos presenta como el coletazo final, donde se reunieron la inspiración, las letras más introspectivas y, cómo no, la más alta rotación de los PEPPERS en su historia.
Un álbum triunfante, que se vendió y escuchó a raudales, y más de medio planeta debe tener así sea un recuerdo asociado a este disco. Y eso es lo bonito de Californication. Su valía musical es bastante poca, comparada con lo logrado en anteriores trabajos, pero el jodío CD tiene una magia que no se la quita nadie. La producción, aunque en ciertos puntos se pasa de terrible, te da la sensación de que los tiene tocándote sus temas frente a ti. A cuatro tipos que no sabían, muy seguramente, que veinte años después serían una referencia para la mayoría de nosotros.
El error, claro está, en lo que vino después. Se nos aburguesaron los PEPPERS (bueno, terminaron de hacerlo), y luego tendríamos discos que apenas contenían un pequeñísimo porcentaje de la calidad que estos tipos ofrecieron. Por eso Californication es tan importante: es el “apaga y vámonos”, literalmente, del siglo pasado. Y aún así, lo presentado en este disco se defiende por sí solo.
Parece ser que las sensaciones que evocan este disco es una mezcla de pedantería nostálgica con vivencias que creábamos poco a poco. En la californicación está contenido un pedazo de muchos de nosotros. De ese joven solitario que vive para pasarla bien, que tiene algunos amigos que de vez en cuando lo recuerdan, una novia inconstante y peleona, problemas con los vicios y una cabellera grasienta. Las letras de este disco nos muestran a ese 1999 y los primeros años del 2000 como cuando ya quedábamos en plan “vaya, ya esto está listo”. Una música crítica, íntima, y con unas melodías vocales de esas para tirarse en el sofá como un gato a recordar las series de esos años que no volverán.
Creo yo, que lo apasionante de este disco, más allá del eslabón inédito de súper-ventas, es como se conecta con quien lo oye. Personalmente, los PEPPERS nunca me han parecido virtuosos (eso sí: tremendos músicos), pero con un bajo, una guitarra, una batería y una entrañable voz estos tipos nos hacían la película entera. Recuerdo haber oído hace años Californication, y me daba una gran sensación de independencia. Mi banda sonora. Y lo impresionante era cómo la música esta es una mordida al pasado, donde los protagonistas, envueltos en excesos, se destruían a sí mismos, para luego recordar por qué habían nacido en aquella California que sólo unos cuantos privilegiados contemplaban.
Sin dudas, Californication y todos sus temas (más allá de los espectaculares sencillos, hay que decirlo) son como una gran ola que se alza para arrastrarnos de nuevo al mar. Ese disco que pillamos con los colegas, unas cervezas y nos sentamos a contemplar las bellas damas que caminan frente a nosotros. Las melodías que crean Flea y Frusciante con sus instrumentos de cuerda pulsada son sencillamente delirantes. Algunas veces, esa guitarra del joven John nos dice “oye, ¿te acuerdas de aquella chica que tanto amabas, pero que te dejó cuando menos lo esperabas?”, y sientes que la historia del desilusionado Anthony es como otro reflejo personal. Un álbum donde cuatro hombres, en plan domingo mañanero lloviznoso cerca de la playa, nos resumen la semana con agonía, desespero, fascinación e impresionismo.
Lo más lindo, siempre he sentido, de Californication es que tiene una mezcla de sensaciones que intensifican de plano un ambiente reflexivo y silencio. Por supuesto, en sus toques más ácidos, funkeros y guitarreros la cosa nos pone ya en otro lugar. Sin embargo, aprecio lo creativo y delirante de una propuesta que nos lleva tomados de la mano por un montón de recuerdos de cuatro jóvenes envueltos en las situaciones del día a día. Una banda sonora que quiere entretener, pero que deja siempre esas pequeñas puyitas de reflexión, de silencio en medio de la soledad. Algo que nunca se oyó antes o después.
Esa piscina llena de sangre de menstruación, o de vino muy pesado, es donde nos encontramos con el final de la línea. Por un lado, los PEPPERS fueron una banda bastante innovadora desde que debutaron a mediados de los 80’s, hasta llegados a este punto. Lamentablemente, después de aquí, nos encontramos con una esquemática secuencia de discos que tratan de rescatar la esencia de la californicación, convirtiéndose los RED HOT CHILI PEPPERS en la banda de referencia del Mainstream moderno por largo tiempo. No obstante, un disco de la talla de Californication tiene todos los elementos musicales, líricos y sentimentales como para darnos la sensación de que, quieran o no, nos encontramos con un clásico que es reverenciado por quienes menos crees. Un disco, pareciera (y lo es), de escucha obligada. Y con el que más de mil millones tuvieron aquellas experiencias que, en conjunto, conformación la transformación de esta música en realidades sociales.
Un Anthony Kiedis meditabundo, solitario y con su carismática voz, capaz de transmitir el calor y el frío de una playa en Santa Mónica. Un Chad Smith con sus habituales ritmos Funk, pero con este estilo de pulsación tras pulsación con una calma de vértigo, lanzándonos una ventisca refrescante, pues hasta los platillos suenan como las olas del mar. Un John Frusciante en pleno ardor psicodélico, que avanza en una contraparte más ácida y guitarrera, produciendo solos muy, muy delirantes, haciendo el puente mental entre el alma de disco y nosotros. Y por último, un Flea Balzary y su bajo estridente, siendo muchas veces el espíritu de la californicación, pues tremendo bajista, con mucha elegancia para sacar cada puta nota de un instrumento que de por sí nos hace lanzarnos en la cama, en medio de una discordia y una pelea con nosotros mismos.
Sin dudas, amigos, Californication cumplirá veinte años, y pareciera que no ha pasado tanto, ¿cierto? Pero ahí tendremos himnos como Otherside (mágica, mágica), la homónima Californication (¿quién no se imagina a unos Guardianes de la Bahía en plan relax?), Scar Tissue (ese slide de Frusciante no tiene precio), la inusual Road Trippin’ (de los últimos temas realmente preciosos de los PEPPERS) o la que abre el disco: Around the World. Porque es así, colegas. Un disco que ya es una definición entera de un sentimiento.
Californication anda lejos de sus discos de referencia (leche materna, y sangre-azúcar-sexo-magia), pero, ¿qué más da? Si igual lo oímos y nos babeamos por él. Un álbum que ya vale por sí solo, pero que desgraciadamente traería posteriormente una serie de intentos que sólo atrajeron esa camada de seguidores post-californicación, dejando a los fans de los 80’s y 90’s un poco descontentos. Pero, bah. Por este Californication más de uno vivirá y morirá con esos himnos en la mente, el corazón, el alma y el espíritu.
The Cult es una banda británica de hard rock. A mediados de los 80, The Cult fue una de las principales bandas que hicieron resurgir el hard rock en Inglaterra. La banda fue influenciada principalmente por el misticismo de The Doors y el estilo de las guitarras de hard rock de Led Zeppelin y AC/DC. La agrupación comenzó con un estilo rock gótico y post-punk,1 y fue evolucionando hacia el hard rock a partir del disco "Electric" (1987). The Cult tuvo varios éxitos en el Reino Unido a mediados de los 80's, como "She Sells Sanctuary”, "Rain", y "Revolution"; y a finales de los ochenta entró en el mercado estadounidense de hard rock con la canción "Love Removal Machine". Aunque su álbum de 1989, Sonic Temple, fue el más exitoso comercialmente, la banda decaía detrás del escenario debido a crecientes tensiones y abusos de alcohol. Para 1995, The Cult se había separado.1
Entre 1999 y 2002, la banda se reunió para grabar el álbum Beyond Good and Evil y relanzaron todos sus álbumes en Asia y Europa oriental en el 2003 y en Japón en el 2004. En el 2006, la banda se reagrupó para llevar a cabo una gira mundial. La agrupación se dispuso a grabar material nuevo comenzando en febrero de 2007: Born into This.2 The Cult ofreció algunos conciertos durante la primavera del 2007. En el 2012 lanzaron el disco Choice of Weapon y en febrero de 2016 el álbum Hidden City.
The Cure es una banda británica de rock formada en 1976 en Crawley (Inglaterra).2 En sus orígenes, se llamó Easy Cure por un breve período, y ya figuraba en sus filas uno de sus tres fundadores y futuro líder, Robert Smith, como guitarra solista.n. 1 El grupo alcanzó la cota más alta de su éxito comercial entre finales de la década de los ochenta y la primera mitad de la década de los noventa.
Durante su extensa carrera, The Cure ha tenido múltiples cambios en su formación, siendo su alineación más popular la integrada entre 1986 y 1989 por el vocalista Robert Smith, el bajista Simon Gallup, el guitarrista Porl Thompson, el baterista Boris Williams y los teclistas Roger O'Donnell y Laurence Tolhurst, de los cuáles actualmente permanecen Smith, Gallup y O'Donnell, junto a Jason Cooper en la batería y Reeves Gabrels como guitarra solista. La apariencia característica de Smith, frecuentemente vestido de negro y maquillado con un efecto borroneado de lápiz de labios, sumada a letras introspectivas y existenciales,3 han hecho que la banda fuera asociada generalmente con el rock gótico.
La banda ha incursionado en diferentes géneros y estilos, tales como el post-punk,1 en algunos de sus primeros temas como «10:15 Saturday Night» o «In your house»; el rock gótico,1 en temas como «One hundred years» y «A forest»; la música new wave británica,4 alegre y optimista, en temas como «Close to me» o «Just like heaven», e incluso por varios momentos de electrónica, como en «The walk» o «Let's go to bed».5 Considerado uno de los grupos referentes del rock alternativo.6 En 1989 se publicó Disintegration el álbum de la banda considerado como su obra cumbre,5 disco con el que la banda alcanzó su puesto más alto en las listas británicas con sus exitosos sencillos «Lovesong, «Fascination Street, «Pictures of You» y «Lullaby», este último posicionándose en el quinto lugar durante seis semanas consecutivas.7
En 1994 y en 2001 la banda fue nominada al Grammy en la categoría de mejor disco de música alternativa.8910 Entre 1987 y 2004, The Cure vendió alrededor de 30 millones de discos en todo el mundo.11 El 29 de marzo de 2019, The Cure ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll
Creed es una banda estadounidense de rock formada en 1994 en Tallahassee, Florida. Grabó 3 álbumes antes de que su disolución tuviera lugar en 2004. En 2009, la banda se reunió. Desde 1995 hasta 2012, Creed vendió cerca de 28 millones de copias en los Estados Unidos y 53 millones en todo el mundo, y el álbum Human Clay ha sido certificado once veces platino en los Estados Unidos.
Desde sus inicios, la banda tuvo mucha popularidad y alcanzó altos índices de venta; sin embargo, con el tiempo la relación entre sus integrantes se fue desgastando, hasta llegar a su separación, después de 10 años de trayectoria, en el 2004. En la primavera de 2009, se anunció, oficialmente, que los 4 miembros fundadores de Creed decidieron reunirse, tras su ruptura, para realizar un tour y grabar un nuevo álbum. Sin embargo, un tiempo después, las tensiones entre Stapp y Tremonti volvieron a surgir y la banda quedó en pausa de nuevo en el 2012.
David Lee Roth y Edward Van Halen, o viceversa, siguen siendo una dupla explosiva, musicalmente hablando, más de cuarenta años después de empezar a tocar junto a una de las mejores bases rítmicas del rock, integrada por Alex, el hermano mayor de Eddie, y el bajista Michael Anthony.
Dice la historia que Edward Van Halen resucitó a un rock pesado mundial que desfallecía producto del desgaste natural de la fórmula desarrollada por precursores como Jimi Hendrix o Blue Cheer y que luego pesos pesados como Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath popularizarían, a lo que habría que agregar los efectos nocivos para la salud y la creatividad de esta generación de músicos, como consecuencia de sus excesos de toda índole a inicios de los ´70.
Es así como a fines de los `70 teníamos por un lado a un jovensísimo Eddie, quien había pulido durante años la técnica del "finger-tapping", encandilando a cuanto aficionado escuchaba el álbum debut One, y que en directo de igual forma se ubicaba en las primeras filas junto a multitudes de jóvenes guitarristas y críticos, todos tratando de asimilar la forma de tocar del nuevo guitar god.
Pero también destacaba nítidamente Diamond Dave, el frontman del rock, el cock singer creador de un estilo de canto que mezclaba magistralmente un registro de voz grave con agudos en los gritos, y que además podía realizar piruetas acobáticas en el escenario nunca antes vistas, así como movimientos inspirados en las artes marciales, características que tratarían de ser imitadas posteriormente por infinidad de cantantes.
A esta formación tan innovadora y creativa en estudio, que editó seis álbums multiventas consecutivos desde 1978 hasta 1984, le faltaba sin embargo algo que los fans siempre le reclamaban, el álbum oficial en directo, no obstante la existencia de numerosas grabaciones de recitales a lo largo del mundo, incluidas las del tour a Latinoamérica de 1983.
Por tanto, este Tokyo Dome Live in Concert viene a ser un disco que salda una deuda del grupo. Ya no está Michael Anthony, es cierto -se dice que fue retirado del grupo debido a su cercanía con el ex cantante Sammy Hagar- pero el resto de integrantes son los mismos de la formación clásica de Van Halen, a la que se ha sumado desde 2006 el hijo de Eddie, Wolfgang, en el bajo y los coros.
Fue grabado el 21 de Junio de 2013 en el Tokyo Dome de la capital japonesa, como parte del tour que también visitó las ciudades de Nagoya y Osaka.
Ciertamente los años no pasan en vano, ahora Diamond Dave ya casi no emplea en directo los gritos agudos presentes en clásicos como Runnin' With the Devil y Everybody Wants Some!!, pero los suple con una performance vocal sobria, siendo notorio que prefiere concentrarse en reproducir con más fidelidad las melodías originales de estudio, apoyándose en los coros a cargo de los demás integrantes del grupo.
El set list es impresionante, la guitarra de Eddie suena muy potente en todo el show y la percusión de Alex de igual modo está a la altura, en especial en los temas más complejos como Hot for Teacher o Romeo Delight. Las canciones han sido extraídas de los seis primeros lanzamientos de Van Halen y del último álbum A Different Kind of Truth, que fuera lanzado en 2012 con Roth nuevamente en las voces.
Para quienes no conocen la discografía vanhaleniana y prefieren los temas potentes, recomiendo en primer término la escucha de Unchained, Runnin' With the Devil, Everybody Wants Some!!, Somebody Get Me a Doctor, y del segundo disco los tracks And the Cradle Will Rock..., Romeo Delight, Hot for Teacher, Panama y Ain't Talkin' 'Bout Love; y a quienes gustan de lo más accesible pueden pinchar los temas Me & You - Drum Solo, Dance the Night Away, I'll Wait y Jump.
Este lanzamiento tiene una particularidad, no incluye overdubs -como se conoce a la técnica empleada en estudios de grabación para incorporar nuevos sonidos o instrumentos a un track previamente grabado- lo cual enaltece a todos los músicos de la banda.
No es un directo que haya pasado desapercibido, hasta Sammy Hagar hizo declaraciones algo críticas respecto del mismo, pero también hay comentarios favorables como los del guitarrista de Tesla, Frank Hannon: "A todos aquellos que ansiosamente esperaron en Tower Records para conseguir los álbums Van Halen II, Women And Children First y Fair Warning… este album será de su gusto… A aquellos que desean voces perfectas, compren un álbum en vivo de One Direction!".
Una curiosidad de esta grabación es el dominio del idioma japonés por parte de Diamond Dave, lo cual se puede escuchar en varios pasajes del concierto, provocando aplausos entre la audiencia nipona. Como es conocido, Roth es muy hábil en ese aspecto, ya lo demostró en la gira por Latinoamérica de 1983 donde también hizo comentarios en español y portugués en Caracas, Buenos Aires y Sao Paulo, respectivamente.
La buena noticia es que según declaró Eddie Van Halen en abril último, hay posibilidades de un nuevo álbum en estudio:
"Ciertamente tenemos material suficiente. Es una cuestión de tiempo y seguir juntos. Esa es la única forma en que se puede hacer", aunque expresó su frustración porque los aficionados no están ansiosos de escuchar nuevas canciones:
"Sacamos nuevo material en 2012, pero luego vamos al escenario y tocamos esas canciones nuevas, y el público te mira como "¿Qué es esto? Ellos realmente quieren escuchar los clásicos. Es una especie de arma de doble filo ... Tal vez dentro de 10 años, A Different Kind of Truth sea considerado un clásico y la gente va a querer escuchar sus temas".
The Mighty Van Halen sigue en la lucha, larga vida al rock and roll!!
David Lee Roth (Diamond Dave) / Voz principal y guitarra acústica. Alex Van Halen / Batería. Eddie Van Halen / Guitarra y coros. Wolfgang Van Halen / Bajo y coros.
No suele implicar demasiadas complicaciones comentar un disco de grandes éxitos, aunque dependiendo del caso suele haber algunos detalles interesantes. Un disco de grandes éxitos se publica siempre en los mismos contextos: para recordar la trayectoria de un grupo que ya no existe, para marcar un cambio de etapa y ciclo o para zanjar una relación contractual de una banda con su discográfica. En el caso de los Foo fighters (visita su web en español) parece que es el segundo supuesto. Ha llegado a haber rumores sobre la disolución del grupo, pero parece que en breve estarán dándole forma a nuevo material.
Queens Of The Stone Age jamás volverá a sonar como en Rated R o Songs for the Dead, eso es así. Y es que quince años después de aquellas maravillas de stoner de libro, en Villains encontramos una (r)evolución sonora clara por parte de QOTSA.
Y es que después de su primer adelanto, ese The Way You Used To Be con un ramalazo swing que nos hizo chasquear los dedos al ritmo de sus guitarras, no era difícil pensar que Villains generaría rechazo a los más clasistas y una sensación de haber encontrado oro puro a los que les gusta mirar hacia adelante.
Si todo esto es ‘culpa’ del productor cercano al mainstream Mark Ronson o de Josh Homme… ya es otro misterio que no sabremos resolver. El caso es que, al aquí presente, este disco le ha hecho cosquillas en las orejas. Tanto, que podría colocar a Villains entre sus mejores discos desde que la banda norteamericana publicara Songs for the Deaf.
De todas maneras, tampoco nos volvamos locos. La esencia permanece casi intacta gracias a regalos como Domesticated Animal, un tema a medio tiempo con regusto añejo bien rico y con grandes semejanzas a lo que vimos en Like A Clockwork… ,la delicada Fortress o la explosiva y casi esquizofrénica Head Like A Haunted House.
Por otro lado, también hay que destacar los cambios. ¿Qué me decís de los ‘sintes’ ultra-potenciados de Un-Reborn Again acompañados de esa machacona batería? Una animalada. ¿Y de esos fantásticos riffs de guitarra de Villains Of Circumstance? Un cierre épico y emotivo para un Villains que también abre de lujo con Feet Dont’ Fail Me, uno de los temás mas destacados de este trabajo.
Giros, mucho groove, potencia, sintetizadores que encajan a la perfección (si, en serio) y guitarreo es lo que que te espera en el nuevo disco de Queens Of The Stone Age. Un nuevo abrazo a la oscuridad con la que tango le gusta jugar a Josh Homme.
Estamos ante uno de los discos más destacados del año dentro de su género. Y no ocultamos nuestro deseo de que esta enorme banda confirme fechas en España para verles de nuevo en directo.
De padre siciliano —procedente de Mesina— y madre australiana, es la segunda de cuatro hermanos. Natalie creció en la Costa Central, al norte de Sídney. Como Jason Donovan y Kylie Minogue, también participó en la serie de televisión Neighbours (Vecinos) antes de comenzar su carrera de cantante.
Su primer sencillo, «Torn», en 1997, alcanzó el número dos en las listas inglesas y su álbum Left of the Middle vendió seis millones de copias. El siguiente en aparecer, en 2001, fue White Lilies Island, que vendió más de un millón de copias. En 1999 colaboró con Tom Jones en su disco Reload.
Imbruglia volvió a actuar en 2002 en un papel secundario en la parodia de espías Johnny English, junto con Rowan Atkinson. Se casó con su novio Daniel Johns, cantante de Silverchair, después de un largo noviazgo, el 31 de diciembre de 2003. La pareja se divorcia a finales de 2007.
En abril de 2005, Imbruglia lanzó su tercer trabajo de estudio, Counting Down The Days en el Reino Unido, el cual alcanzó el número uno en ventas en su primera semana. El primer sencillo de este álbum fue «Shiver». Este se convirtió en su sencillo más exitoso en el Reino Unido desde su debut. El segundo sencillo fue «Counting Down The Days», lanzado el 25 de julio, que a pesar de que tuvo menos éxito que «Shiver», logró mantener el interés en el trabajo de Imbruglia, dominando las emisoras de radio como el anterior.
En 2009 publica Come to Life, un álbum en el que contó con la colaboración del cantante de Coldplay, Chris Martin, componiendo varios temas como «Lukas», «Fun» y «Want», y también con la participación de Brian Eno en la producción.
En diciembre de 2013 anuncia, a través de su cuenta de Instagram, que está trabajando en un nuevo álbum de covers, producido por Christian Medice y Billy Mann.[cita requerida]
El 24 de julio de 2019 anuncia su primer embarazo logrado a través de fecundación in vitro. El 9 de octubre de 2019 confirma el nacimiento de su hijo, Max Valentine Imbruglia.
Theatre of Pain es el tercer álbum de la banda estadounidense de glam metal Mötley Crüe, lanzado el 21 de junio de 1985. Su lanzamiento se dio después del arresto del cantante Vince Neil por homicidio vehicular y se alejaba un poco del sonido de heavy metal de su predecesor Shout at the Devil hacia un estilo más glam-rock, tanto en sonido como en imagen.
Theatre of Pain incluye los hits "Smokin' In The Boys' Room" y la balada "Home Sweet Home". El álbum llegó al puesto #6 en EE. UU. y al #36 en el Reino Unido.
Theatre of Pain está dedicado al antiguo miembro de Hanoi Rocks, Nicholas "Razzle" Dingley, quien murió en el accidente automovilístico que resultó en el arresto de Vince Neil.
El legado inmortal de bandas como Blue Cheer, los Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple (por no hablar de otros grupazos de hard-rock de finales de los 60 y comienzos de los 70 menos conocidos, como Budgie, Cactus, Leaf Hound, Uriah Heep, Arzachel, Captain Beyond, Granicus, Atomic Rooster, Killing Floor y cientos más del período) no deja de ser reverenciado por conjuntos que básicamente copian el estilo de los grandes nombres citados. Entre ellos este trío australiano llamado Wolfmother.
Si ahora me arrimo al hard-rock de Black Sabbath y Led Zeppelin con la influencia del blues-rock lisérgico de Cream o Hendrix, después me voy al rock progresivo de Jethro Tull, una pizca del garaje psicodélico de Chocolate Watchband o los Electric Prunes, o, más modernillo, del garage-blues-rock de los White Stripes.
Escuchando las estructuras, las líneas de guitarra, la distorsión, la transición de tempos, la catarsis vocal de expresión dramática (a lo Robert Plant) los textos con tono épico-mágico-romántico, las atmósferas… nada suena nuevo ni demasiado interesante, aunque al ser remedos de fenomenales raíces sonoras, el disco no deja de deparar una escucha más que agradable.
OneRepublic es una banda estadounidense de pop rock1 formada en 2002, en Colorado Springs, Colorado,2 por el cantante Ryan Tedder y el guitarrista Zach Filkins. La banda alcanzó el éxito comercial en Myspace como un artista sin un sello discográfico que los respaldara.3 A finales de 2003, después de que OneRepublic tocara en un espectáculo en el área de Los Ángeles, una serie de sellos discográficos se acercaron a ellos con interés, pero en última instancia, OneRepublic firmó con Velvet Hammer, una compañía disquera subsidiaria a Columbia Records. Hicieron su primer álbum con el productor Greg Wells durante el verano y otoño de 2005 en su estudio Rocket Carousel, en Culver City, California. El álbum fue originalmente programado para su lanzamiento el 6 de junio de 2006, pero el grupo dejó de firmar para Columbia dos meses antes, por lo que el álbum nunca se lanzó. El primer sencillo de ese álbum, "Apologize", fue lanzado el 30 de abril de 2006, en Myspace y donde recibió cierto reconocimiento, convirtiéndose en su primer número uno en las listas de dicho sitio.
En 2007 OneRepublic lanzó su álbum debut, Dreaming Out Loud. Su primer sencillo, "Apologize", fue remezclado por Timbaland, convirtiéndose en un gran éxito internacional, alcanzando el número uno en dieciséis países y, posteriormente, ganándose una nominación a los premios Grammy.4Actualmente, Apologize cuenta con más de 16 Millones de copias vendidas a nivel mundial.
El segundo sencillo, "Stop and Stare", reflejó el éxito de su predecesor. El álbum fue certificado Platino más tarde por la Recording Industry Association of America (RIAA). El segundo álbum de la banda, Waking Up (2009), produjo los sencillos "All the Right Moves", "Secrets", "Marchin On", y "Good Life", con este último alcanzaron el top ten en la lista estadounidense Billboard Hot 100.
El tercer álbum de OneRepublic, Native (2013), se convirtió en el primer álbum de la banda en entrar al top ten en la lista Billboard 200, y el álbum que alcanzó las mejores posiciones hasta la fecha, alcanzando el número cuatro. El primer sencillo, "If I Lose Myself", entró dentro de los diez primeros lugares de popularidad en varios países, mientras que el tercer sencillo del álbum, "Counting Stars", se convirtió en el sencillo más exitoso de la banda en los últimos años, logrando entrar al "top five" en Australia, Canadá, Alemania, Irlanda, Nueva Zelanda, Estados Unidos y el Reino Unido. También alcanzó el puesto número 2 en la lista Billboard Hot 100, igualando el lugar obtenido por "Apologize" en 2007.
No Doubt (en español: sin duda) es una banda de rock formado en Anaheim, California, (Estados Unidos). Su música estuvo en sus inicios profundamente influenciada por el ska, evolucionando posteriormente más hacia el soft rock. También reciben influencia de los estilos reggae jamaicanos, habiendo actuado en múltiples ocasiones con artistas jamaicanos como Lady Saw. En 1992 lanzaron su álbum debut No Doubt, el cuál no tuvo el éxito esperado, pero alcanzaron fama mundial gracias a su tercer álbum Tragic Kingdom de 1995, el cuál ayudo al renacimiento del ska en los años 90′ y alcanzo el Disco de Diamante en los Estados Unidos. El tercer sencillo del álbum, “Don’t Speak“, estableció un record tras permanecer 16 semanas en el puesto número uno del Billboard Hot 100.
A raíz de esto cuatro años después publico Return of Saturn que un tuvo un éxito comercial menor no pudiendo igualar el éxito de su álbum anterior y un rendimiento inferior tanto comercial como de la crítica especializada. Solo un año y medio depués, en 2001, la banda lanzó Rock Steady, que vino a reivindicar el éxito de la banda del cuál de desprenden éxitos como “Hey Baby” y “Underneath It All“, con los que la banda ganó dos Premios Grammy.
En 2003 la banda lanzó el recopilatorio de grandes éxitos The Singles 1992-2003 junto con el sencillo “It’s My Life” (cover de Talk Talk y un año depués Gwen Stefani lanzo su carrera como solista, la que conto con varias colaboraciones incluida la de su compañero de banda Tony Kanal, mientras que el guitarrista Tom Dumont comenzó su proyecto paralelo, Invincible Overlord. Durante su carrera la banda ha ganado dos Premios Grammy y han vendido más de 28 millones de discos.1
Tras su reunión en 2008, la banda se embarcó en una gira por los Estados Unidos durante todo el verano de 2009.
Me jode decirlo pero con lo que me han gustado siempre los fineses Los Bastardos Finlandeses y va a ser esta vez la primera que se pasan por Pupilandia. En fin, ¡qué le vamos a hacer!, salen tantos discos… pero me llevo un auto-tirón de orejas por no haber reseñado discos tan sólidos y auténticos como Saved By Rock’n’Roll (2011) o Day Of The Dead (2013), cuarto y quinto disco respectivamente del combo de Helsinki. El pasado marzo lanzaron el que hace ya su séptimo disco de estudio titulado simplemente R’N’R (2019), ¿es necesario calificar de otra forma lo que han parido siempre El Taff Bastardo (vocals, bass), El Bastardo Grande (drums), Don Osmo (guitar, vocals) y Young Gun (guitar, vocals)?. El que los conozca sabrá que es la definición perfecta para sus excelentes canciones…
Para ‘Alguien como tú’ la banda se deja la piel, el corazón y el alma…
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R’N’R (2019) es una maravilla de disco si exceptuamos su repetitiva portada que llevan explotando con mínimas variaciones desde 2011 (¡¡es hora de cambiar Bastardos!!). Con ese sabor añejo, sucio y ‘looser’ que siempre desprenden sus composiciones, el álbum tiene todos los ingredientes bien macerados y perfectamente colocados: hard rock, ínfulas de heavy metal, guitarrazos punk y high energy, rock americano, blues y, por qué no decirlo, ese venazo Thin Lizzy que tan bien les sale en los cortes más tranquilillos y melodiosos caso de “Someone Like You” (no sé quien la canta pero parece el mismísimo Mike Farris…), “Moonstruck” o “Wheelers and Deelers” doblando guitarras en la mejor tradición Lynnot. La fuerza y la entrega rockera hace acto de presencia en muchos momentos y de muchas maneras como en el inicial “King Is Dead” o “Rockabilly Nurse” con ese característico timbre roto y abourbonado de El Taff Bastardo, el ‘quasi’ sleazy “Who’s That Girl”, el funky “Give It Up”, muy Aerosmith él, o los más aguerridos y punkoides “Toast”, “Rockabilly Nurse” o “One More Time”.
Y hasta aquí, os aconsejo encarecidamente que os acerquéis a ellos porque tienen un disco sólido como una roca, se merecen muchísimo más apoyo y difusión que la que tienen porque no sólo basta ser unos animales de escenario, como comprobaréis aquí abajo…
The Best of UFO es un álbum recopilatorio de la banda británica de hard rock y heavy metal UFO, publicado en año 2003 por EMI Music y distribuido por CEMA Specials Markets, como parte de una compilación de varios artistas titulada Ten Best Series. Por ello, también se conoce como Best of UFO: Ten Best Series.1
Incluye canciones de los discos más exitosos de los años setenta, como también del álbum No Place to Run de 1980. De igual manera posee dos temas tomadas del disco en vivo Strangers in the Night de 1979.
“Breakfast In America” es el disco más conocido y comercial de la banda británica Supertramp, volcado más en la faceta pop de su escritura que en las incursiones de mayor esencia progresiva. Sin descuidar la mixtura entre rock sinfónico y pop, crean canciones de meritoria arquitectura compositiva agradecidas, en su mayoría, por la emblemática y plañidera voz de Roger Hodgson.
Clásicos inmortales de la banda con tono cínico y melancólico, dominados por la sonoridad de los teclados de Davies y Hodgson, como sus dos obras maestras “The Logical Song” y “Breakfast In America”, o “Goodbye Stranger” y “Take The Long Way Home”, otros de los títulos más conocidos del álbum, junto a otras piezas de menor entidad pero agradable escucha como “Just Another Nervous Wreck”, “Lord It Is Mine” o “Child Of Vision” resaltan, como es usual en su música, por su notable expresividad emocional y perfecta estructura melódica, destilada por la sinergia vocal, lírica e instrumental de la banda británica.
Ya han pasado unos cuantos años desde que, por casualidad, me topé con el disco que en esta reseña trataré de analizar lo mejor posible (no es fácil, ¿eh?). Era una tarde veraniega y me dispuse a visitar la mejor tienda de música que puede encontrarse en mi isla y comencé a ojear, como suelo hacer siempre que voy, la sección de vinilos de segunda mano, percatándome en poco tiempo de que alguien había vendido a los dueños del local una serie de álbumes de Ted Nugent. Allí estaban el “Cat Scratch Fever”, el homónimo “Ted Nugent” y el “Double Live Gonzo” (tres obras que ya tengo en mi poder), así como otro par de trabajos del de Detroit que no había llegado a oír por aquel entonces como “Spirit Of The Wild” o “Penetrator”. Fue entonces cuando descubrí la poderosa portada de “Weekend Warriors” y quedé fascinado al instante. Por aquel entonces ya sabía lo polémico que “uncle Ted” era, pero no podía imaginarme que una portada podía definir con tanta exactitud a este músico. Así que ese mismo día (con el vinilo también en mi poder), lo puse en mi tocadiscos y quedé, como comprobaréis gratamente satisfecho.
Dejando a un lado mi vida (que a poca gente le interesará) hay que entrar en materia rockera. Y es que allá por 1978 nuestro protagonista se había convertido en un auténtico titán de la escena americana gracias a sus tres obras magnas de estudio (los citados “Ted Nugent” y “Cat Scratch Fever” + “Free-For All”) y, por supuestísimo, a mi adorado “Double Live Gonzo”, que siempre defenderé que es uno de los mejores álbumes en vivo del género. Después de estos trabajos mucha gente le perdió la pista a este lunático, bien por su comportamiento cada vez más polémico, o por un aparente bajón creativo. Sea como fuere, tengo que reconocer que hay un par de joyas en el catálogo de Mr. Nugent que han sido tristemente ignorados por el público general. Una de esas obras es “Weekend Warriors”. Este trabajo, lanzado en la segunda mitad del año 78, tuvo la mala fortuna de ser la primera obra que el americano lanzó tras habernos regalado obras maestras como las ya mencionadas, por lo que las expectativas de la prensa musical y de los seguidores del americano estaban por las nubes y, al escuchar el resultado final, seguramente no quedaron tan satisfechos. De hecho, muchos medios musicales describen este LP como el principio del declive del americano. Probablemente sí lo fue en lo que a ventas se refiere, pero no comparto la idea en lo relacionado con el nivel compositivo. También hay que señalar que este es el primer esfuerzo discográfico del americano tras la partida del vocalista y guitarrista Derek St. Holmes, quien fue sustituido por Charlie Huhn, un músico que, curiosamente, tenía un tono de voz muy similar al de Holmes.
¿Por qué defiendo “Weekend Warriors”?
Ted Nugent tiene un estilo musical muy definido, algo que no es malo (todo lo contrario) y en “Weekend Warriors” encuentro esa esencia plasmada con una calidad altísima. Es un trabajo que se escucha y se disfruta del tirón, con ese carácter provocador y chulesco que Nugent suele emplear y con unas secciones instrumentales de primera categoría.
Y sí, otra vez voy a detenerme en la señora portada que adorna este disco, porque es de esas que logra que un LP entre por los ojos a cualquier mortal. Esta fue creada por Jeff Cummins y consiste en un dibujo de Ted Nugent empuñando una guitarra cuyo mástil finaliza en un cañón que llena todo de humo y balas. Ted tiene apoyado el pie derecho sobre un amplificador Fender (hay otro detrás de este). Sin duda, creo que esta es la portada que mejor define al “prota” de esta reseña: un tipo aguerrido, amante de las armas, maestro de la guitarra y un tanto loco. Aprovecho este momento para presentar una teoría que tengo. No sé si la portada y el título del disco son un homenaje al “Electric Warrior” de T-Rex, la banda de Marc Bolan, cuya mitiquísima portada también mostraba al líder tocando la guitarra delante de un amplificador. Creo que no es una teoría muy alocada, pero tampoco estoy seguro.
¿Seguro que el “tío Ted” había iniciado su declive? Siempre se me presenta esa duda cuando escucho la poderosa apertura trabajo de este álbum. “Need You Bad” muestra una estructura de Blues-Rock sincera, sin grandes sorpresas, aunque con una buena actuación vocal de Charlie y, obviamente, con muchos adornos guitarreros con el sello de nuestro protagonista, destacando especialmente en las líneas del estribillo y, por supuesto, en el solo de primerísimo nivel que tiene esta canción. John Sauter también hace una gran labor al bajo (un ritmo básico pero con una presencia vertebral para el conjunto). Temazo indiscutible.
Y seguimos por la buena senda con “One Woman”, pieza con la que Ted muestra su lado más bluesero y su habilidad para desenvolverse en este género con las seis cuerdas como el magno guitarrista que es. Cabe señalar que el riff principal de esta canción recuerda bastante al de su más que famosa “Cat Scratch Fever”. El solo de guitarra de este lunático es para ponérselo en bucle durante todo un día. Monstruoso inicio que tiene continuación gracias a la directa “I Got The Feelin’” y su clásico feeling propio del Boogie Woogie Rock setentero, ese estilo que tan bien se le da al señor Nugent. De nuevo tengo que alabar la pista de bajo y, por encima de todo, el incendiario solo del melenudo, destruyendo las cuerdas con su famoso instinto asesino (contempla la portada de este álbum mientras escuchas el solo y entenderás a lo que me refiero).
Con un riff con cierto sabor sureño abre “Tights Spots”, un medio tiempo pegajoso, sencillo y accesible con una buena actuación de Huhn y, aunque suene repetitivo (y solo vamos por la cuarta canción), con un papel soberbio del diestro a la guitarra. Mucho más interesante y compleja es “Venom Soup”, una balada oscura y cercana al Metal (especialmente en los versos) que se inicia a partir de unos arpegios muy emotivos que enganchan desde la primera “Smokescreen” es la clásica “canción made in Nugent”. Riff machacón (es inconfundible el sonido que este monstruo le saca a su guitarra), una estructura sencilla y una posterior sección reservada para un solo de guitarra de primer nivel. Una pena que esta canción no llegara a tiempo para aparecer en el mítico “Double Live Gonzo” (¿he dicho ya que es uno de los mejores álbumes en vivo que se han grabado?). Me imagino perfectamente a Ted tocando este tema, alargándolo hasta los 10 minutos como mínimo entre solos e improvisaciones, subido a un escenario adornado con escopetas y toda esa parafernalia que tanto le mola a nuestro “colega”.
Turno de la canción que da nombre al disco. Otro tema alegre y que habla, como podéis imaginaros, sobre lo genial que es la llegada cada semana del “finde”. La canción, siendo objetivos, no muestra nada diferente en el estilo del músico, pero es igual de disfrutable que cualquier otra canción de su catálogo. “Cruisin’” es mucho más rápida y original, ofreciendo emociones fuertes al oyente a partir de un ritmo veloz y constante, un estribillo simple pero sobradamente pegadizo y, como no podía ser de otra forma, con otra exhibición guitarrera.
La fiesta hardrockera se mantiene con la directa “Good Friends And A Bottle Of Wine”, la cual se cimenta en riffs y acordes que recuerdan a AC/DC o a los primeros Kiss. Un tema tan agradable como pasar un momento entre amigos y un par de botellas de vino.
La última bala disparada por la guitarra-escopeta de nuestro protagonista en este disco lleva el título de “Name Your Poison” y es, sin lugar a duda, una de las mejores canciones del disco. Pese a tener una estructura básica y muy propia de Ted, en esta canción encuentro siempre ciertas similitudes con el sonido de los primeros éxitos del señor Alice Cooper (“Under My Wheels”, “I’m Eighteen”,...), un músico admiradísimo por muchos de nosotros.
Seguramente “Weekend Warriors” saldría perdiendo si lo comparamos con el debut homónimo de Nugent o con los posteriores “Free-for-All” o “Cat Scratch Fever”, pero no por ello el disco que he tratado de reseñar debe ser infravalorado. La popularidad musical ganada en el pasado con total justicia era reafirmada con este notable trabajo en el que se respiraba la esencia sonora aún intacta del de Detroit, así como esa actitud políticamente incorrecta que queda reflejada desde la portada. Abrió el año 1978 regalándonos el “Double Live Gonzo” y lo cerró con este LP que os invito a escuchar y a disfrutar.
Practice What You Preach es el tercer álbum de estudio de la banda de thrash metal estadounidense Testament, lanzado en 1989. Las letras del álbum se centran en la política y la sociedad en vez del ocultismo de los dos álbumes anteriores. La canción homónima del álbum tuvo un éxito moderado en el Mainstream Rock Hits, que incluyó un video musical con una sustancial difusión en MTV, al igual que "The Ballad". Practice What You Preach alcanzó el puesto #77 en las listas musicales estadounidenses. El álbum fue grabado en vivo en los Fantasy Studios de Berkeley, California, sin embargo es considerado un álbum de estudio.
Genesis1 es un grupo de rock británico creado en 1967 por Tony Banks, Mike Rutherford, Peter Gabriel y Anthony Phillips.2 Su último álbum de estudio, Calling All Stations, fue publicado en 1997.3
Tras la partida de uno de sus principales fundadores, el guitarrista y compositor Anthony Phillips, y tras varios cambios de bateristas, el grupo quedó conformado en su primera formación "clásica" (1970-1975) por Peter Gabriel (voz y flauta), Tony Banks (teclados), Mike Rutherford (bajo y guitarras), Phil Collins (batería y percusión) y Steve Hackett (guitarra líder).4 Tras la salida de Gabriel -en 1975-5 y de Hackett -en 1977-6 el grupo quedó reducido a un cuarteto, y posteriormente a un trío, con Collins como cantante y baterista, Rutherford como guitarrista y bajista y Banks como tecladista. A partir de la década de 1980, la música de Genesis vería un cambio fundamental de estilo, del rock progresivo hacia el pop-rock, coincidiendo con la época de mayor éxito comercial y con Phil Collins como su líder más visible.7
En 1996 Phil Collins abandonó oficialmente Genesis, para centrarse en su carrera solista, y Ray Wilson fue su reemplazo como vocalista por un breve lapso de tiempo. Al no conseguir los éxitos esperados Genesis se separó definitivamente en 1998. Sin embargo en 2007 realizaron una exitosa gira de conciertos por Europa y los Estados Unidos, llamada "Turn It On Again", tras la cual en varias ocasiones se ha comentado una posible vuelta a los estudios de grabación.8 En el 2020 se anunció su regreso a los escenarios con la gira The Last Domino?, que además a Collins, Banks y Rutherford, incluye al bajista/guitarrista y colaborador Daryl Struemer y al hijo de Phil, Nicholas Collins en la batería en reemplazo de Chester Thompson.
Con aproximadamente 155 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, Genesis se encuentra entre los treinta grupos9 más exitosos en ventas de todos los tiempos.10 Durante su trayectoria han recibido 4 nominaciones y 1 Premio Grammy, 3 nominaciones y 1 Premio American Music12 y nominaciones a los Premios Brit.
Sunna era un grupo de Bristol, la cuna de trip hop, que se dieron a conocer con la salida de su disco «One minute science» en agosto del 2000 y con el que llegaron hasta la posición 151 de los charts. Un álbum de rock-metal con toques industriales pero con muchos matices y de unas atmósferas muy particulares, trip-rock como lo llamaban en su época. De su disco de debut editaron tres singles: «OD», «Power struggle» y «I’m not trading» que logró colarse en la banda sonora de la película «Hollow Man» (titulado «El hombre sin sombra» aquí). En la película se puede ver a Kevin Bacon cantando el single mientras conduce.
Durante ese año, Sunna llegaron a telonear a A Perfect Circle y la parte final de la gira de Smashing Pumpkins, llegando a tocar en España en 2001 como ya comentamos aquí en su día. La suerte les sonreía pero en primavera de 2001 el batería, Richie Mills, abandonó la banda para ser substituido por Mark Richardson (Skunk Anansie), pero finalmente este último se unió a Feeder tras la muerte de Jon Lee. Contactamos con Richie Mills para que nos explicara lo sucedido: «Básicamente tuve una pelea con Jon, por nada especialmente importante, durante nuestra última gira por el Reino Unido. Estaban pasando un montón de cosas «malas» dentro y fuera del grupo que acabaron distanciándonos. Me acabé yendo del grupo tras la gira. El grupo continuó durante unos meses con los miembros restantes y varios baterías, pero creo que la magia se perdió definitivamente hasta que se quedaron Jon y Ian, tal y como todo empezó».
¿Qué pasó después? Pues del cantante Jon Harris no se sabe nada, está desaparecido del mapa. «Salía en los créditos del «100th Window» de Massive Attack y tuvo un facebook durante un tiempo. Yo personalmente disfruté el tiempo que estuve en el grupo con los otros chicos e hice amigos para toda la vida. La creatividad y la inspiración que puedes obtener de los demás es muy positiva para un artista», nos comentaba Mark Cahill, DJ del grupo.
SunnaEl bajista Shane fue el siguiente en abandonar el barco, Mark nos comentaba al respecto: «Se unió a Muse como técnico de bajo y está girando por todo el mundo con ellos. Además se ha vuelto un guitarrista increíble».
Mark dejó el grupo cuando estaban grabando las demos para el segundo disco y ha seguido haciendo música electrónica y tocando algo de guitarra, nos comenta: «Creo que Ian tocó con Lupine Howl pero mi conocimiento es limitado porque he perdido el contacto con los demás», a lo que Richie añade: «Ian ha estado escribiendo mucha música para la TV y películas».
Richie, que lleva 7 años sin hablar con Jon ha tenido algún contacto con los demás y parece que es al que mejor le van las cosas: «He estado tocando en varios grupos durante estos años como Imogen Heap y The Lucky Nine, pero ahora he formado un grupo nuevo llamado MiLLS donde canto y toco la guitarra. Me encanta!!!
Vamos a comentaros hoy un lanzamiento de una banda que es más mítica, más antigua y más británica que el propio palacio de Buckingham, se trata de los incombustibles Status Quo siendo siempre un placer hablar de ellos.
Status Quo ha lanzado al mercado una edición limitada de su archifamoso “In the Army Now 2010” (alias, en la mili ahora como yo oí un día en Radio Nacional de España), siendo una nueva versión de estudio, con otras dos rarezas (grabadas en estudio también) y 2 vídeos – el mencionado y otro tema llamado “Beginning of the end”, vamos a ver qué hay en el CD.
La portada presenta a los dos miembros que actualmente están en los Status y que son los los jefes del cotarro, Rick Parfitt y Francis Rossi, con su indumentaria militroncha y sus guitarras en alto, demostrando que a estos abuelos no les mata ni Dios. Es un poco de aquella manera (chocante, sorprendente, repugnante, patriota, mola, según tu ética) la dedicatoria y fotos que encuentras nada más abrir ya que el álbum está dedicado a varios y en especial al 4th Battalion of the Riffles, Corps of Army Music, entre otros, con muchas fotos de esos que precisamente no reparten magdalenas en Irak junto con estos dos dando caña. Eso sí, para que los anti-militares se pillen el disco, se cubren las espaldas poniendo en pequeñito que Status Quo no alaba la guerra ni cualquier conflicto bélico de ninguna clase pero creen en el firmemente en el apoyo de las familias de las tropas aliadas heridas en combate. Pués vale.
Abre el CD la versión nueva del In the Army Now que en nada difiere de la grabada muchos años antes para seguir con una versión en directo del genial “Caroline”, tomada en directo del show en Ipswich en febrero del año pasado junto con el ya mencionado también “Beguinning of the End”. Cuando todavía tienes las piernas moviéndote con este tema, viene a continuación otro clásico, el “Down, down” – quién no ha bailado esto? – quién no movido el esqueleto con esta canción? – pués la han grabado en el Oxford new Theater hace ahora un par de años (oct 2008) aunque el sonido de directo (aplausos, gritos, etc) salvo un silbidito es casi inaudible. El sonido es perfecto, quizás demasiado ya que si fuera en estudio vale pero al poner que es en directo, es tan aséptico que es como los bares súper limpios, molan pero,.,,, Casi afinando el oído y como tema, aparecen las guitarras y unas palmas para dar comienzo al increíble Whatever you want, cuyo comienzo se hace de rogar, guitarras muy secas, casí más que en versión original. Otra vez a bailar de izquierda a derecha y a tararear en un inglés más o menos como el de la Reina Isabel. Lo que varía es el tono de voz del Rossi que ya no llega (normal, yo con su edad no llego ná) notándose que alguien le hace los registros más altos.
Pasamos al 6º tema, Burning Bridges, cogido del NEC de Birmingham sucediendo el filtro de aplausos y cachondeo pero queda perfecto. A continuación y sin respiro, el bonus track que metieron en una rareza llamada “In Search of the 4th Chord – edición Inglesa”, se llama el tema “I ain’t casting my time” seguido de otro bonus track del mismo disco, el “One by ONe”. Por este minuto del CD ya tienes agujetas en tu cuello del palante patrás, poquito a poco, meneíto. Termina este mini-álbum con la versión de la radio del ya un poco pesado “In the Army Now”. – pero esta vez es la versión que dieron para pinchar en las radios.
Aquí termina lo que es la música pero luego viene los vídeos con más mili (vale ya por favor) y de nuevo el Beginning of the end para que lo veamos a la vez que nos lo bailamos, un poco más y terminas por odiarlo. Yo, hablo en plan pensante de la discográfica, hubiera metido algún tema para variar más el contenido porque la gracia de Dios también hace daño alias, te puede gustar mucho mucho mucho el In the Army Now pero 3 veces en un CD, como que … puffffff.
El míni álbum se presenta en un digipack de lujo y se lanza al mercado como antesala de lo que será su nuevo trabajo de estudio que llevará por nombre “Quid Pro Quo” y que saldrá a la venta a través de earMusic a principios del 2011.
Creo que para coleccionistas (conozco yo a uno que se pillará una docena de este CD) está bien, con rarezas y tal pero evidentemente no aporta nada aparte que puede incluso ser negativo al terminar odiando, aparte de al ejército, a la mili y puede que además de la canción, también odies a la banda por plastas. Podían haber hecho lo mismo pero con el «Gerdundula» que mola más pero esta canción les ha dado más pasta gansa.
Después de sus inicios en el pop psicodélico de los años 60, el grupo británico Status Quo alcanzó un inmenso éxito en su país con sonidos rock, hard rock o boogie rock editados en Vertigo Records en la década de los 70.
Uno de sus números 1 en Gran Bretaña en ese período, “Blue For You” (1976), es reeditado por Culture Factory. En el LP, con la colaboración en la producción de Damon Lyon-Shaw, suenan temas como “Rain”, composición del rubio Rick Partiff, quien afirma con sus típicos y dinámicos sonidos boogie rock que no puede vivir sin la lluvia, “Is There A Better Way”, pegadiza, enérgica apertura de álbum co-escrita entre Francis Rossi y Alan Lancaster con cambio de tempo, armonías vocales y un sonido que tanto debe al power pop como preludia el punk pop, o “Mistery Song”, estupendo tema de seis minutos compuesto por Partiff y Bob Young que retiene en su intro principios de psicodelia con progresos folk rock hasta explotar su lúdico hard rock. Buen álbum.
Status Quo es una banda británica de rock fundada en Londres en 1962, por el vocalista y guitarrista Francis Rossi y por el bajista Alan Lancaster. En el segundo semestre de 1967 Rick Parfitt ingresó a la banda como guitarrista rítmico y ocasionalmente cantante, y tras algunos cambios en su alineación y luego de presentarse con diferentes nombres, la banda debutó discográficamente como Status Quo en 1968 con el sencillo «Pictures of Matchstick Men».
Durante sus primeras producciones su sonido estaba más ligado al rock, beat y rock psicodélico, sin embargo, desde la década de 1970 cambiaron su estilo hacia el hard rock, pero sobre todo al boogie rock. En 1981 el baterista John Coghlan renunció a la banda, que dio término a la clásica alineación llamada por la prensa como the frantic four. Durante la segunda mitad de los ochenta y luego de la llegada de John Edwards y Jeff Rich, en reemplazo de Lancaster y de Pete Kircher respectivamente, la banda adoptó elementos del pop rock en sus discos Ain't Complaining (1988) y Perfect Remedy (1989), que les significó ser criticados tanto por la prensa inglesa como por sus fanáticos. Desde la década de 1990 han publicado una decena de álbumes con su característico sonido, como también algunas producciones de versiones a otros artistas, pero los problemas de salud de Rick Parfitt causaron que algunos de sus conciertos fueran cancelados en los últimos años.
Por otra parte, a lo largo de su carrera han recibido varios premios y condecoraciones como el Silver Clef Award (1981), Brit Awards (1991), World Music Award (1991) y UK Festival Award (2005), entre otros.1 Incluso la organización inglesa PRS for Music los escogió como la banda británica más exitosa por dos años consecutivos, en 2008 y 2009.23 También poseen varios récords como por ejemplo es la agrupación que más veces ha tocado en el Wembley Arena de Londres (47 ocasiones) y la banda con la mayor cantidad de apariciones en el programa Top of the Pops, con 106 presentaciones desde 1968.4 Adicional a ello, hasta el 2006 se estimó que habían dado más de 7000 conciertos en vivo y habían posicionado 67 sencillos y 40 álbumes en la lista británica, durante cinco décadas consecutivas.
Status Quo es considerada una de las bandas más exitosas del Reino Unido, cuyas ventas fluctúan entre los 118 y 120 millones de copias vendidas alrededor del mundo.
Glasvegas es una banda de indie rock escocesa de Glasgow. Está compuesta por James Allan (voz), Rab Allan (guitarra), Paul Donoghue (bajo eléctrico) y Jonna Löfgren (batería). Su álbum debut, Glasvegas (2008), fue muy bien recibido por la crítica y llegó a ser disco de platino. Además, alcanzó el número 2 en las listas de venta inglesas y fue nominado para el Mercury Music Prize en septiembre de 2009. El álbum también disfrutó de un gran éxito comercial y de la crítica en Norteamérica y en Suecia (donde fue disco de oro). El 1 de diciembre de 2008, menos de tres meses después del lanzamiento de su álbum debut, la banda seguía conquistando a la crítica con el lanzamiento de A Snowflake Fell (And It Felt Like A Kiss), un EP navideño de seis canciones grabado en Transilvania.
En 2011, el grupo lanzó su segundo álbum, Euphoric /// Heartbreak \, que fue grabado en una casa de playa en Santa Mónica. El álbum alcanzó el número 10 en el Reino Unido y el número 1 en Suecia. Aunque también fue muy aclamado por la prensa recibiendo muchas críticas favorables, no fue tan exitoso comercialmente como su álbum debut. Hasta la fecha, la banda ha tocado dos veces por todo el mundo, incluyendo una gira por China y siete por Norteamérica.
En junio de 2013, la banda anunció que, por segunda vez en su carrera, había firmado un importante contrato discográfico con una de las mayores compañías discográficas del mundo; BMG. La banda lanzará a nivel mundial su tercer álbum Later...When The TV Turns To Static en septiembre de 2013.
La relación entre Ozzy Osbourne y Randy Rhoads es una de las más memorables de la historia del heavy y el hard rock, desde el modo en el que se conocieron; se cuenta que Ozzy estaba totalmente ebrio cuando le hizo la prueba al guitarrista y le contrató con solo verle afinar (algo parecido al momento Ravi Shankar en el 'Concierto para Bangladesh' en el que tras llevarse una ovación cerrada al poco de subir al escenario tiró de ironía para decir: “si os ha gustado tanto la afinación, espero que disfrutéis más aún con la música”); hasta su triste adiós, cuando Rhoads murió en un accidente de avión estando de gira con Ozzy.
El comienzo del disco no puede ser más apropiado, el O Fortuna del Carmina Burana de Carl Orff a todo volumen mientras Ozzy grita 'Are you ready to rock'n'roll?'. Para cuando entra el tremendo riff de Randy Rhoads para I Don't Know ya sabemos que este es uno de esos discos en los que no se van a coger prisioneros. Publicado originalmente en 1987, cinco años después de la temprana muerte de Rhoads, el disco es un buen tributo al guitarrista y una crónica del mejor momento de la carrera en solitario de Ozzy, esa en la que junto a Rhoads grabó su disco de debut en solitario, The Blizzard Of Ozz y su continuación, Diary Of A Madman.
La mayor parte del repertorio se basa en el primero, incluidas las icónicas Crazy Train, que sirvió como 'single' de presentación del disco, y Mr. Crowley donde se luce absolutamente Randy. Claro que el solo más recordado de este disco es el que mete a otra canción del debut de Ozzy, Suicide Solution, con su icónica Sandoval polka dot flying V. Los amantes del duelo entre los pistoleros más rápidos de finales de los 70 y comienzos de los 80 (Randy y Eddie Van Halen) tienen aquí una de sus referencias claras. Otro de los atractivos de este disco es el pequeño repaso a varios de los clásicos de Black Sabbath, Iron Man, Children Of The Grave y Paranoid donde Rhoads se pasa a su Les Paul Custom blanca del 74 y se marca unos solos totalmente distintos de los de Tony Iommi.
En concreto, este tributo es una maravilla para los amantes del guitarrista y de la primera etapa de Ozzy, sobre todo de The Blizzard Of Ozz, del que se tocan todas sus canciones, menos la instrumental Dee, obra de Rhoads, que aparece al final con varios 'out-takes'. Aquí se puede ver a Rhoads en su modo más clásico, probablemente el que hubiera tomado de haber seguido viviendo, un poco harto de tener que hacer exhibiciones de velocidad al modo Van Halen para que los chavales se fueran contentos a casa. También es un bonito cierre porque lo emparenta con otro gran guitarrista muerto antes de tiempo, el gran Duane Allman que antes de fallecer en un accidente con su moto, dejó grabada el instrumental acústico, Little Martha que apareció de manera póstuma en el Eat A Peach de los Allman Brothers. En Dee se puede apreciar que, mucho más allá de su técnica y su digitalización, Rhoads tenía algo mucho más importante, alma.